[Update] 53 ภาพวาดโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง | ภาพ วาด ศิลปิน ตะวันตก – Australia.xemloibaihat

ภาพ วาด ศิลปิน ตะวันตก: คุณกำลังดูกระทู้

การเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงในชีวิตของคุณเองไม่รับประกันว่าคุณจะได้รับการจดจำจากศิลปินอื่น ๆ คุณเคยได้ยินเกี่ยวกับจิตรกรชาวฝรั่งเศสชื่อ Ernest Meissonier? เขาเป็นคนร่วมสมัยกับ Edouard Manet และเป็นศิลปินที่ประสบความสำเร็จมากขึ้นในแง่ของการโห่ร้องและการขายที่สำคัญ สิ่งที่ตรงกันข้ามก็เป็นความจริงเช่นกันกับ Vincent Van Gogh ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงที่สุด Van Gogh พึ่งพาพี่ชายธีโอของเขาเพื่อมอบภาพวาดและผืนผ้าใบให้กับเขา แต่วันนี้ภาพเขียนของเขาก็เรียกเก็บราคาแผ่นเสียงเมื่อใดก็ตามที่พวกเขามาที่งานประมูลศิลปะและเขาเป็นชื่อที่ใช้ในครัวเรือน

การมองภาพวาดที่มีชื่อเสียงในอดีตและปัจจุบันสามารถสอนคุณได้หลายอย่างรวมถึงองค์ประกอบและการจัดการสี แม้ว่าอาจเป็นบทเรียนที่สำคัญที่สุดคือคุณควรจะวาดด้วยตัวคุณเองไม่ใช่สำหรับตลาดหรือสำหรับลูกหลาน

Table of Contents

“นาฬิกากลางคืน” โดย Rembrandt

หอศิลป์ที่มีชื่อเสียงของศิลปินชื่อดัง “Night Watch” จาก Rembrandt 363x437cm (143×172 “) ภาพสีน้ำมันบนผ้าใบในคอลเลกชันของ Rijksmuseum ในอัมสเตอร์ดัมภาพถ่าย© Rijksmuseum, Amsterdam

ภาพวาด “Night Watch” ของ Rembrandt อยู่ใน Rijksmuseum ในอัมสเตอร์ดัม ภาพแสดงให้เห็นว่าเป็นภาพวาดขนาดใหญ่: 363x437cm (143×172 “) Rembrandt ได้ดำเนินการในปีพ. ศ. 2185 โดยเป็นชื่อที่แท้จริงคือ” บริษัท ของ Frans Banning Cocq และ Willem van Ruytenburch “แต่เป็นที่รู้จักกันดีว่าเป็น Night Watch ( บริษัท ที่เป็นผู้คุ้มกันทหารรักษาการณ์)

องค์ประกอบของภาพวาดแตกต่างกันมากในช่วงนี้ แทนที่จะแสดงให้เห็นตัวเลขในรูปแบบเรียบร้อยระเบียบที่ทุกคนได้รับความสำคัญและพื้นที่เดียวกันบนผืนผ้าใบ Rembrandt ได้วาดพวกเขาเป็นกลุ่มที่วุ่นวายในการดำเนินการ

ประมาณ 1,715 โล่ถูกทาสีลงบน “Night Watch” ที่มีชื่อของ 18 คน แต่ได้รับการระบุเท่านั้น ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2552 นักประวัติศาสตร์ชาวดัตช์ชาวดัตช์ Bas Dudok van Heel ได้เล็งเห็นถึงความลึกลับของผู้ที่อยู่ในภาพวาดนี้ งานวิจัยของเขาได้ค้นพบเสื้อผ้าและอุปกรณ์เสริมที่แสดงไว้ใน “Night Watch” ที่กล่าวถึงในสินค้าคงเหลือในตระกูลของครอบครัวซึ่งเขาได้รวบรวมไว้กับอายุของขบวนการต่างๆในปีพ. ศ. 1642 เมื่อปีพ. ศ.

Dudok van Heel ยังค้นพบว่าในห้องโถงที่ “Night Watch” ของ Rembrandt ถูกแขวนไว้เป็นครั้งแรกมีภาพกลุ่มอาสาสมัครหกกลุ่มที่แสดงในชุดต่อเนื่องไม่ใช่ภาพหกภาพที่แยกออกจากกันมานาน แทนที่จะเป็นภาพกลุ่ม 6 กลุ่มโดย Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart และ Flinck ซึ่งเป็นรูปกรุนด์ที่เชื่อมต่อกันและยึดติดกับแผ่นไม้ของห้อง หรือว่าเป็นความตั้งใจ … “Night Watch” ของ Rembrandt ไม่เหมาะกับภาพเขียนอื่น ๆ ในองค์ประกอบหรือสี ดูเหมือนแรมแบรนดท์ไม่ปฏิบัติตามข้อกำหนดของคณะกรรมการของเขา แต่แล้วถ้าเขามีเราไม่เคยมีภาพกลุ่มที่แตกต่างกันในศตวรรษที่ 17 นี้อย่างยอดเยี่ยม

หาข้อมูลเพิ่มเติม:
•อ่านเกี่ยวกับประวัติและความสำคัญของ “Night Watch” ในเว็บไซต์ Rijksmuseum
จานของนายเก่า: แรมแบรนดท์
อัตลักษณ์ของแรมแบรนด

“กระต่าย” โดย Albrecht Dürer

แกลลอรี่ของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง Albrecht Dürer, Hare, 1502 สีน้ำและลูกปัด, แปรง, ความสูงด้วย gouache สีขาว © Albertina, Vienna ภาพถ่าย© Albertina Museum

เรียกได้ว่าเป็นกระต่ายของDürerชื่ออย่างเป็นทางการของภาพวาดนี้เรียกว่ากระต่าย ภาพวาดอยู่ในคอลเลกชันถาวรของชุด Batliner ของพิพิธภัณฑ์ Albertina ในกรุงเวียนนาประเทศออสเตรีย

ถูกทาสีโดยใช้สีน้ำและสีกุ๊ยโดยมีไฮไลท์สีขาวทำด้วยสีโกเมน (แทนที่จะเป็นสีขาวที่ไม่มีการทาสี)

เป็นตัวอย่างที่น่าตื่นเต้นสำหรับวิธีการทาสีขนสัตว์ ในการเลียนแบบวิธีการที่คุณต้องการจะขึ้นอยู่กับความอดทนที่คุณมีอยู่ ถ้าคุณมีเยอะแยะคุณจะวาดโดยใช้แปรงบาง ๆ ผมแต่ละครั้ง หรือใช้เทคนิคแปรงแห้งหรือแยกเส้นขนบนแปรง ความอดทนและความอดทนเป็นสิ่งสำคัญ ทำงานได้เร็วเกินไปกับสีเปียกและแต่ละจังหวะอาจมีความเสี่ยงเข้าด้วยกัน อย่าให้ยาวนานพอและขนจะดูหยาบกร้าน

โบสถ์ Sistine Chapel Ceiling Fresco by Michelangelo

แกลลอรี่ของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียงมองเห็นได้เป็นทั้งภาพวาดฝ้าเพดาน Sistine Chapel ครอบงำ; มีเพียงมากเกินไปที่จะใช้ในและดูเหมือนว่านึกไม่ถึงว่าปูนเปียกถูกออกแบบโดยศิลปินคนหนึ่ง รูปภาพ©รูปภาพ Francia Origlia / Getty

ภาพวาดของ Michelangelo จากฝ้าเพดาน Sistine Chapel เป็นภาพจิตรกรรมฝาผนังที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

โบสถ์ Sistine เป็นโบสถ์ขนาดใหญ่ในพระราชวังเผยแพร่ศาสนาที่อยู่อาศัยอย่างเป็นทางการของสมเด็จพระสันตะปาปา (ผู้นำคริสตจักรคาทอลิก) ในนครวาติกัน มีภาพจิตรกรรมฝาผนังจำนวนมากที่วาดด้วยรูปปั้นนี้โดยใช้ชื่อที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคเรเนสซองรวมถึงภาพเฟรสโกโดย Bernini และ Raphael แต่ยังมีชื่อเสียงโด่งดังมากที่สุดสำหรับภาพเฟรสโกบนเพดานโดย Michelangelo

ประสูติในวันที่ 6 มีนาคม ค.ศ. 1475 และเสียชีวิตในวันที่ 18 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1564 โดยได้รับการว่าจ้างจากสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่สอง Michelangelo ได้ทำงานใน โบสถ์ เพดาน โบสถ์ Sistine ตั้งแต่เดือนพฤษภาคมปี ค.ศ. 1508 ถึงเดือนตุลาคมปี 1512 (ไม่มีงานทำระหว่างเดือนกันยายน ค.ศ. 1510 ถึงสิงหาคม ค.ศ. 1511) โบสถ์ได้รับการสถาปนาขึ้นในวันที่ 1 พฤศจิกายน ค.ศ. 1512 ในงานเลี้ยงของนักบุญทุกคน

โบสถ์ยาว 40.23 เมตรกว้าง 13.40 เมตรและเพดาน 20.70 เมตรเหนือพื้นดินที่จุดสูงสุด 1 Michelangelo วาดชุดของฉากในพระคัมภีร์ผู้เผยพระวจนะและบรรพบุรุษของพระคริสต์รวมทั้งคุณสมบัติ trompe l’oeil หรือสถาปัตยกรรม พื้นที่หลักของเพดานแสดงเรื่องราวจากเรื่องราวของหนังสือปฐมกาลรวมถึงการสร้างมวลมนุษยชาติการล่มสลายของมนุษย์จากพระคุณน้ำท่วมและโนอาห์

เพิ่มเติมเกี่ยวกับโบสถ์ Sistine:

พิพิธภัณฑ์วาติกัน: โบสถ์ Sistine
•ทัวร์เสมือนจริงของโบสถ์ Sistine
> แหล่งที่มา:
พิพิธภัณฑ์วาติกัน 1: โบสถ์ Sistine, เว็บไซต์ของ Vatican City State, เข้าถึง 9 กันยายน 2010

ฝ้าเพดาน Sistine: รายละเอียด

แกลลอรี่ของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียงการสร้างอาดัมอาจเป็นแผงที่รู้จักกันดีที่สุดในโบสถ์ Sistine ที่มีชื่อเสียง โปรดสังเกตว่าองค์ประกอบอยู่นอกศูนย์ ภาพ©ภาพประกอบ / Getty Images

แผงแสดงการสร้างมนุษย์อาจเป็นฉากที่รู้จักกันดีที่สุดในภาพเฟรสโก้ที่มีชื่อเสียงโดย Michelangelo บนเพดานโบสถ์ Sistine

โบสถ์ Sistine ในวาติกันมีจิตรกรรมฝาผนังจำนวนมากวาดในนั้นยังมีชื่อเสียงมากที่สุดสำหรับภาพเฟรสโกบนเพดานโดย Michelangelo การบูรณะอย่างกว้างขวางได้ทำขึ้นระหว่างปีพ. ศ. 2523 และ 2537 โดยผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะวาติกันการนำควันออกจากเทียนและการบูรณะก่อนหน้านี้ นี้เผยให้เห็นสีสดใสกว่าที่เคยคิด

เม็ดสี Michelangelo ใช้รวมสีแดงสำหรับสีแดงและสีเหลืองเหล็กซิลิเกตสำหรับสีเขียว lapis lazuli สำหรับบลูส์และถ่านดำ 1 ไม่ทุกอย่างถูกวาดในรายละเอียดมากที่สุดเท่าที่มันปรากฏตัวครั้งแรก ตัวอย่างเช่นตัวเลขในเบื้องหน้าจะทาสีในรายละเอียดมากกว่าที่อยู่เบื้องหลังเพิ่มความรู้สึกของความลึกในเพดาน

เพิ่มเติมเกี่ยวกับโบสถ์ Sistine:

พิพิธภัณฑ์วาติกัน: โบสถ์ Sistine
•ทัวร์เสมือนจริงของโบสถ์ Sistine
> แหล่งที่มา:
1. พิพิธภัณฑ์วาติกัน: โบสถ์ Sistine, เว็บไซต์ของ Vatican City State, เข้าถึง 9 กันยายน 2010

“The Mona Lisa” โดย Leonardo da Vinci

จากแกลลอรี่รูปภาพของภาพวาดที่โด่งดังของศิลปินชื่อดัง “Mona Lisa” โดย Leonardo da Vinci ทาสี c.1503-19 สีน้ำมันบนไม้ ขนาด: 30×20 “(77×53 ซม.) ภาพวาดที่มีชื่อเสียงนี้มีอยู่ในคอลเล็กชันของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในกรุงปารีสรูปภาพ© Stuart Gregory / Getty Images

ภาพวาด “Mona Lisa” ของ Leonardo da Vinci ใน Louvre ในกรุงปารีสเป็นภาพเขียนที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก มันอาจเป็นตัวอย่างที่รู้จักกันดีที่สุดของ sfumato ซึ่งเป็นเทคนิคการจิตรกรรมที่มีส่วนรับผิดชอบต่อรอยยิ้มที่ลึกลับของเธอ

มีการคาดเดาเกี่ยวกับผู้หญิงที่อยู่ในภาพเขียนเป็นจำนวนมาก คิดว่าเป็นภาพของ Lisa Gherardini ภรรยาของพ่อค้า Florentine Francesco del Giocondo (นักเขียนตำราแห่งศตวรรษที่ 16 Vasari เป็นหนึ่งในคนแรกที่แนะนำเรื่องนี้ใน “ชีวิตศิลปิน”) นอกจากนี้ยังมีข้อเสนอแนะเหตุผลสำหรับรอยยิ้มของเธอคือการที่เธอตั้งครรภ์

นักประวัติศาสตร์ศิลป์รู้ว่าเลโอนาร์โดได้เริ่ม “โมนาลิซ่า” โดยปีพศ. 1503 โดยบันทึกไว้ในปีนั้นโดยเจ้าหน้าที่อาวุโสของเมืองฟลอเรนซ์ชื่อ Agostino Vespucci เมื่อเขาเสร็จแล้วก็ไม่แน่ใจ พิพิธภัณฑ์ลูฟร์เดิมลงวันที่ภาพวาดที่ 1503-06 แต่ค้นพบในปี 2012 แนะนำมันอาจจะได้รับมากที่สุดเท่าที่ทศวรรษที่ผ่านมาภายหลังก่อนที่มันจะเสร็จสิ้นการขึ้นอยู่กับพื้นหลังอยู่บนพื้นฐานของการวาดภาพของหินที่เขาเป็นที่รู้จักได้ทำใน 1510 -15 1 พิพิธภัณฑ์ลูฟร์เปลี่ยนวันที่ 1503-19 มีนาคม 2012

คุณจะต้องเอาชนะฝูงชนเพื่อดูว่า “ในเนื้อหนัง” มากกว่าเป็นการทำซ้ำ มันคุ้มค่าหรือไม่? ฉันต้องพูดว่า “อาจจะ” มากกว่า “แน่นอน” ฉันรู้สึกผิดหวังครั้งแรกที่ฉันเห็นมันเป็นฉันไม่เคยตระหนักอย่างแท้จริงเพียงวิธีการภาพวาดขนาดเล็กมันเป็นเพราะฉันเคยเห็นโปสเตอร์ขนาด มีขนาดเพียง 30×20 นิ้ว (77×53 ซม.) คุณไม่จำเป็นต้องกางแขนออกไปเลยก็ได้

แต่ที่กล่าวว่าคุณสามารถเยี่ยมชม Louvre จริงๆและไม่ไปดูอย่างน้อยหนึ่งครั้ง? อดทนเพียงวิธีการของคุณไปทางด้านหน้าของฝูงชนที่ชื่นชมแล้วใช้เวลาของคุณมองไปที่วิธีการที่สีที่มีการใช้ เพียงเพราะมันเป็นภาพวาดที่คุ้นเคยไม่ได้หมายความว่าจะไม่คุ้มค่ากับการใช้เวลากับมัน คุ้มค่ากับการสืบพันธุ์ที่มีคุณภาพมากยิ่งขึ้นเนื่องจากยิ่งคุณดูยิ่งดูมากเท่าไร เพียงแค่สิ่งที่อยู่ในภูมิหลังที่อยู่เบื้องหลังเธอ? ตากำลังมองหาทางไหน? เขาวาดภาพผ้านิยายดังกล่าวได้อย่างไร? ยิ่งคุณดูมากเท่าไหร่คุณก็ยิ่งเห็นได้มากขึ้นถึงแม้ว่าในตอนแรกอาจรู้สึกคุ้นเคยกับการวาดภาพ

ดูสิ่งนี้ด้วย:

> การอ้างอิง:
1. Mona Lisa อาจเสร็จสิ้นภายในสิบปีหลังจากที่คิดใน The Art Newspaper โดย Martin Bailey วันที่ 7 มีนาคม 2012 (เข้าถึง 10 มีนาคม 2012)

โน้ตบุ๊ค Leonardo da Vinci

โน้ตบุ๊คขนาดเล็กโดย Leonardo da Vinci (ระบุอย่างเป็นทางการว่า Codex Forster III) อยู่ในพิพิธภัณฑ์ V & A ในกรุงลอนดอน ภาพ© 2010 Marion Boddy-Evans ได้รับอนุญาตให้ใช้งาน About.com, Inc.

ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Leonardo da Vinci มีชื่อเสียงไม่เพียง แต่สำหรับภาพวาดของเขา แต่ยังเป็นโน้ตบุ๊คของเขา ภาพนี้แสดงให้เห็นในพิพิธภัณฑ์ V & A ในกรุงลอนดอน

พิพิธภัณฑ์ V & A ในกรุงลอนดอนมีโน้ตบุ๊คของ Leonardo da Vinci จำนวน 5 เล่มในคอลเล็กชัน หนึ่งนี้เรียกว่า Codex Forster III ถูกใช้โดย Leonardo da Vinci ระหว่าง 1490 และ 1493 เมื่อเขาทำงานในมิลานสำหรับ Duke Ludovico Sforza

เป็นโน้ตบุ๊คขนาดเล็กชนิดของขนาดที่คุณสามารถเก็บไว้ในกระเป๋าเสื้อโค้ทได้อย่างง่ายดาย มันเต็มไปด้วยความคิดทุกรูปแบบโน้ตและสเก็ตช์รวมไปถึง “ภาพสเก็ตช์ขาม้า … ภาพวาดหมวกและผ้าที่อาจเป็นความคิดสำหรับเครื่องแต่งกายที่ลูกบอลและเรื่องราวของกายวิภาคศาสตร์ของศีรษะมนุษย์” 1 ขณะที่คุณไม่สามารถเปลี่ยนหน้าของโน้ตบุ๊กในพิพิธภัณฑ์ได้คุณสามารถผ่านหน้าเว็บออนไลน์ได้

การอ่านลายมือของเขาไม่ใช่เรื่องง่ายระหว่างลักษณะการประดิษฐ์ตัวอักษรและการใช้กระจกเขียน (ย้อนหลังจากขวาไปซ้าย) แต่ฉันรู้สึกหลงใหลในการดูว่าเขาใส่ทุกสิ่งทุกอย่างลงในสมุดบันทึกเล่มใดเล่มหนึ่ง เป็นโน้ตบุ๊กที่ใช้งานได้ไม่ใช่ของประดับยนต์ ถ้าคุณกังวลว่า วารสารสร้างสรรค์ ของคุณไม่ได้ทำหรือจัดไว้อย่างถูกต้องให้ใช้ผู้นำของคุณจากต้นแบบนี้: ทำตามที่คุณต้องการ

หาข้อมูลเพิ่มเติม:

อ้างอิง:
1. สำรวจฟอร์สเตอร์ Codices, V & A Museum (เข้าถึงวันที่ 8 สิงหาคม 2553)

จิตรกรชื่อดัง: Monet at Giverny

จาก Photo Gallery of Famous Paintings และ Monet ศิลปินชื่อดังที่นั่งอยู่ติดกับบ่อน้ำพุในสวนของเขาที่ Giverny ในประเทศฝรั่งเศส รูปภาพ©รูปภาพ Hulton Archive / Getty

ภาพอ้างอิงสำหรับภาพวาด: “Garden at Giverny” ของ Monet

ส่วนหนึ่งของเหตุผลที่จิตรกรอิมเพรสชั่จท์ Claude Monet มีชื่อเสียงมากคือภาพวาดภาพสะท้อนของเขาในบ่อเลี้ยงปลานิลที่เขาสร้างขึ้นในสวนขนาดใหญ่ของเขาที่ Giverny เป็นแรงบันดาลใจเป็นเวลาหลายปีจนกระทั่งถึงวันสิ้นสุดชีวิตของเขา เขาวาดภาพความคิดสำหรับภาพวาดที่ได้แรงบันดาลใจจากสระน้ำเขาสร้างภาพเขียนขนาดเล็กและขนาดใหญ่ทั้งในรูปแบบของแต่ละบุคคลและชุด

ลายเซ็นของ Monet’s Painting

แกลเลอรีของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง Claude Monet ลายเซ็นของภาพวาด Nympheas 1904 ของเขา ภาพถ่าย© Bruno Vincent / Getty Images

ตัวอย่างของวิธีการนี้ Monet ได้เซ็นชื่อภาพเขียนของเขาจากภาพเขียนอันวิจิตรบรรจงของเขา คุณสามารถเห็นเขาเซ็นชื่อด้วยชื่อและนามสกุล (Claude Monet) และปี (1904) อยู่ที่มุมขวาด้านล่างซึ่งอยู่ไกลพอที่จะไม่ถูกตัดออกจากกรอบ

ชื่อเต็มของ Monet คือ Claude Oscar Monet

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: “พระอาทิตย์ขึ้นประทับใจ” โดย Monet

แกลลอรี่ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของศิลปินชื่อดัง “Impression Sunrise” ของ Monet (1872) น้ำมันบนผืนผ้าใบ ประมาณ 18×25 นิ้วหรือ 48x63cm ปัจจุบันอยู่ในMusée Marmottan Monet ในปารีส รูปภาพโดย Buyenlarge / Getty Images

ภาพวาดนี้โดย Monet ทำให้ชื่อสไตล์ อิมเพรสชั่สชั่น ของศิลปะ เขาได้จัดแสดงในปีพ. ศ. 2417 ในกรุงปารีสในสิ่งที่เป็นที่รู้จักในฐานะนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ครั้งแรก ในการทบทวนงานนิทรรศการที่ชื่อว่า “Exhibition of Impressionists” นักวิจารณ์ศิลปะ Louis Leroy กล่าวว่า ” วอลล์เปเปอร์ในสภาพตัวอ่อนของมันเสร็จสมบูรณ์กว่าทะเล ” 1

•ค้นหาข้อมูลเพิ่มเติม: ข้อเสนอสุดพิเศษเกี่ยวกับภาพพระอาทิตย์ขึ้นของ Monet คืออะไร?

อ้างอิง
1. “L’Exposition des Impressionnistes” โดย Louis Leroy, Le Charivari , 25 เมษายน 1874, Paris แปลโดย John Rewald ใน ประวัติความเป็นมาของการตีความ , Moma, 1946, p256-61; ที่ยกมาใน Salon to Biennial: การจัดนิทรรศการที่สร้างประวัติศาสตร์ศิลป์โดย Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: “Haystacks” Series by Monet

คอลเลกชันของภาพวาดที่มีชื่อเสียงเพื่อสร้างแรงบันดาลใจให้คุณและขยายความรู้ด้านศิลปะของคุณ ภาพ: © Mysticchildz / Nadia (Creative Commons บางสิทธิสงวนไว้)

Monet มักจะวาดชุดของเรื่องเดียวกันในการจับภาพการเปลี่ยนแปลงของแสง, ผืนผ้าใบแลกเปลี่ยนเป็นวันที่ก้าวหน้า

Monet วาดหลาย ๆ เรื่องอีกครั้งและอีกครั้ง แต่ทุกภาพวาดชุดของเขามีความแตกต่างไม่ว่าจะเป็นภาพวาดของดอกบัวหรือกองหญ้าแห้ง ภาพวาดของ Monet กระจายอยู่ทั่วโลกโดยปกติแล้วจะมีเฉพาะในงานนิทรรศการพิเศษที่ภาพเขียนชุดของเขาถูกมองว่าเป็นกลุ่ม โชคดีที่สถาบันศิลปะในชิคาโกมีภาพวาดของกองขยะของโมเนทจำนวนมากในคอลเล็กชันของพวกเขาขณะที่พวกเขาทำให้การดูน่าประทับใจด้วยกัน:

  • กองข้าวสาลี
  • ละลาย, ซันเซ็ท
  • พระอาทิตย์ตก, ผลหิมะ
  • ผลหิมะ, วันที่มีเมฆมาก
  • ปลายฤดูร้อน

ในตุลาคม 1890 Monet เขียนจดหมายถึงนักวิจารณ์ศิลปะ Gustave Geffroy เกี่ยวกับกองชุดกองหญ้าแห้งเขาเป็นภาพวาดกล่าวว่า “ฉันยากที่มันทำงานตะแบงในชุดของผลแตกต่างกัน แต่ในช่วงเวลาของปีนี้ชุดดวงอาทิตย์ อย่างรวดเร็วจนเป็นไปไม่ได้ที่จะติดตามเรื่องนี้ … ยิ่งฉันได้รับมากเท่าใดฉันก็ยิ่งเห็นว่าต้องมีการทำงานมากขึ้นเพื่อที่จะทำให้สิ่งที่ฉันกำลังมองหาคือ “ความฉับไว” ซองจดหมาย ” เหนือสิ่งอื่นใดแสงเดียวกันกระจายไปทั่วทุกสิ่งทุกอย่าง … ฉันหลงลืมมากขึ้นโดยต้องแสดงสิ่งที่ฉันพบและฉันภาวนาว่าฉันจะมีปีที่ดีขึ้นอีกไม่กี่ที่เหลือให้ฉันเพราะฉันคิดว่าฉันอาจทำให้ ความก้าวหน้าบางอย่างในทิศทางนั้น … ” 1

การอ้างอิง: 1. Monet โดยพระองค์เอง , p172, แก้ไขโดย Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: Claude Monet “Water Lilies”

แกลเลอรีของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง ภาพ: © davebluedevil (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์บางส่วน)

Claude Monet , “น้ำดอกบัว” c. 19140-17 น้ำมันบนผืนผ้าใบ ขนาด 65 3/8 x 56 นิ้ว (166.1 x 142.2 ซม.) ในการจัดเก็บพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งซานฟรานซิสโก

Monet อาจจะมีชื่อเสียงที่สุดของ Impressionists โดยเฉพาะภาพวาดภาพสะท้อนของเขาในบ่อลิลี่ที่สวน Giverny ของเขา ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นถึงเมฆเล็ก ๆ ที่มุมขวาบนและมีบลูส์สีฟ้าบนท้องฟ้าที่สะท้อนอยู่ในน้ำ

ถ้าคุณศึกษารูปถ่ายสวนของ Monet เช่นบึง lilie Monet และดอกลิลี่ตัวนี้และเปรียบเทียบกับภาพวาดนี้คุณจะรู้สึกได้ว่า Monet ลดรายละเอียดลงในภาพวาดของเขาอย่างไรรวมถึงสาระสำคัญของ เห็นหรือความรู้สึกของการสะท้อนน้ำและดอกลิลี่ คลิกที่ลิงก์ “ดูขนาดเต็ม” ด้านล่างรูปภาพด้านบนเพื่อดูขนาดใหญ่ขึ้นซึ่งทำให้รู้สึกถึงแปรงของ Monet ได้ง่ายขึ้น

กวีชาวฝรั่งเศส Paul Claudel กล่าวว่า “ขอบคุณน้ำ [Monet] ได้กลายเป็นจิตรกรของสิ่งที่เราไม่สามารถมองเห็นได้เขากล่าวว่าผิวทางจิตวิญญาณที่มองไม่เห็นซึ่งแยกแสงจากการสะท้อนแสงสีฟ้าของอากาศที่ถูกกักขังจากสีฟ้าของเหลว … สีที่เพิ่มขึ้นจาก ด้านล่างของน้ำในเมฆในอ่างน้ำวน ”

ดูสิ่งนี้ด้วย:

> ที่มา :
p262 ศิลปะแห่งศตวรรษของเราโดย Jean-Louis Ferrier และ Yann Le Pichon

ลายเซ็นภาพของ Camille Pissarro

แกลลอรี่ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของศิลปินชื่อดังลายเซ็นของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์คามิลล์ปิสซาร์เกี่ยวกับภาพวาด “ภูมิทัศน์บริเวณใกล้เคียง Louveciennes (ฤดูใบไม้ร่วง)” ในปี ค.ศ. 1870 ภาพ© Ian Waldie / Getty Images

จิตรกร Camille Pissarro มีแนวโน้มที่จะไม่ค่อยรู้จักกันดีในยุคของโคตร (เช่น Monet) แต่มีจุดที่โดดเด่นในวงการศิลปะ เขาทำงานเป็นทั้งอิมเพรสชั่นนิสต์และนีโออิมเพรสชั่นนิสท์รวมถึงศิลปินที่มีชื่อเสียงในปัจจุบันเช่นCézanne, Van Gogh และ Gauguin เขาเป็นศิลปินเพียงคนเดียวที่แสดงให้เห็นถึง ผลงานการจัดนิทรรศการอิมเพรสชันนิสต์ ทั้งแปดแห่งในกรุงปารีสตั้งแต่ปีพ. ศ. 2417 ถึง 2429

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: Van Gogh Self Portrait 1886/7

ภาพเหมือนตนเองโดย Vincent van Gogh (1886/7) 41×32.5 ซม. น้ำมันบนกระดานศิลปินติดตั้งบนแผง ในคอลเลกชันของสถาบันศิลปะแห่งชิคาโก ภาพ: © Jimcchou (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์)

ภาพนี้โดย Vincent van Gogh อยู่ในคอลเลกชันของสถาบันศิลปะแห่งชิคาโก มันถูกวาดโดยใช้รูปแบบคล้ายกับ Pointillism แต่ไม่ติดเคร่งครัดกับจุดเท่านั้น

ในช่วงสองปีที่เขาอาศัยอยู่ในกรุงปารีสตั้งแต่ปีพ. ศ. 2429 ถึงปีพ. ศ. 2431 แวนโก๊ะวาดรูปตัวเองด้วยตัวเอง 24 ภาพ สถาบันศิลปะแห่งชิคาโกอธิบายว่า “เทคนิคจุด” ของ Seurat ไม่ใช่วิธีการทางวิทยาศาสตร์ แต่เป็น “ภาษาอารมณ์ที่รุนแรง” ซึ่ง “จุดสีแดงและสีเขียวทำให้เกิดความวุ่นวายและสอดคล้องกับความตึงเครียดที่เห็นได้ชัดของ Van Gogh’s จ้องมอง”

ในจดหมายฉบับหนึ่งเมื่อไม่กี่ปีหลังจากที่พี่สาวของเขาวิลเฮลมินาฟานก็อกฮ์เขียนว่า “ฉันวาดภาพสองภาพของตัวเองมาเมื่อเร็ว ๆ นี้ซึ่งหนึ่งในนั้นมีตัวละครที่แท้จริงค่อนข้างเป็นความคิดแม้ว่าในฮอลแลนด์พวกเขาอาจจะเยาะเย้ยความคิดเกี่ยวกับภาพ ภาพวาดที่งอกที่นี่ … ฉันมักจะคิดว่าภาพน่ารังเกียจและฉันไม่ชอบที่จะมีพวกเขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งไม่ได้คนที่ฉันรู้และรัก …. ถ่ายภาพบุคคลที่เหี่ยวแห้งมากเร็วกว่าที่เราเองทำในขณะที่ ภาพวาดเป็นสิ่งที่รู้สึกว่าทำด้วยความรักหรือความเคารพต่อมนุษย์ที่ถูก portrayed.
(อ้างจากแหล่งข่าว: จดหมายถึง Wilhelmina van Gogh, 19 กันยายน 1889)

ดูสิ่งนี้ด้วย:
ทำไมศิลปินที่สนใจการถ่ายภาพบุคคลควรวาดภาพด้วยตนเอง
การ สาธิตการวาดภาพด้วยตัวเอง

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: The Starry Night โดย Vincent van Gogh

แกลลอรี่ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของศิลปินชื่อดัง The Starry Night by Vincent Van Gogh (1889) ภาพสีน้ำมันบนผ้าใบ 29×36 1/4 “(73.7×92.1 ซม.) ในคอลเลคชัน Moma, New York รูปภาพ: © Jean-Francois Richard (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์)

ภาพวาดนี้ซึ่งเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Vincent van Gogh อยู่ในคอลเล็กชันที่ Moma in New York

เมื่อวานนี้ Van Gogh ได้เขียนภาพ The Starry Night ในเดือนมิถุนายนปีพ. ศ. 2432 เมื่อกล่าวถึงดาวรุ่งในจดหมายที่เขียนถึงน้องชายธีโอเมื่อวันที่ 2 มิถุนายน พ.ศ. 2432 กล่าวว่า “เช้านี้ฉันเห็นประเทศจากหน้าต่างของฉันเป็นเวลานานก่อนพระอาทิตย์ขึ้น ดาวรุ่งซึ่งดูใหญ่มาก ” ดาวฤกษ์ตอนเช้า (ที่จริงดาวศุกร์ไม่ใช่ดาว) ส่วนใหญ่จะเป็นสีขาวขนาดใหญ่ที่ทาสีเพียงด้านซ้ายตรงกลางของภาพ

จดหมายฉบับแรกของแวนโก๊ะยังกล่าวถึงดาวและท้องฟ้ายามราตรีและความปรารถนาของเขาในการวาดภาพพวกเขา:
“เมื่อไหร่ที่ฉันจะได้รับรอบการทำท้องฟ้าที่เต็มไปด้วยดาวภาพที่อยู่ในใจของฉัน?” (จดหมายถึง Emile เบอร์นาร์ด, 18 มิถุนายน 2431)

“สำหรับท้องฟ้าที่เต็มไปด้วยดาวฤกษ์ฉันก็ยังคงหวังว่าจะวาดมันได้มากและบางทีฉันอาจเป็นหนึ่งในวันนี้” (จดหมายถึง Theo van Gogh, c. 26 กันยายน 2431)

“ในตอนนี้ฉันต้องการทาสีท้องฟ้าเต็มไปด้วยดวงดาวฉันมักจะคิดว่าคืนนี้ยังคงเป็นสีที่มั่งคั่งกว่าวันนั้นมีเฉดสีของสีม่วงเข้มสีฟ้าและสีเขียวถ้าคุณใส่ใจเท่านั้น เห็นได้ว่าดวงดาวบางดวงมีสีเหลืองมะนาวสีชมพูอื่น ๆ หรือสีเขียวสีฟ้าและสีสันที่ลืมไม่ได้ … เห็นได้ชัดว่าการวางจุดสีขาวเล็ก ๆ น้อย ๆ บนฟ้าสีดำไม่เพียงพอในการวาดท้องฟ้าเต็มไปด้วยดวงดาว ” (จดหมายถึง Wilhelmina van Gogh, 16 กันยายน 1888)

ลายเซ็นภาพจิตรกรรมของ Vincent van Gogh

แกลลอรี่ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของศิลปินชื่อดัง “Night Cafe” โดย Vincent van Gogh (1888) ภาพถ่าย© Teresa Veramendi, สีเหลืองของ Vincent ใช้โดยได้รับอนุญาต

Night Cafe by Van Gogh อยู่ในคอลเล็กชันของหอศิลป์มหาวิทยาลัยเยล เป็นที่รู้จักกัน Van Gogh ลงนามเฉพาะภาพวาดที่เขาพอใจโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับ แต่สิ่งที่ผิดปกติในกรณีของภาพนี้ก็คือเขาเพิ่มชื่อด้านล่างลายเซ็นของเขา “Le café de nuit”

ประกาศนียบัตร Van Gogh ลงนามในภาพเขียนของเขาคือ “Vincent” ไม่ใช่ “Vincent van Gogh” หรือ “Van Gogh” ในจดหมายถึงพี่ชายของธีโอเขียนเมื่อวันที่ 24 มีนาคม พ.ศ. 2431 เขาระบุว่า “ในอนาคตชื่อของฉันควรจะใส่ลงในแคตตาล็อกเมื่อฉันลงลายมือชื่อบนผ้าใบคือวินเซนต์และไม่ใช่แวนโก๊ะด้วยเหตุผลง่ายๆ พวกเขาไม่รู้ว่าจะออกเสียงชื่อหลังนี้ได้อย่างไร ” (“นี่” เป็น Arles ทางตอนใต้ของฝรั่งเศส)

หากคุณสงสัยว่าคุณพูดถึง Van Gogh อย่างไรโปรดจำไว้ว่าเป็นนามสกุลชาวดัตช์ไม่ใช่ภาษาฝรั่งเศสหรือภาษาอังกฤษ ดังนั้น “Gogh” จึงออกเสียงพร้อมกับคำว่า “Loch” ของสก๊อตแลนด์ ไม่ใช่ “goff” หรือ “go”

ดูสิ่งนี้ด้วย:
Palette ของ Van Gogh

ร้านอาหาร de la Sirene ที่ Asnieres โดย Vincent van Gogh

แกลเลอรีของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง “ร้านอาหาร de la Sirene ที่ Asnieres” โดย Vincent van Gogh (ผ้าใบบนผ้าใบ Ashmolean Museum, Oxford) ภาพ: © Marion Boddy-Evans 2007 ได้รับอนุญาตให้ใช้งาน About.com, Inc.

ภาพเขียนของ Vincent van Gogh จัดอยู่ในพิพิธภัณฑ์ Ashmolean ในเมือง Oxford ประเทศอังกฤษ Van Gogh วาดภาพไม่นานหลังจากที่เขามาถึงปารีสในปีพ. ศ. 2430 เพื่ออยู่กับพี่ชายของธีโอในเมืองมงต์มาร์ทซึ่งธีโอกำลังจัดการหอศิลป์

เป็นครั้งแรกที่ Vincent ได้สัมผัสกับภาพวาดของ อิมเพรสชันนิสต์ (โดยเฉพาะ Monet ) และได้พบกับศิลปินเช่น Gauguin , Toulouse-Lautrec, Emile Bernard และ Pissarro เมื่อเทียบกับงานก่อนหน้าของเขาซึ่งถูกครอบงำด้วยโทนสีเข้มของชาวยุโรปในทวีปยุโรปเช่น Rembrandt ภาพวาดนี้แสดงถึงอิทธิพลของศิลปินเหล่านี้ต่อเขา

สีที่เขาเคยชินได้กระจ่างและสดใสขึ้นและแปรงทาสีของเขาก็คลายลงและชัดเจนมากขึ้น ดูรายละเอียดเหล่านี้จากภาพวาดและคุณจะเห็นได้ชัดว่าเขาใช้จังหวะเล็ก ๆ ของสีที่บริสุทธิ์แยกออกจากกัน เขาไม่ได้ผสมผสานสีลงบนผืนผ้าใบ แต่ให้สิ่งนี้เกิดขึ้นในสายตาของผู้ดู เขากำลังทดลองวิธีการ สีที่แตกหัก ของ Impressionists

เมื่อเทียบกับภาพวาดในภายหลังแถบสีจะเว้นระยะห่างกันโดยมีพื้นหลังเป็นกลางแสดงระหว่างพวกเขา เขายังไม่ครอบคลุมผืนผ้าใบทั้งหมดที่มีสีอิ่มตัวและใช้ประโยชน์จากความเป็นไปได้ในการใช้แปรงเพื่อสร้างเนื้อสัมผัสในตัวสี

ดูสิ่งนี้ด้วย:
Palette และเทคนิคของ Van Gogh
สิ่งที่สี Impressionists ใช้สำหรับเงา?
เทคนิคของอิมเพรสชั่นนิสต์: Broken Color

ร้านอาหาร de la Sirene ที่ Asnieres โดย Vincent van Gogh (รายละเอียด)

แกลลอรี่ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของศิลปินชื่อดังรายละเอียดจาก “ร้านอาหาร de la Sirene ที่ Asnieres” โดย Vincent van Gogh (ภาพสีน้ำมันบนพิพิธภัณฑ์ Ashmolean) ภาพ: © Marion Boddy-Evans 2007 ได้รับอนุญาตให้ใช้งาน About.com, Inc

รายละเอียดเหล่านี้จากภาพวาดของ Van Gogh ใน Restaurant de la Sirene ที่ Asnieres (ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ Ashmolean) แสดงให้เห็นว่าเขาทดลองใช้แปรงและแปรงสีฟันของเขาหลังจากสัมผัสกับภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์และศิลปินชาวปารีสในปัจจุบันอื่น ๆ

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: Degas “Four Dancers”

ภาพ: © MikeandKim (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์)

Edgar Degas, Four Dancers, ค. 1899 น้ำมันบนผืนผ้าใบ ขนาด 59 1/2 x 71 นิ้ว (151.1 x 180.2 ซม.) ในหอศิลป์แห่งชาติของศิลปะวอชิงตัน

“ภาพของศิลปินแม่” วิสต์เลอร์

แกลลอรี่ของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง “การจัดเรียงในสีเทาและสีดำฉบับที่ 1 ภาพของศิลปินแม่” โดย James Abbott McNeill Whistler (1834-1903) 1871. 144.3×162.5cm น้ำมันบนผืนผ้าใบ ในคอลเลกชันของ Musee d’Orsay, Paris ภาพถ่าย© Bill Pugliano / Getty Images จิตรกรรมในคอลเลกชันของ Musee d’Orsay ในปารีส

นี่อาจเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของวิสต์เลอร์ ชื่อเต็มคือ “การจัดเรียงตามสีเทาและสีดำหมายเลข 1 ภาพของศิลปินแม่” เห็นได้ชัดว่าแม่ของเขาตกลงที่จะถ่ายรูปเมื่อรูปแบบของวิสต์เลอร์กำลังป่วยหนัก ตอนแรกเขาขอให้เธอยืนท่าทาง แต่อย่างที่คุณเห็นเขาให้และปล่อยให้เธอนั่งลง

บนผนังเป็นสลักโดย Whistler “Black Lion Wharf” ถ้าคุณมองอย่างระมัดระวังบนผ้าม่านที่ด้านซ้ายบนของกรอบแกะสลักคุณจะเห็นรอยเปื้อนเบานั่นคือสัญลักษณ์ของผีเสื้อ Whistler ใช้ในการเซ็นชื่อภาพวาดของเขา สัญลักษณ์นี้ไม่ได้เหมือนกัน แต่มันเปลี่ยนไปและรูปร่างของมันก็ถูกนำมาใช้เพื่อสร้างงานศิลปะของเขา เป็นที่รู้กันว่าเขาจะเริ่มใช้มันในปี 1869

ภาพที่มีชื่อเสียง: Gustav Klimt “Hope II”

©เจสสิก้า Jeanne (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์บางส่วน)

” ใครก็ตามที่อยากจะรู้อะไรบางอย่างเกี่ยวกับฉัน – ในฐานะศิลปินซึ่งเป็นสิ่งที่โดดเด่นที่สุดเท่านั้น – ควรมองภาพของฉันอย่างระมัดระวังและพยายามที่จะเห็นในสิ่งที่ฉันเป็นและสิ่งที่ฉันต้องการทำ ” – Klimt 1

Gustav Klimt วาดภาพ Hope II บนผ้าใบในปี 1907/8 โดยใช้สีน้ำมันทองและแพลทินัม มีขนาด 43.5×43.5 นิ้ว (110.5 x 110.5 ซม.) ภาพวาดนี้เป็นส่วนหนึ่งของชุด Musuem of Modern Art ในนิวยอร์ก

Hope II เป็นตัวอย่างที่สวยงามของการ ใช้ ของ Klimt ใน ใบสีทอง ในภาพวาดและรูปแบบการตกแต่งที่อุดมไปด้วยของเขา มองไปที่วิธีการที่เขาวาดภาพเสื้อผ้าที่สวมใส่โดยรูปหลักรูปทรงที่เป็นนามธรรมที่ตกแต่งด้วยแวดวง แต่เรายังคงอ่านว่าเป็นเสื้อคลุมหรือชุด วิธีที่ด้านล่างจะรวมเข้ากับสามใบหน้าอื่น ๆ

ในภาพประกอบของชีวประวัติของ Klimt นักวิจารณ์ศิลปะแฟรงก์ Whitford พูดว่า “ใช้ทองคำและเงินจริงใบเพื่อเพิ่มความรู้สึกว่าภาพวาดเป็นวัตถุที่มีค่าไม่ไกลจากกระจกซึ่งธรรมชาติสามารถ glimpsed แต่กระทำอย่างรอบคอบ สิ่งประดิษฐ์.” 2 เป็นสัญลักษณ์ที่ยังคงมีผลในวันนี้เนื่องจากทองคำยังถือว่าเป็นสินค้าที่มีค่า

Klimt อาศัยอยู่ในกรุงเวียนนาในออสเตรียและได้แรงบันดาลใจจากตะวันออกไปทางทิศตะวันตกมากขึ้นจาก “แหล่งที่มาเช่นงานศิลปะไบเซนไทน์ Mycenean metalwork พรมเปอร์เซียและเพชรประดับกระเบื้องโมเสคของโบสถ์ Ravenna และหน้าจอญี่ปุ่น” 3

ดูเพิ่มเติม: การใช้ทองในภาพเหมือน Klimt

อ้างอิง:
1. ศิลปินในบริบท: Gustav Klimt โดย Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993) ปกหลัง
2. Ibid. p82
3. MoMA Highlights (พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่, New York, 2004), p. 54

ลายเซ็น: Picasso

แกลเลอรีของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง Picasso ลายเซ็นของภาพวาด 1903 “ภาพของเทวดา Fernandez de Soto” (หรือ “Absinthe Drinker”) ภาพ© Oli Scarff / Getty Images

นี่คือลายเซ็นของ Picasso ในภาพวาดของเขาในปี ค.ศ. 1903 (จากยุคสีน้ำเงิน) ของเขาชื่อ “The Absinthe Drinker”

Picasso ได้ทดลองใช้ชื่อรุ่นของเขาในรูปของลายเซ็นรวมทั้งชื่อย่อในวงกลมก่อนที่จะตั้งชื่อว่า “Pablo Picasso” วันนี้เรามักได้ยินเขาเรียกว่า “ปีกัสโซ” ชื่อเต็มของเขาคือ: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, dela Santisima Trinidad, Ruiz Picasso 1

อ้างอิง:
1. “ผลรวมของการทำลายล้าง: วัฒนธรรมของปีกัสโซและการสร้างลัทธิเขียนภาพ” โดยนาตาชาสตอลเลอร์ สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเยล หน้า p209

“ผู้ดื่ม Absinthe” โดย Picasso

แกลเลอรีของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง Picasso ของภาพวาด 1903 “ภาพของเทวดา Fernandez de Soto” (หรือ “Absinthe Drinker”) ภาพ© Oli Scarff / Getty Images

ภาพวาดนี้ถูกสร้างขึ้นโดย Picasso ในปี ค.ศ. 1903 ในช่วง Blue Period (ช่วงเวลาที่ภาพวาดของ Picasso ถูกครอบงำด้วยโทนสีฟ้าเมื่อตอนที่เขาอายุยี่สิบ) มีศิลปิน Angel Fernandez de Soto ซึ่งเห็นได้ชัดว่ามีความกระตือรือร้นในการจัดปาร์ตี้และดื่มเหล้ามากกว่าภาพวาดของเขา 1 คนและเคยร่วมงานกับ Picasso ในบาร์เซโลนาสองครั้ง

ภาพวาดถูกประมูลประมูลเมื่อเดือนมิถุนายน 2553 โดยมูลนิธิแอนดรูลอยด์เว็บเบอร์หลังจากที่นิคมอุตสาหกรรมนอกศาลตกลงไปถึงประเทศสหรัฐอเมริกาโดยอ้างว่าเป็นลูกหลานของนายพอลฟอน Mendelssohn-Bartholdy ซึ่งเป็นลูกจ้างของชาวเยอรมันและชาวยิว ภาพวาดที่ได้รับภายใต้การบังคับข่มขู่ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ในระบอบนาซีในเยอรมนี

ดูเพิ่มเติม: ลายเซ็นของ Picasso ในภาพวาดนี้

อ้างอิง:
1. Christie’s Auction House แถลงข่าว “Christie’s เสนอ Picasso Masterpiece” วันที่ 17 มีนาคม 2553

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: Picasso “The Tragedy” จากช่วง Blue ของเขา

คอลเลกชันของภาพวาดที่มีชื่อเสียงเพื่อสร้างแรงบันดาลใจให้คุณและขยายความรู้ด้านศิลปะของคุณ ภาพ: © MikeandKim (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์)

Pablo Picasso, The Tragedy, 1903 น้ำมันบนไม้ ขนาด 41 7/16 x 27 3/16 นิ้ว (105.3 x 69 ซม.) ในหอศิลป์แห่งชาติของศิลปะวอชิงตัน

มันมาจากยุคสีน้ำเงินของเขาเมื่อภาพวาดของเขาเป็นชื่อแนะนำทั้งหมดครอบงำโดยบลูส์

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: Guernica by Picasso

คอลเลกชันของภาพวาดที่มีชื่อเสียงเพื่อสร้างแรงบันดาลใจให้คุณและขยายความรู้ด้านศิลปะของคุณ ภาพวาด “Guernica” โดย Picasso ภาพ© Bruce Bennett / Getty Images

•เรื่องใหญ่เกี่ยวกับภาพวาดนี้

ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของ Picasso มีขนาดใหญ่: 11 ฟุต 6 นิ้วและสูง 25 ฟุต 8 นิ้ว (3,5 x 7,76 เมตร) ปีกัสโซวาดภาพให้กับศาลาสเปนในงาน World Fair 1937 ในกรุงปารีส อยู่ใน Museo Reina Sofia ในเมืองมาดริดประเทศสเปน

•เพิ่มเติมเกี่ยวกับจิตรกรรม Guernica ของ Picasso …
•วาด Picasso ทำขึ้นสำหรับจิตรกรรม Guernica ของเขา

วาดโดย Picasso สำหรับจิตรกรรม “Guernica” ชื่อดังของเขา

Picasso ศึกษาภาพวาดของเขาที่ชื่อว่า Guernica ©ภาพโดยภาพของ Gotor / Cover / Getty

ในขณะที่การวางแผนและการทำงานกับภาพวาดของเขาอย่างมาก Guernica, Picasso ได้สเก็ตช์และการศึกษาจำนวนมาก ภาพนี้แสดงภาพร่าง ชิ้นส่วนประกอบ ของตัวเองซึ่งดูเหมือนไม่ค่อยมีลักษณะเป็นชุดของเส้นขีดเขียน

แทนที่จะพยายามถอดรหัสสิ่งต่าง ๆ และสิ่งที่อยู่ในภาพวาดสุดท้ายให้คิดว่ามันเป็นเรื่องย่อของปิกัสโซ ทำเครื่องหมาย ง่ายๆสำหรับรูปภาพที่เขาเก็บไว้ในใจ มุ่งเน้นไปที่วิธีการที่เขาใช้เพื่อตัดสินใจว่าจะวางองค์ประกอบในภาพวาดบนปฏิสัมพันธ์ระหว่างองค์ประกอบเหล่านี้

“Portrait de Mr Minguell” โดย Picasso

แกลลอรี่ของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง “ภาพนาย de Minguell” โดย Pablo Picasso (1901) สีน้ำมันบนกระดาษที่วางไว้บนผืนผ้าใบ ขนาด: 52×31.5cm (20 1/2 x 12 3 / 8in) ภาพ© Oli Scarff / Getty Images

Picasso ได้วาดภาพนี้ในปี ค.ศ. 1901 เมื่ออายุ 20 ปีเรื่องนี้เป็นผลงานการออกแบบของคาตาลันนาย Minguell ซึ่งเป็นที่เชื่อกันว่า Picasso ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับผู้จำหน่ายงานศิลปะและเพื่อนของเขา Pedro Manach 1 สไตล์ที่แสดงให้เห็นถึงการฝึกอบรม Picasso มีอยู่ในภาพวาดแบบดั้งเดิมและวิธีการที่รูปแบบการวาดภาพของเขาได้รับการพัฒนาในช่วงอาชีพของเขา ว่าภาพวาดบนกระดาษเป็นสัญญาณว่ามันเกิดขึ้นในช่วงเวลาที่ปิกัสโซกำลังยุ่งเหยิง แต่ยังไม่ได้รับเงินเพียงพอจากงานศิลปะของเขาในการทาสีบนผืนผ้าใบ

Picasso มอบภาพวาดให้ Minguell เป็นของขวัญ แต่หลังจากซื้อมันกลับมาและยังคงมีอยู่เมื่อเขาเสียชีวิตในปีพ. ศ. 2516 ภาพวาดบนผ้าใบและมีแนวโน้มที่จะได้รับการบูรณะภายใต้การนำของปีกัสโซ “เวลาก่อนปี พ.ศ. 2512” 2 เมื่อถ่ายภาพ หนังสือของ Christian Zervos เกี่ยวกับ Picasso

ครั้งต่อไปที่คุณอยู่ในหนึ่งในบรรดาพรรคฝ่ายซ้ายขัดแย้งเกี่ยวกับวิธีการทั้งหมดจิตรกรที่ไม่ใช่ความจริงเพียงวาดนามธรรม / Cubist / Fauvist / Impressionist / เลือกสไตล์ของคุณเพราะพวกเขาไม่สามารถทำให้ “ภาพวาดที่แท้จริง” ถามคนถ้า พวกเขานำ Picasso ในประเภทนี้ (ส่วนใหญ่ทำ) แล้วพูดถึงภาพวาดนี้

อ้างอิง:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Lot รายละเอียด Impressionist and Modern Art Sale 22 มิถุนายน 2553 (เข้าถึงวันที่ 3 มิถุนายน 2553)

“Dora Maar” หรือ “Tête De Femme” โดย Picasso

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง “Dora Maar” หรือTête De Femme “โดย Picasso ภาพถ่าย© Peter Macdiarmid / Getty Images

เมื่อขายในงานประมูลเมื่อเดือนมิถุนายน 2551 ภาพวาดของ Picasso นี้ขายได้ที่ราคา 7,881,250 (15,509,512 เหรียญสหรัฐ) การประมูลมีราคาตั้งแต่ 3 ถึง 5 ล้านปอนด์

Les Demoiselles d’Avignon โดย Picasso

แกลเลอรีของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง Les Demoiselles d’Avignon โดย Pablo Picasso, 1907 น้ำมันบนผ้าใบ, 8 x7 ‘8 “(244 x 234 ซม.) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ (Moma) นิวยอร์กภาพถ่าย: © Davina DeVries ( Creative Commons บางสิทธิสงวนไว้)

ภาพวาดขนาดใหญ่ (เกือบแปดตารางฟุต) โดย Picasso ได้รับการประกาศให้เป็นหนึ่งในชิ้นส่วนที่สำคัญที่สุดของศิลปะสมัยใหม่ที่เคยสร้างขึ้นมาหากไม่สำคัญที่สุดคือภาพวาดที่สำคัญในการพัฒนางานศิลปะสมัยใหม่ ภาพวาดแสดงให้เห็นผู้หญิงห้าคน – โสเภณีในซ่อง – แต่มีการถกเถียงกันมากเกี่ยวกับความหมายทั้งหมดและการอ้างอิงและอิทธิพลทั้งหมดในเรื่องนี้

นักวิจารณ์ศิลปะโจนาธานโจนส์ 1 กล่าวว่า “สิ่งที่หลงปิกัสโซ่เกี่ยวกับหน้ากากแอฟริกัน (เห็นได้ชัดจากใบหน้าของตัวเลขด้านขวา) เป็นสิ่งที่เห็นได้ชัดที่สุดคือพวกเขาปลอมตัวคุณเปลี่ยนตัวคุณให้กลายเป็นสัตว์อสูร พระเจ้า Modernism เป็นศิลปะที่สวมหน้ากากมันไม่ได้พูดในสิ่งที่มันหมายถึงมันไม่ได้เป็นหน้าต่าง แต่ผนัง Picasso เลือกเรื่องของเขาได้อย่างแม่นยำเพราะมันเป็นถ้อยคำที่เบื่อหู: เขาต้องการที่จะแสดงให้เห็นว่าความคิดริเริ่มในงานศิลปะไม่ได้ อยู่ในการเล่าเรื่องหรือคุณธรรม แต่ในสิ่งประดิษฐ์ที่เป็นทางการนี่คือเหตุผลที่ทำให้เข้าใจผิดว่า Les Demoiselles d’Avignon เป็นภาพวาดเกี่ยวกับ “ซ่องโสเภณีหรือลัทธิล่าอาณานิคม”

ดูสิ่งนี้ด้วย:

อ้างอิง:
1. Pablo’s Punks โดย Jonathan Jones, The Guardian, 9 มกราคม 2550

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: Georges Braque “Woman with a Guitar”

ภาพ© Independentman (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์บางส่วน)

1. Pablo’s Punks โดย Jonathan Jones, The Guardian, 9 มกราคม 2550

Georges Braque, หญิงกับกีตาร์ , 1913 น้ำมันและถ่านบนผืนผ้าใบ 51 1/4 x 28 3/4 นิ้ว (130 x 73 ซม.) ใน Musee National d’Art Moderne, ศูนย์ Georges Pompidou, Paris

สตูดิโอแดงโดย Henri Matisse

แกลเลอรีของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง “The Red Studio” โดย Henri Matisse ทาสีในปีพ. ศ. 2454 ขนาด: ประมาณ 71 “x 7” 2 “(ประมาณ 180 x 220 ซม.) น้ำมันบนผืนผ้าใบ ในคอลเลกชันของ Moma, New York ภาพถ่าย© Liane / Lil’bear ใช้โดยได้รับอนุญาต

ภาพวาดนี้อยู่ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ (Moma) ในนิวยอร์ก แสดงภาพภายในของสตูดิโอภาพ Matisse ซึ่งมีมุมมองที่ราบเรียบหรือเป็นภาพเดียว กำแพงห้องทำงานของเขาไม่แดงเลยพวกเขาขาว; เขาใช้สีแดงในภาพวาดของเขาเพื่อผล

ในสตูดิโอของเขามีงานศิลปะและชิ้นส่วนเฟอร์นิเจอร์สตูดิโอมากมาย เค้าโครงของเฟอร์นิเจอร์ในสตูดิโอของเขาเป็นเส้นในสีเผยให้เห็นจากชั้นล่างสีเหลืองและสีฟ้าไม่ทาสีด้านบนของสีแดง

“เส้นโค้งแนะนำความลึกและแสงสีฟ้าสีเขียวของหน้าต่างจะเพิ่มความรู้สึกของพื้นที่ภายใน แต่การขยายออกไปของสีแดงจะทำให้ภาพดูแบนลง Matisse ให้ความสำคัญกับลักษณะพิเศษนี้เช่นโดยไม่คำนึงถึงเส้นแนวตั้งของมุมห้อง .”
– MoMA Highlights , ตีพิมพ์โดย Moma, 2004, หน้า 77

องค์ประกอบทั้งหมด … จมแต่ละตัวตนของพวกเขาในสิ่งที่กลายเป็นสมาธิยาวนานเกี่ยวกับศิลปะและชีวิตพื้นที่เวลาการรับรู้และธรรมชาติของความเป็นจริงตัวเอง … ทางแยกสำหรับภาพวาดตะวันตกที่คลาสสิกออกด้านนอกมองที่โดดเด่น ศิลปะที่เป็นตัวแทนของอดีตที่ผ่านมาได้พบ ethos เฉพาะกาล, internalized และ self-referential ของอนาคต … ”
– Hilary Spurling, หน้า 81

ค้นหาข้อมูลเพิ่มเติม: •ข้อเสนอสุดพิเศษเกี่ยวกับ Matisse และภาพวาดของ Red Studio คืออะไร

การฟ้อนรำโดย Henri Matisse

แกลเลอรีของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง “การเต้นรำ” โดย Henri Matisse (ด้านบน) และร่างน้ำมันที่เขาทำสำหรับมัน (ด้านล่าง) ภาพถ่าย© Cate Gillon (ด้านบน) และ Sean Gallup (ด้านล่าง) / Getty Images

•ข้อเสนอสุดพิเศษเกี่ยวกับ Matisse และภาพวาดของ Red Studio คืออะไร

ภาพด้านบนแสดงภาพวาดที่เสร็จสิ้นของ Matisse ชื่อ The Dance เสร็จสมบูรณ์ในปี 1910 และตอนนี้ใน State Hermitage Museum ในกรุงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กประเทศรัสเซีย ภาพด้านล่างแสดงผลงานการประพันธ์เชิงภาพขนาดเต็มรูปแบบที่เขาทำไว้สำหรับภาพวาดตอนนี้ใน MOMA ในนิวยอร์กสหรัฐอเมริกา Matisse วาดมันในคณะกรรมการจากรัสเซีย Sergei Shchukin สะสมงานศิลปะ

เป็นภาพวาดขนาดใหญ่ซึ่งมีความกว้างเกือบสี่เมตรและมีความสูงสองและครึ่งเมตร (12 ‘9 1/2 “x 8’ 6 1/2”) และมีการทาสีด้วยจานสี จำกัด สามสีคือสีแดง , เขียวและน้ำเงิน ฉันคิดว่าเป็นภาพวาดที่แสดงให้เห็นว่าทำไม Matisse จึงมีชื่อเสียงในฐานะนักเขียนสีโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเปรียบเทียบการศึกษากับภาพวาดสุดท้ายกับตัวเลขเรืองแสง

ในหนังสือชีวประวัติของเธอเรื่อง Matisse (หน้า 30) ฮิลารีสปิงเล่กล่าวว่า “บรรดาผู้ที่เห็นรูปแบบการ เต้นรำ ครั้งแรกเล่าให้ฟังว่าอ่อนโยนอ่อนโยนแม้กระทั่งความฝันวาดด้วยสีสันที่มีความสูง … ในรุ่นที่สองให้กลายเป็นเรื่องที่ดุร้าย , ผ้าสักหลาดแบนของตัวเลขสีแดงเข้มสั่นสะเทือนกับวงดนตรีของสีเขียวสดใสและท้องฟ้าผู้เห็นร่วมสมัยเห็นภาพวาดเป็นศาสนาอิสลามและ Dionysian ”

สังเกตมุมมองที่ราบเรียบว่าตัวเลขมีขนาดเท่ากันหรือไม่มากกว่าภาพที่มีขนาดเล็กกว่าเนื่องจากจะเกิดขึ้นในมุมมองหรือทำให้เป็นภาพวาดที่เป็นตัวแทน เส้นแบ่งระหว่างสีน้ำเงินกับสีเขียวหลังรูปเป็นเส้นโค้งสะท้อนวงกลมของตัวเลข

“พื้นผิวมีสีสันถึงความอิ่มตัวจนถึงจุดที่สีน้ำเงินความคิดของสีน้ำเงินที่แน่นอนคือปัจจุบันอย่างชัดเจนสีเขียวสดใสสำหรับแผ่นดินโลกและสีสันสดใสของร่างกายด้วยสีทั้งสามสีนี้มีความสามัคคีของแสงและ ความบริสุทธิ์ของโทน ” – Matisse
“บทนำสู่นิทรรศการจากรัสเซียสำหรับครูและนักเรียน” โดย Greg Harris, Royal Academy of Arts, London, 2008

จิตรกรชื่อดัง: Willem de Kooning

จากแกลอรี่รูปภาพของภาพวาดที่มีชื่อเสียงและศิลปินที่มีชื่อเสียง Willem de Kooning ภาพวาดในสตูดิโอของเขาใน Easthampton, Long Island, New York, ในปีพ. ศ. 2510 ภาพถ่ายโดย Ben Van Meerondonk / Hulton Archive / Getty Images

จิตรกร Willem de Kooning เกิดที่เมือง Rotterdam ประเทศเนเธอร์แลนด์เมื่อวันที่ 24 สิงหาคม พ.ศ. 2447 และเสียชีวิตในลองไอแลนด์นิวยอร์กเมื่อวันที่ 19 มีนาคม พ.ศ. 2540 De Kooning ได้รับการฝึกฝนศิลปะการค้าและ บริษัท ตกแต่งเมื่ออายุได้ 12 ขวบและเข้าร่วมงานช่วงเย็น เรียนที่ Rotterdam Academy of Fine Arts และเทคนิคเป็นเวลาแปดปี เขาอพยพไปยังสหรัฐอเมริกาในปีพ. ศ. 2469 และเริ่มวาดภาพเต็มเวลาในปี พ.ศ. 2479

ภาพวาด ของ De Kooning คือ Abstract Expressionism เขามีงานแสดงเดี่ยวครั้งแรกที่ Charles Egan Gallery ในนิวยอร์กเมื่อปีพ. ศ. 2491 โดยมีผลงานสีทาผิวสีดำและสีขาว (เขาเริ่มใช้สีเคลือบฟันในขณะที่เขาไม่สามารถจ่ายสีของศิลปินได้) ในช่วงทศวรรษ 1950 เขาได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในผู้นำของ Abstraction Expressionism แม้ว่านักคิดแบบดั้งเดิมบางคนคิดว่าภาพเขียนของเขา รูปแบบของมนุษย์มาก

ภาพวาดของเขามีหลายชั้นองค์ประกอบซ้อนทับกันและซ่อนไว้ในขณะที่เขานำมาใช้และนำมาใช้ใหม่ในการวาดภาพ การเปลี่ยนแปลงที่ได้รับอนุญาตให้แสดง เขาวาดภาพบนผ้าใบของเขาอย่างกว้างขวางสำหรับองค์ประกอบเริ่มต้นและในขณะที่ภาพวาด แปรงของเขาเป็นท่าทางแสดงออกป่ามีความรู้สึกของพลังงานที่อยู่เบื้องหลังจังหวะ ภาพวาดสุดท้ายดูได้อย่างรวดเร็ว แต่ไม่ได้

ผลงานศิลปะของ De Kooning ยาวนานเกือบ 7 ทศวรรษรวมถึงภาพวาดประติมากรรมภาพวาดและภาพพิมพ์ ภาพวาดสุดท้ายของเขาถูกสร้างขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1980 ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของพระองค์คือ เทวดาสีชมพู (ค.ศ. 1945), การ ขุดค้น (1950) และชุด ผู้หญิง ชุดที่สาม (1950-53) ทำขึ้นในรูปแบบที่เพรียวลมและการกระทำอย่างไม่เหมาะสม ในยุค 40 เขาทำงานพร้อมกันในรูปแบบนามธรรมและเป็นตัวแทน การพัฒนาของเขามาพร้อมกับบทประพันธ์นามธรรมขาว – ดำในปี 1948-49 ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 เขาวาดภาพวาดในเมืองให้กลับคืนสู่รูปทรงในทศวรรษที่ 1960 จากนั้นจะมีการสร้างสิ่งใหม่ ๆ ในยุค 70 ในยุค 80, Kooning เปลี่ยนไปทำงานบนพื้นผิวเรียบเคลือบด้วยสีโปร่งใสโปร่งใสเหนือชิ้นส่วนของภาพวาด gestural

•ทำงานโดย De Kooning ใน MoMA ในนิวยอร์กและ Tate Modern ในลอนดอน
•เว็บไซต์ MoMa 2011 De Kooning Exhibition

ดูสิ่งนี้ด้วย:
•คำคมของศิลปิน: Willem de Kooning
•รีวิว: ชีวประวัติของ Willem De Kooning

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: American Gothic by Grant Wood

แกลเลอรีของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียงภัณฑารักษ์ Jane Milosch ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะอเมริกัน Smithsonian ควบคู่ไปกับภาพวาดที่มีชื่อเสียงของแกรนท์วู้ดที่เรียกว่า “American Gothic” ขนาดของภาพวาด: 78×65 ซม. (30 3/4 x 25 3/4 นิ้ว) สีน้ำมันบนกระดานบีเวอร์ ภาพถ่าย© Shealah Craighead / รูปภาพ White House / Getty

American Gothic น่าจะเป็นภาพที่โด่งดังที่สุดในบรรดาภาพเขียนศิลปิน Grant Wood ที่เคยสร้างขึ้นมา ตอนนี้อยู่ในสถาบันศิลปะแห่งชิคาโก

Grant Wood ทำ “American Gothic” ในปีพ. ศ. 2473 แสดงให้เห็นว่าผู้ชายและลูกสาวของเขา (ไม่ใช่ภรรยาของเขา 1 ) ยืนอยู่หน้าบ้านของพวกเขา แกรนท์เห็นตึกที่สร้างแรงบันดาลใจให้ภาพเขียนในเมืองเอลดอนรัฐไอโอวา รูปแบบสถาปัตยกรรมเป็นแบบโกธิกแบบอเมริกันซึ่งเป็นที่ที่ภาพเขียนได้รับชื่อ โมเดลสำหรับภาพวาดคือน้องสาวของ Wood และทันตแพทย์ของพวกเขา 2 . ภาพวาดอยู่ใกล้ขอบด้านล่างบน overalls ของมนุษย์ที่มีชื่อศิลปินและปี (Grant Wood 1930)

ภาพวาดหมายถึงอะไร? ไม้ตั้งใจว่าจะเป็นการแสดงที่งดงามของตัวอักษรของมิดเวสต์อเมริกันแสดงจริยธรรมเคร่งครัดของพวกเขา แต่ก็ถือได้ว่าเป็นความคิดเห็น (เสียดสี) เกี่ยวกับการที่ประชากรในชนบทไม่สามารถทนต่อบุคคลภายนอกได้ สัญลักษณ์ในภาพรวมถึงแรงงานหนัก (pitch pitch) และ domesticity (กระถางดอกไม้และผ้ากันเปื้อนอาณานิคมพิมพ์) ถ้าคุณมองใกล้ ๆ คุณจะเห็นสามง่ามของส้อมสนามสะท้อนในเย็บบน overalls ของมนุษย์อย่างต่อเนื่องขึ้นแถบบนเสื้อของเขา

อ้างอิง:
American Gothic, สถาบันศิลปะชิคาโก, ค้นคืน 23 มีนาคม 2554

“พระเยซูคริสต์แห่งครอส” โดย Salvador Dali

คอลเลกชันของภาพวาดที่มีชื่อเสียงเพื่อสร้างแรงบันดาลใจให้คุณและขยายความรู้ด้านศิลปะของคุณ “พระเยซูคริสต์แห่งครอส” โดย Salvador Dali ทาสีในปี 1951 น้ำมันบนผืนผ้าใบ 204x115cm (80×46 “) ในคอลเล็กชันของแกลเลอรีศิลปะ Kelvingrove, Glasgow, Scotland ภาพ© Jeff J Mitchell / Getty Images

ภาพวาดของ Salvador Dali อยู่ในหอศิลป์และพิพิธภัณฑ์ Kelvingrove ในเมืองกลาสโกว์ประเทศสก๊อตแลนด์ มันเป็นครั้งแรกที่แสดงในแกลเลอรี่ที่ 23 มิถุนายน 2495 ภาพที่ซื้อมาเป็น 8,200 ปอนด์สเตอลิงก์ซึ่งถือได้ว่าเป็นราคาที่สูงแม้ว่าจะมีลิขสิทธิ์ซึ่งทำให้หอศิลป์ได้รับค่าธรรมเนียมในการสืบพันธุ์ (และขายโปสการ์ดนับไม่ถ้วน!) .

เป็นเรื่องปกติสำหรับต้าหลี่ที่จะขายลิขสิทธิ์ภาพวาด แต่เห็นได้ชัดว่าเขาต้องการเงิน (ลิขสิทธิ์ยังคงอยู่กับศิลปินเว้นเสียแต่ว่าจะได้ลงนามไว้แล้วโปรดดู คำถามที่พบบ่อยเกี่ยวกับลิขสิทธิ์ของศิลปิน )

“เห็นได้ชัดว่าในปัญหาทางการเงินดาลีถาม 12000 ปอนด์สเตอลิงก์ แต่หลังจากการเจรจาต่อรองอย่างหนัก … เขาขายมันเกือบหนึ่งในสามและลงนามในจดหมายถึงเมือง [ของกลาสโกว์] 2495 ในการยกลิขสิทธิ์
– “กรณี Surreal ของรูปภาพต้าหลี่และการต่อสู้กับศิลปะใบอนุญาต” โดย Severin Carrell, เดอะการ์เดีย , 27 มกราคม 2009

ชื่อเรื่องของภาพเขียนคือการอ้างอิงถึงภาพวาดที่ได้แรงบันดาลใจจากต้าหลี่ ภาพวาดปากกาและหมึกทำขึ้นหลังจากวิสัยทัศน์ของนักบุญจอห์นออฟเดอะไขว้ (นักบวชชาวสเปนคาร์เมไลท์ 2085-2204) ได้เห็นการตรึงกางเขนของพระเยซูคริสต์ราวกับกำลังมองจากเบื้องบน องค์ประกอบโดดเด่นสำหรับมุมมองที่ผิดปกติของการตรึงกางเขนของพระเยซูคริสต์แสงสว่างเป็นเงาอย่างมากและการใช้ที่ยอดเยี่ยมในการวาดภาพ ภูมิทัศน์ที่ด้านล่างของภาพวาดคือท่าเรือของบ้านเกิดของต้าหลี่ที่ Port Lligat in Spainn
ภาพวาดได้รับการโต้เถียงในหลาย ๆ ด้าน: จำนวนเงินที่จ่ายสำหรับมัน; เรื่อง; สไตล์ (ซึ่งปรากฏย้อนยุคมากกว่าทันสมัย) อ่านเพิ่มเติมเกี่ยวกับภาพวาดบนเว็บไซต์ของแกลลอรี่

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: Andy Warhol Campbell’s Soup Cans

แกลเลอรีของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง © Tjeerd Wiersma (Creative Commons บางสิทธิสงวนไว้)

รายละเอียดจาก Andy Warhol Campbell’s Soup Cans คริลิคบนผ้าใบ 32 ภาพวาดแต่ละภาพ 20×16 “(50.8×40.6 ซม.) ในคอลเล็กชันของ Musuem of Modern Art (MoMA) ในนิวยอร์ก

วอร์ฮอลได้จัดแสดงซุปซุปแคมป์เบลของเขาไว้ในภาพเขียนเมื่อปีพ. ศ. 2505 โดยด้านล่างของภาพเขียนแต่ละชิ้นวางอยู่บนชั้นวางของเช่นเดียวกับที่สามารถทำได้ในซูเปอร์มาร์เก็ต มีจำนวน 32 ภาพในซีรีส์จำนวนของซุปที่ขายในเวลานั้นโดย Campbell’s

ถ้าคุณคิดว่า Warhol เก็บสต๊อกกับกระป๋องซุปแล้วกินกระป๋องขณะที่เขากำลังวาดภาพเสร็จสมบูรณ์ดูเหมือนจะไม่ได้ ตามเว็บไซต์ของ Moma Warhold ใช้รายการผลิตภัณฑ์จากแคมป์เบลเพื่อกำหนดรสชาติให้กับภาพแต่ละภาพ

เมื่อถามถึงเรื่องนี้วอร์ฮอลกล่าวว่า “ฉันเคยดื่มแล้วฉันเคยทานอาหารกลางวันมื้อเดียวกันทุกวันเป็นเวลายี่สิบปีฉันคิดว่าเป็นเรื่องเดียวกันซ้ำแล้วซ้ำอีก” 1 . Warhol เห็นได้ชัดว่าไม่มีคำสั่งใดที่เขาต้องการให้ภาพวาดปรากฏอยู่ Moma แสดงภาพวาด “ในแถวที่สะท้อนถึงลำดับเหตุการณ์ตามที่ได้รับการแนะนำโดยเริ่มจาก ‘Tomato’ ที่ด้านบนซ้ายซึ่งออกมาใน ปี 1897” ดังนั้นถ้าคุณวาดชุดและต้องการให้พวกเขาแสดงในลำดับที่เฉพาะเจาะจงให้แน่ใจว่าคุณได้จดบันทึกนี้บาง ขอบด้านหลังของผืนผ้าใบอาจเป็นสิ่งที่ดีที่สุดจากนั้นก็จะไม่ถูกแยกออกจากภาพวาด (แม้ว่าอาจมีภาพปกคลุมอยู่ก็ตาม)

Warhol เป็นศิลปินที่มักได้รับการกล่าวถึงโดยจิตรกรที่ต้องการทำผลงานลอกเลียนแบบ สองสิ่งที่น่าสังเกตก่อนที่จะทำสิ่งที่คล้ายคลึงกัน: (1) บนเว็บไซต์ของ Moma มีข้อบ่งชี้ว่าใบอนุญาตจาก Campbell’s Soup Co (ข้อตกลงใบอนุญาตระหว่าง บริษัท ซุปและอสังหาริมทรัพย์ของศิลปิน) (2) การบังคับใช้ลิขสิทธิ์ดูเหมือนจะไม่ค่อยเกิดขึ้นในวันของ Warhol อย่าตั้งสมมติฐานลิขสิทธิ์ตามการทำงานของ Warhol ทำการวิจัยและตัดสินใจว่าระดับความกังวลของคุณเป็นเรื่องเกี่ยวกับกรณีการละเมิดลิขสิทธิ์ที่เป็นไปได้

แคมป์เบลไม่ได้มอบหมายให้วอร์ฮอลทำภาพวาด (แม้ว่าพวกเขาจะทำหน้าที่เป็นประธานคณะกรรมการเกษียณอายุในปีพ. ศ. 2507) และมีข้อกังวลว่าแบรนด์นี้จะปรากฏในภาพเขียนของวอร์ฮอลในปีพ. ศ. 2505 โดยใช้วิธีรอดูแนวทางที่จะตัดสินว่า การตอบสนองคือภาพวาด ในปีพ. ศ. 2547, 2549 และปี 2012 แคมป์เบลขายกระป๋องที่มีป้ายเตือนพิเศษของวอร์ฮอล

•ดูเพิ่มเติม: Warhol ได้รับความคิดจิตรกรรมซุปจาก De Kooning หรือไม่?

อ้างอิง:
1. ตามที่อ้างถึงใน Moma ซึ่งเข้าถึงได้ในวันที่ 31 สิงหาคม 2012

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: ต้นไม้ขนาดใหญ่ที่อยู่ใกล้ Warter โดย David Hockney

คอลเลกชันของภาพวาดที่มีชื่อเสียงเพื่อสร้างแรงบันดาลใจให้คุณและขยายความรู้ด้านศิลปะของคุณ ด้านบน: ภาพโดย Dan Kitwood / Getty Images ด้านล่าง: ภาพโดย Bruno Vincent / Getty Images

ด้านบน: ศิลปิน David Hockney ยืนอยู่ข้างๆภาพวาดสีน้ำมันของเขา “Bigger Trees Near Warter” ซึ่งเขาได้บริจาคให้กับ Tate Britain ในเดือนเมษายนปี 2008

ด้านล่าง: ภาพวาดนี้จัดแสดงเป็นครั้งแรกในนิทรรศการฤดูร้อน 2007 ที่ Royal Academy ในลอนดอนซึ่งจัดขึ้นทั่วทั้งกำแพง

ภาพวาดสีน้ำมันของเดวิดฮ็อคนีย์เรื่อง “Bigger Trees Near Warter” (เรียกอีกอย่างว่า Peinture en Plein Air เทลาโพสต์ – Photographique ) แสดงให้เห็นภาพที่อยู่ใกล้ Bridlington ในยอร์กเชียร์ ภาพวาดที่ทำจากผืนผ้าใบ 50 ชุดจัดเรียงเคียงข้างกัน ภาพวาดโดยรวมมีขนาด 40×15 ฟุต (4.6×12 เมตร)

ในขณะที่ Hockney วาดมันเป็นชิ้นส่วนที่ใหญ่ที่สุดที่เขาเคยเสร็จสิ้นแม้ว่าจะไม่ได้เป็นครั้งแรกที่เขาต้องการสร้างโดยใช้ผืนผ้าใบหลาย

” ฉันทำได้เพราะฉันตระหนักว่าฉันสามารถทำมันได้โดยปราศจากบันไดเมื่อคุณวาดภาพคุณจะต้องสามารถถอยหลังได้ดีมีศิลปินที่ถูกสังหารกลับจากบันไดอยู่หรือไม่? ”
– Hockney อ้างในรายงานข่าวรอยเตอร์, 7 เมษายน 2008

Hockney ใช้ภาพวาดและคอมพิวเตอร์เพื่อช่วยในการจัดองค์ประกอบและภาพวาด หลังจากที่ส่วนเสร็จสิ้นแล้วภาพก็ถูกถ่ายเพื่อให้เขาเห็นภาพทั้งหมดในคอมพิวเตอร์

แรก Hockney ร่างตารางแสดงวิธีการฉากจะพอดีกันมากกว่า 50 แผงจากนั้นเขาก็เริ่มทำงานในแต่ละแผงใน situ ขณะที่เขาทำงานกับพวกเขาพวกเขาถูกถ่ายภาพและทำในกระเบื้องโมเสคคอมพิวเตอร์เพื่อให้เขาสามารถแผนภูมิของเขา ความคืบหน้าเนื่องจากเขาสามารถมีเพียงหกแผงบนผนังที่ใดเวลาหนึ่ง. ”
– Charlotte Higgins ผู้สื่อข่าว ผู้พิทักษ์ ศิลปะ Hockney บริจาคงานให้กับ Tate วันที่ 7 เมษายน 2551

ภาพสงคราม Henry Moore

แกลลอรี่ภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินชื่อดัง Tube Shelter มุมมองการขยายถนนลิเวอร์พูลโดย Henry Moore ปี 1941 หมึกน้ำหมึกแว็กซ์และดินสอบนกระดาษ Tate ©ทำซ้ำโดยได้รับอนุญาตจาก The Henry Moore Foundation

Hockney ใช้ภาพวาดและคอมพิวเตอร์เพื่อช่วยในการจัดองค์ประกอบและภาพวาด หลังจากที่ส่วนเสร็จสิ้นแล้วภาพก็ถูกถ่ายเพื่อให้เขาเห็นภาพทั้งหมดในคอมพิวเตอร์

นิทรรศการ Henry Moore ที่หอศิลป์ Tate Britain ในลอนดอนวิ่งตั้งแต่วันที่ 24 กุมภาพันธ์ถึง 8 สิงหาคม 2553

ศิลปินชาวอังกฤษเฮนรีมัวร์มีชื่อเสียงโด่งดังมากที่สุดสำหรับประติมากรรมของเขา แต่ยังเป็นที่รู้จักในฐานะหมึกขี้ผึ้งและภาพวาดสีน้ำของผู้คนที่อาศัยอยู่ในสถานีรถไฟใต้ดินของกรุงลอนดอนในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง มัวร์เป็นศิลปินสงครามอย่างเป็นทางการและนิทรรศการ Henry Moore 2010 ที่ Tate Britain Gallery มีห้องที่ทุ่มเทให้กับการเหล่านี้ ทำระหว่างฤดูใบไม้ร่วงปี 1940 และฤดูร้อนปี 1941 การสอดแทรกภาพนอนของเขาที่ซุกตัวอยู่ในอุโมงค์รถไฟทำให้รู้สึกถึงความปวดร้าวที่เปลี่ยนชื่อเสียงและมีอิทธิพลต่อการรับรู้ความนิยมของ Blitz ผลงานของเขาในทศวรรษ 1950 สะท้อนให้เห็นถึงผลพวงของสงครามและโอกาสของความขัดแย้งต่อไป

มัวร์เกิดใน Yorkshire และศึกษาที่ Leeds School of Art ในปี 1919 หลังจากทำหน้าที่ในสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ใน 1,921 เขาได้รับรางวัลทุนการศึกษา Royal College ในลอนดอน. หลังจากนั้นเขาก็ได้สอนในโรงเรียนรอยัลเช่นเดียวกับโรงเรียนสอนศิลปะเชลซี จาก 1940 มัวร์อาศัยอยู่ที่ Perry Green ใน Hertfordshire ซึ่งเป็นที่ตั้งของ Henry Moore Foundation ในปี ค.ศ. 1948 Venice Biennale มัวร์ได้รับรางวัล International Sculpture Award

  • ผลงานของ Henry Moore ใน Tate Britain
  • จดหมายเหตุ BBC: Henry Moore

ฉันไปดูนิทรรศการ Tate Henry Moore ในช่วงต้นเดือนมีนาคม 2010 และมีโอกาสได้เห็นผลงานชิ้นเล็ก ๆ ของมัวร์รวมทั้งภาพวาดและการศึกษาในขณะที่เขาพัฒนาความคิด รูปแบบไม่เพียง แต่ต้องได้รับการพิจารณาจากทุกมุมในชิ้นส่วนของประติมากรรม แต่ผลของแสงและเงาที่หล่อภายในชิ้นด้วย ฉันชอบการรวมกันของ “บันทึกการทำงาน” และ “ชิ้นงานที่เสร็จสมบูรณ์” และโอกาสที่จะได้เห็นภาพวาดใต้ดินที่มีชื่อเสียงของเขาในชีวิตจริง มีขนาดใหญ่กว่าที่ฉันคิดและมีพลังมากขึ้น สื่อที่มีหมึกสกรีนเหมาะกับวัตถุจริงๆ

มีกรอบรูปกระดาษขนาดเล็กรูปหนึ่งของความคิดสำหรับภาพเขียน แต่ละนิ้วสองสีน้ำเหนือหมึกกับชื่อ รู้สึกราวกับว่ามันถูกสร้างขึ้นในวันที่มัวร์กำลังรวบรวมแนวความคิด หลุมเล็ก ๆ ในแต่ละมุมแนะนำให้ฉันรู้ว่าเขาต้องมีมันตรึงอยู่บนกระดานในบางขั้นตอน

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: Chuck Close “Frank”

ภาพ: ©ทิมวิลสัน (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์)

“แฟรงก์” โดย Chuck Close, 1969 อะคริลิคบนผ้าใบ ขนาด 108 x 84 x 3 นิ้ว (274.3 x 213.4 x 7.6 ซม.) ในสถาบันศิลปะ Minneapolis

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: Chuck Close Portrait

ภาพ: © MikeandKim (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์)

Lucian Freud ภาพเหมือนตนเองและภาพบุคคล

แกลลอรี่ของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียงซ้าย: “ภาพตัวเอง: สะท้อน” โดย Lucian Freud (2002) 26×20 “(66×50.8cm) น้ำมันบนผ้าใบขวา: ภาพถ่ายภาพธันวาคม 2007 ภาพถ่าย© Scott Wintrow / Getty Images

ศิลปินชื่อ ลูเชียนฟรอยด์ มีชื่อเสียงในเรื่องการจ้องมองที่รุนแรงและไม่อาจให้อภัยได้ แต่ในขณะที่ภาพวาดตัวเองนี้แสดงให้เห็นว่าเขาหันมาใช้ตัวเองไม่ใช่แค่แบบจำลองเท่านั้น

“ฉันคิดว่าเป็นภาพที่ยิ่งใหญ่จะเกี่ยวข้องกับ … ความรู้สึกและความแตกต่างและความเข้มข้นของเรื่องและให้ความสำคัญกับเรื่องนี้” 1

“… คุณต้องพยายามวาดตัวเองให้เป็นคนอื่นด้วยภาพเหมือนของตัวเอง” กลายเป็นสิ่งที่แตกต่างกันฉันต้องทำในสิ่งที่ฉันรู้สึกโดยไม่ต้องเป็นผู้แสดงออกทางสีหน้า ” 2

ดูสิ่งนี้ด้วย:
ชีวประวัติ: Lucian Freud

อ้างอิง:
1. Lucian Freud ซึ่งอ้างถึงใน Freud at Work p32-3 2. Lucian Freud อ้างถึง Lucian Freud โดย William Feaver (Tate Publishing, London 2002), p43

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: Man Ray “Mona Lisa’s Father”

ภาพ: © Neologism (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์)

“พ่อของ Mona Lisa” โดย Man Ray, 1967 ทำสำเนาภาพวาดที่ติดตั้งบนแผ่นใยไม้อัดด้วยซิการ์เพิ่ม ขนาด 18 x 13 5/8 x 2 5/8 นิ้ว (45.7 x 34.6 x 6.7 ซม.) ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ Hirshorn

หลายคนเชื่อมโยง Man Ray เฉพาะกับการถ่ายภาพ แต่เขาก็เป็นศิลปินและจิตรกร เขาเป็นเพื่อนกับศิลปิน Marcel Duchamp และทำงานร่วมกับเขา

ในเดือนพฤษภาคมปี 1999 นิตยสาร Art News รวมถึง Man Ray ในรายชื่อศิลปินที่มีอิทธิพลมากที่สุด 25 คนของศตวรรษที่ 20 การถ่ายภาพและ “การสำรวจภาพยนตร์ภาพวาดประติมากรรมภาพตัดต่อการชุมนุมและสิ่งต้นแบบในสิ่งที่เรียกได้ว่าเป็นผลงาน ศิลปะและศิลปะแนวคิด “บอกว่า” แมนเรย์เสนอศิลปินในสื่อมวลชนทุกคนเป็นตัวอย่างของความคิดสร้างสรรค์ที่ว่าในการแสวงหาความสุขและเสรีภาพของพวกเขา (อ้างจากแหล่งข่าว: Art News, พฤษภาคม 1999 “Willual Provocateur” โดย AD Coleman)

บทนี้ “พระบิดาแห่งโมนาลิซา” แสดงให้เห็นว่าแนวคิดแบบง่ายๆมีประสิทธิภาพดีเพียงใด ส่วนที่ยากจะมากับความคิดในสถานที่แรก; บางครั้งพวกเขามาเป็นแฟลชของแรงบันดาลใจ; บางครั้งเป็นส่วนหนึ่งของการระดมความคิด; บางครั้งโดยการพัฒนาและติดตามแนวคิดหรือความคิด

“Living Paintbrush” โดย Yves Klein

แกลลอรี่ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของศิลปินชื่อดัง Untitled (ANT154) โดย Yves Klein รงควัตถุและเรซินสังเคราะห์บนกระดาษบนผืนผ้าใบ 102×70 นิ้ว (259×178 ซม.) ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ซานฟรานซิสโก (SFMOMA) รูปภาพ: © David Marwick (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์) ใช้โดยได้รับอนุญาต

ภาพเขียนโดยศิลปินชาวฝรั่งเศสชื่ออีฟว์ไคลน์ (1928-1962) เป็นหนึ่งในซีรีส์ที่เขาใช้ “พู่กันชีวิต” เขาได้ออกแบบนางแบบหญิงเปลือยสีฟ้าลายเซ็นของเขา (International Klein Blue, IKB) และจากนั้นเป็นผลงานศิลปะที่หน้าผู้ชม “ทาสี” ด้วยกระดาษขนาดใหญ่โดยสั่งสอนด้วยวาจา

ชื่อ “ANT154” มาจากความคิดเห็นของนักวิจารณ์ศิลปะปิแอร์เรอนี่อธิบายภาพวาดที่ผลิตว่าเป็น “มานุษยวิทยาแห่งยุคสีฟ้า” Klein ใช้คำย่อ ANT เป็นชื่อชุด

จิตรกรที่มีชื่อเสียง: Yves Klein

จากแกลลอรี่รูปภาพของภาพวาดที่มีชื่อเสียงและศิลปินที่มีชื่อเสียง

• Retrospective: นิทรรศการ Yves Klein ที่พิพิธภัณฑ์ Hirshhorn ในกรุงวอชิงตันประเทศสหรัฐอเมริกาตั้งแต่ 20 พฤษภาคม 2553 ถึง 12 กันยายน 2553

ศิลปิน Yves Klein น่าจะเป็นที่รู้จักมากที่สุดสำหรับผลงานศิลปะเดี่ยวของเขาที่มีสีน้ำเงินเป็นพิเศษ (เช่น “Living Paintbrush” เป็นต้น) IKB หรือ International Klein Blue เป็นสีน้ำเงินเข้มที่เขาคิดค้น “ตัวจิตรกรอวกาศ” Klein “พยายามสร้างจิตวิญญาณที่ไม่มีตัวตนผ่านสีบริสุทธิ์” และเกี่ยวข้องกับ “ความคิดร่วมสมัยของแนวคิดเกี่ยวกับศิลปะ” 1 .

Klein มีอาชีพที่สั้นญาติน้อยกว่า 10 ปี งานแรกของเขาคือหนังสือของศิลปินชื่อ Yves Peintures (“Yves Paintings”) ซึ่งตีพิมพ์ในปีพ. ศ. 2497 งานแสดงครั้งแรกของเขาในปีพ. ศ. 2498 เขาเสียชีวิตจากอาการหัวใจวายในปีพศ. 2505 อายุ 34 ปี (เส้นเวลาชีวิตของไคลน์จากอีฟส์ไคลน์ คลังข้อมูล)

อ้างอิง:
1. Yves Klein: ด้วยโมฆะเต็มกำลัง, พิพิธภัณฑ์ Hirshhorn, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp?key=21&subkey=252, เข้าถึง 13 พฤษภาคม 2010

ภาพวาดสีดำโดย Ad Reinhardt

แกลเลอรีของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง ภาพ: © Amy Sia (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์) ใช้โดยได้รับอนุญาต

“มีบางอย่างที่ผิดพลาดขาดความรับผิดชอบและไม่สนใจเรื่องสีอะไรที่เป็นไปไม่ได้ที่จะควบคุมควบคุมและเหตุผลเป็นส่วนหนึ่งของศีลธรรมของฉัน” – Ad Reinhard in 1960 1

ภาพวาดขาวดำนี้โดยศิลปินชาวอเมริกัน Ad Reinhardt (1913-1967) อยู่ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ (Moma) ในนิวยอร์ก มันเป็น 60×60 “(152.4×152.4 ซม.) น้ำมันบนผ้าใบและทาสี 1960-61 สำหรับทศวรรษที่ผ่านมาและชีวิตของเขา (เขาเสียชีวิตในปี 2510) Reinhardt ใช้สีดำในภาพวาดของเขา

เอมี่เอียะผู้ถ่ายรูปกล่าวว่าผู้นำได้ชี้ให้เห็นว่าภาพวาดถูกแบ่งออกเป็นเก้าสี่เหลี่ยมจัตุรัสแต่ละอันมีสีดำที่แตกต่างกัน

ไม่ต้องกังวลหากไม่เห็นภาพในภาพ – เป็นการยากที่จะมองเห็นแม้ในตอนที่คุณอยู่หน้าภาพ ในหนังสือของเธอเกี่ยวกับ Reinhardt สำหรับกุกเกนไฮม์แนนซี่สเปคเตอร์อธิบายถึงภาพยนตรกรรมของ Reinhardt ว่าเป็น “สี่เหลี่ยมจัตุรัสสี่เหลี่ยมสีดำที่มองเห็นได้ยาก

อ้างอิง:
1. สีในงานศิลปะ โดย John Gage, p205
2. Reinhardt โดย Nancy Spector, พิพิธภัณฑ์ Guggenheim Museum (เข้าถึง 5 สิงหาคม 2013)

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง: ภาพวาด London Virtue London

ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของศิลปินชื่อดังสีอะคริลิคสีขาวหมึกสีดำและครั่งบนผืนผ้าใบ ในหอศิลป์แห่งชาติในกรุงลอนดอน ภาพ: © Jacob Appelbaum (Creative Commons สงวนลิขสิทธิ์บางส่วน)

ศิลปินชาวอังกฤษชื่อจอห์นอานิสบอนได้วาดภาพทิวทัศน์ที่เป็นนามธรรมด้วยภาพขาวดำตั้งแต่ปีพ. ศ. 2521 ในดีวีดีที่ผลิตโดยหอศิลป์แห่งชาติลอนดอนคุณธรรมกล่าวว่าการทำงานในกองกำลังสีดำและสีขาวทำให้เขา “สร้างสรรค์และสร้างสรรค์ … เพื่อสร้างใหม่” ความรู้สึกของสิ่งที่ฉันเห็น … เป็นสิ่งที่ดีที่สุดและถูกต้องมากยิ่งขึ้นโดยไม่มีจานสีน้ำมันสีจะเป็น Cul de Sac ”

นี่เป็นภาพวาดของลอนดอนจอห์นอานิสงส์ที่ทำในขณะที่เขาเป็นศิลปินร่วมที่ National Gallery (ตั้งแต่ 2003 ถึง 2005) เว็บไซต์ของเนชั่นแนลแกลลอรี่อธิบายถึงภาพวาดของคุณธรรมว่า “ความสัมพันธ์กับการวาดภาพพู่กันตะวันออกและการแสดงออกทางนามธรรมของชาวอเมริกัน” และเกี่ยวข้องกับ “จิตรกรภูมิทัศน์อังกฤษที่ยิ่งใหญ่เทอร์เนอร์และตำรวจซึ่งคุณธรรมนิยมอย่างมาก” รวมทั้งได้รับอิทธิพลจาก “ดัตช์ และภูมิทัศน์ของเฟลมิช Ruisdael Koninck และ Rubens ”

คุณธรรมไม่ได้ให้ชื่อกับภาพวาดของเขาเพียงตัวเลข ในการให้สัมภาษณ์ในนิตยสาร Artist’s Illustrators ฉบับเดือนเมษายน 2548 คุณธรรมบอกว่าเขาเริ่มทำงานตามลำดับในปี 1978 เมื่อเริ่มทำงานในเอกสารขาวดำ: “ไม่มีลำดับชั้นไม่ว่าจะเป็น 28 ฟุตหรือ สามนิ้วมันเป็นไดอารี่ที่ไม่ใช่คำพูดของการดำรงอยู่ของฉัน ” ภาพเขียนของเขาเรียกว่า “Landscape No.45” หรือ “Landscape No.630” เป็นต้น

ถังศิลปะโดย Michael Landy

ภาพถ่ายของนิทรรศการและภาพวาดที่มีชื่อเสียงเพื่อขยายความรู้ด้านศิลปะของคุณ ภาพถ่ายจาก “The Art Bin” นิทรรศการโดย Michael Landy ที่ South London Gallery ด้านบน: ยืนอยู่ข้างถังจริงๆให้ความรู้สึกของขนาด ด้านล่างซ้าย: ส่วนหนึ่งของศิลปะในถัง ด้านล่างขวา: ภาพวาดกรอบหนัก ๆ ที่จะกลายเป็นถังขยะ ภาพ© 2010 Marion Boddy-Evans ได้รับอนุญาตให้ใช้งาน About.com, Inc.

นิทรรศการ Art Bin ของศิลปิน Michael Landy จัดขึ้นที่ South London Gallery ตั้งแต่วันที่ 29 มกราคม – 14 มีนาคม 2553 แนวคิดนี้เป็นถังขยะขนาดมหึมา (600 เมตร 3 ) ที่สร้างขึ้นในพื้นที่จัดเก็บซึ่งศิลปะถูกโยนทิ้งไป ” อนุสาวรีย์ชัยสมรภูมิ ” 1 .

แต่ไม่ใช่แค่ศิลปะเก่า คุณต้องใช้ศิลปะของคุณโยนลงในถังออนไลน์หรือที่แกลเลอรีโดย Michael Landy หรือตัวแทนของเขาตัดสินใจว่าจะรวมหรือไม่ ถ้ายอมรับมันถูกโยนเข้าไปในถังจากหอที่ปลายด้านหนึ่ง เมื่อฉันอยู่ในนิทรรศการหลายชิ้นถูกโยนเข้าและคนที่ทำโยนได้เห็นได้ชัดว่ามีการปฏิบัติมากจากวิธีที่เขาสามารถที่จะทำให้ภาพวาดหนึ่งไปทางขวาไปอีกด้านหนึ่งของภาชนะที่

การตีความทางศิลปะช่วยลดเวลาในการพิจารณาว่าศิลปะเป็นสิ่งที่ดี (หรือขยะมูลฝอย) ความเป็นตัวของตัวเองในด้านศิลปะการจัดเก็บศิลปะการสะสมงานศิลปะและหอศิลป์เพื่อสร้างหรือทำลายอาชีพของศิลปิน Art Bin “ของเล่นกับบทบาทของสถาบันศิลปะ … ยอมรับบทบาทสำคัญของพวกเขาในตลาดศิลปะและอ้างอิงถึงการเยาะเย้ยที่ศิลปะร่วมสมัยได้รับการปฏิบัติในบางครั้ง” 2

เป็นเรื่องน่าสนใจที่จะเดินไปตามด้านข้างโดยมองสิ่งที่ถูกโยนเข้ามาสิ่งที่หัก (ชิ้นสไตรีน) และสิ่งที่ไม่ได้ (ภาพเขียนบนผืนผ้าใบทั้งหมด) ที่ด้านล่างมีกะโหลกศีรษะขนาดใหญ่ที่ตกแต่งด้วยแก้วโดย Damien Hirst และชิ้นส่วนของ Tracey Emin ในท้ายที่สุดสิ่งที่อาจจะถูกรีไซเคิล (เช่นผ้าใบกระดาษและผ้าใบ) และส่วนที่เหลือมุ่งไปที่ฝังกลบ ถูกฝังเป็นขยะไม่น่าจะถูกขุดขึ้นมาหลายศตวรรษนับจากนี้โดยนักโบราณคดี

แหล่งอ้างอิง:
1 & 2 #Michael Landy: Art Bin (http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp?id=164) เว็บไซต์ South London Gallery ซึ่งเข้าถึง 13 มีนาคม 2010

Barack Obama ภาพโดย Shepard Fairey

แกลลอรี่ของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง “Barack Obama” โดย Shepard Fairey (2008) ลายฉลุ, ภาพตัดปะและคริลิคบนกระดาษ 60×44 นิ้ว National Portrait Gallery, Washington DC ของขวัญของ Heather และ Tony Podesta Collection เพื่อเป็นเกียรติแก่ Mary K Podesta © Shepard Fairey / ObeyGiant.com

ภาพเขียนของนักการเมืองสหรัฐฯ Barack Obama, ภาพตัดต่อแบบผสมสื่อถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินถนนถนน Los Angeles, Shepard Fairey เป็นรูปภาพบุคคลกลางที่ใช้ในแคมเปญการเลือกตั้งประธานาธิบดีของ Obama ในปีพ. ศ. 2551 และเผยแพร่เป็นฉบับพิมพ์ จำกัด และดาวน์โหลดได้ฟรี ปัจจุบันอยู่ใน National Portrait Gallery ในกรุงวอชิงตัน ดี.ซี.

“ในการสร้างโปสเตอร์โอบามาของเขา (ซึ่งเขาทำในเวลาไม่ถึงสัปดาห์) แฟร์รีคว้ารูปข่าวของผู้สมัครออกจากอินเทอร์เน็ตเขาหาประธานาธิบดีโอบามาที่มองประธานาธิบดี … ศิลปินคนนั้นทำให้เส้นและเรขาคณิตง่ายขึ้น จานสีอ่อนสีแดงสีขาวและสีน้ำเงิน (ซึ่งเขาเล่นด้วยการทำให้สีขาวเป็นสีเบจและสีฟ้าเป็นสีพาสเทล) … คำที่เป็นตัวหนา …

โปสเตอร์ Obama ของเขา (และผลงานศิลปะเชิงพาณิชย์และวิจิตรของเขา) เป็นการนำเทคนิคใหม่ ๆ ของนักโฆษณาชวนเชื่อที่มีการปฏิวัติไปใช้คือสีสันสดใสตัวหนาตัวหนารูปทรงเรขาคณิต
– “การรับรอง On-the-Wall ของโอบามา” โดย William Booth, Washington Post 18 พ.ค. 51

ภาพวาดสีน้ำมันของ Damien Hirst: “Requiem, White Roses and Butterflies”

แกลอรี่รูปภาพของศิลปินชื่อดัง “Requiem, White Roses and Butterflies” ของ Damien Hirst (2008) 1500 x 2300 มม. น้ำมันบนผืนผ้าใบ มารยาท Damien Hirst และ The Wallace Collection การถ่ายภาพโดยความรอบคอบ Cuming Associates Ltd © Damien Hirst สงวนลิขสิทธิ์ DACS 2009

ศิลปินชาวอังกฤษชื่อ Damien Hirst มีชื่อเสียงโด่งดังมากที่สุดสำหรับสัตว์ที่ได้รับการดองด้วยฟอร์มาลดีไฮด์ แต่ในช่วงยุค 40 ของเขากลับไปวาดภาพสีน้ำมัน ในเดือนตุลาคมปี 2009 เขาได้จัดแสดงภาพวาดที่สร้างขึ้นระหว่างปี 2549-2551 เป็นครั้งแรกในกรุงลอนดอน ตัวอย่างของการวาดภาพที่ยังไม่โด่งดังของศิลปินที่มีชื่อเสียงมาจากนิทรรศการของเขาที่ Wallace Collection ในกรุงลอนดอนชื่อว่า “No Love Lost” (วันที่: 12 ตุลาคม 2552 ถึง 24 มกราคม 2553)

“ภาพวาดของเขาเป็นที่น่าอับอายและฉันไม่ต้องการให้ใครเข้ามา” และเขา “ต้องเรียนรู้การทาสีเป็นครั้งแรกนับตั้งแต่เขาเป็นนักเรียนศิลปะวัยรุ่น” 1

การแถลงข่าวของ Wallace แสดงให้เห็นว่า “Blue Paintings” ของเฮิรสท์เป็น พยานถึงทิศทางใหม่ที่กล้าหาญในการทำงานของเขาภาพวาดชุดต่างๆซึ่งในคำพูดของศิลปินมีความเชื่อมโยงอย่างลึกซึ้งต่ออดีต “การ ใส่สีบนผ้าใบคือ แน่นอนทิศทางใหม่สำหรับ Hirst และที่ Hirst ไปนักเรียนศิลปะมีแนวโน้มที่จะปฏิบัติตาม … ภาพสีน้ำมันอาจจะกลายเป็นอินเทรนด์อีกครั้ง

คู่มือการท่องเที่ยวลอนดอนลอร่าพอร์เตอร์ไปดูตัวอย่างของนิทรรศการของเฮิรสท์และได้รับคำตอบสำหรับคำถามที่ฉันอยากรู้จริงๆว่าเขาใช้สีอะไร ลอร่าบอกว่า ” ปรัสเซียนฟ้า สำหรับทุกคนยกเว้นหนึ่งใน 25 ภาพวาดซึ่งเป็นสีดำ” ไม่น่าแปลกใจที่มันเป็นสีน้ำเงินเข้ม!

“ที่แย่ที่สุดภาพวาดของ Hirst ดูเหมือนจะเป็นมือสมัครเล่นและวัยรุ่นการแปรงของเขาขาด oomph และ panache ที่ทำให้คุณเชื่อมั่นในการโกหกของจิตรกรเขายังไม่สามารถทำได้ เอามันออก ” 2

แหล่งที่มาของข้อความ: 1 Hirst ‘ให้หมูดอง’, ข่าวบีบีซี, 1 ตุลาคม 2009
2. “ภาพของ Damien Hirst เป็นภาพตาย” The Adrian Searle, Guardian , 14 October 2009

ศิลปินชื่อดัง: Antony Gormley

คอลเลกชันของภาพวาดที่มีชื่อเสียงและศิลปินที่จะขยายความรู้ศิลปะของคุณแอนโทนี Gormley (ในเบื้องหน้า) ในวันแรกของงานศิลปะการติดตั้งที่สี่ของเขา Plinth ใน Trafalgar Square ในลอนดอน ภาพ© Jim Dyson / Getty Images

Antony Gormley เป็นศิลปินชาวอังกฤษที่มีชื่อเสียงมากที่สุดสำหรับรูปปั้นของเทพธิดาแห่งเทพธิดาแห่งนอร์ ธ เปิดตัวในปีพ. ศ. 2541 ตั้งอยู่ในเมือง Tyneside ทางตะวันออกเฉียงเหนือของอังกฤษในพื้นที่ที่เคยเป็นเหมืองถ่านหินต้อนรับคุณด้วยปีกกว้าง 54 เมตร

ในงานศิลปะการติดตั้ง Gormley ของกรกฏาคม 2552 บนแท่นสี่เหลี่ยมบนจัตุรัสทราฟัลการ์ในกรุงลอนดอนเห็นอาสาสมัครยืนอยู่บนแท่นหนึ่งชั่วโมงตลอด 24 ชั่วโมงต่อวันเป็นเวลา 100 วัน ไม่เหมือนแท่งอื่น ๆ บนจัตุรัสทราฟัลการ์ที่สี่ฐานตรงด้านนอกหอศิลป์แห่งชาติไม่มีรูปปั้นถาวรบน บางส่วนของผู้เข้าร่วมเป็นศิลปินเองและร่างมุมมองที่ผิดปกติของพวกเขา (ภาพ)

แอนโทนี Gormley เกิดในปีพ. ศ. 2493 ในกรุงลอนดอน เขาเรียนอยู่ที่มหาวิทยาลัยต่างๆในสหราชอาณาจักรและพุทธศาสนาในประเทศอินเดียและศรีลังกาก่อนที่จะมุ่งไปที่ประติมากรรมที่โรงเรียนศิลปะสเลดในกรุงลอนดอนระหว่างปี 2520 ถึงค.ศ. พ. ศ. 2522 นิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของเขาอยู่ที่ Whitechapel Art Gallery ในปี 1981 ในปี 1994 Gormley ได้รับรางวัลเทอร์เนอร์จาก “Field for the British Isles”

ชีวประวัติของเขาในเว็บไซต์ของเขากล่าวว่า:

… แอนโทนี Gormley ได้ฟื้นฟูภาพลักษณ์ของมนุษย์ในรูปปั้นผ่านการตรวจสอบที่รุนแรงของร่างกายเป็นสถานที่ของหน่วยความจำและการเปลี่ยนแปลงโดยใช้ร่างกายของเขาเองเป็นเรื่องเครื่องมือและวัสดุ ตั้งแต่ปี 1990 เขาได้ขยายความกังวลของเขากับสภาพมนุษย์เพื่อสำรวจร่างกายโดยรวมและความสัมพันธ์ระหว่างตัวเองและคนอื่น ๆ ในการติดตั้งขนาดใหญ่ …

Gormley ไม่ได้สร้างรูปแบบของสิ่งที่เขาทำเพราะเขาไม่สามารถทำรูปปั้นแบบดั้งเดิมได้ เขาค่อนข้างพอใจกับความแตกต่างและความสามารถที่พวกเขาให้เราตีความ ในการให้สัมภาษณ์กับ The Times 1 เขากล่าวว่า:

“รูปปั้นแบบดั้งเดิมไม่ได้เกี่ยวกับศักยภาพ แต่เกี่ยวกับบางอย่างที่เสร็จสมบูรณ์แล้วพวกเขามีอำนาจทางศีลธรรมที่กดดันมากกว่าการทำงานร่วมกันผลงานของฉันยอมรับความว่างเปล่าของพวกเขา”

ดูสิ่งนี้ด้วย:
•เว็บไซต์ของ Antony Gormley
•ทำงานใน Tate Gallery
•ภาพถ่ายของเทพธิดาแห่งนอร์ ธ ของ Gormley
แอนโทนี Gormley ผู้ชายคนหนึ่งที่ทำลายแม่พิมพ์โดย John-Paul Flintoff, The Times, 2 March 2008

จิตรกรชาวอังกฤษชื่อดังในปัจจุบัน

จากแกลลอรี่รูปภาพของภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง รูปภาพ© Peter Macdiarmid / Getty Images

Gormley ไม่ได้สร้างรูปแบบของสิ่งที่เขาทำเพราะเขาไม่สามารถทำรูปปั้นแบบดั้งเดิมได้ เขาค่อนข้างพอใจกับความแตกต่างและความสามารถที่พวกเขาให้เราตีความ ในการให้สัมภาษณ์กับ The Timesเขากล่าวว่า:•เว็บไซต์ของ Antony Gormley•ทำงานใน Tate Gallery•ภาพถ่ายของเทพธิดาแห่งนอร์ ธ ของ Gormley

จากซ้ายไปขวาศิลปิน Bob และ Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blake และ Alison Watt

ครั้งนี้เป็นการดูภาพ Diana และ Actaeon โดย Titian (มองไม่เห็นไปทางซ้าย) ที่หอศิลป์แห่งชาติในกรุงลอนดอนโดยมีวัตถุประสงค์เพื่อระดมทุนเพื่อซื้อภาพวาดในแกลเลอรี่ ฉันไม่สามารถช่วยได้ แต่มีคำอธิบายภาพที่ปรากฏในหัวของฉันตามบรรทัดของ “ใครไม่ได้รับบันทึกเกี่ยวกับการสวมใส่สีดำ … ” หรือ “นี่คือศิลปินที่แต่งตัวสำหรับงานแถลงข่าว?”

ศิลปินชื่อดัง: Lee Krasner และ Jackson Pollock

คอลเลกชันของภาพวาดที่มีชื่อเสียงและจิตรกรเพื่อขยายความรู้ด้านศิลปะของคุณ Lee Krasner และ Jackson Pollock ใน East Hampton, ca. 1946. Photo 10×7 ซม. ภาพถ่ายโดยโรนัลด์สไตน์ Jackson Pollock และ Lee Krasner papers, ca. 1905-1984 หอจดหมายเหตุแห่งศิลปะอเมริกันสถาบันสมิ ธ โซเนียน

ในบรรดาจิตรกรสองคนนี้ Jackson Pollock มีชื่อเสียงมากกว่า Lee Krasner แต่ถ้าไม่มีการสนับสนุนและโปรโมตงานศิลปะของเขาเขาอาจจะไม่ได้อยู่ในแนวศิลป์ที่เขาทำ ทั้งสองวาดในสไตล์ expressionist นามธรรม Krasner พยายามดิ้นรนเพื่อสรรเสริญในด้านขวาของตัวเองมากกว่าแค่ถูกมองว่าเป็นภรรยาของพอลลอค Krasner ทิ้งมรดกไว้เพื่อจัดตั้งมูลนิธิ Pollock-Krasner Foundation ซึ่งมอบทุนแก่ศิลปินภาพ

ดูสิ่งนี้ด้วย:
สีอะไรที่ Pollock ใช้?

บันไดของหลุยส์แอสตันอัศวิน

คอลเลกชันของภาพวาดที่มีชื่อเสียงและจิตรกรเพื่อขยายความรู้ด้านศิลปะของคุณ Louis Aston Knight และบันไดบันไดของเขา c.1890 (ช่างภาพที่ไม่ปรากฏชื่อการพิมพ์ภาพขาวดำขนาด: 18cmx13 ซม. การเก็บ: ประวัติของ Charles Scribner’s Sons Art Reference Department, ค.ศ. 1865-1957) ภาพ: หอจดหมายเหตุแห่งศิลปะอเมริกันสถาบันสมิ ธ โซเนียน

หลุยส์แอสตันอัศวิน (1873-1948) เป็นศิลปินชาวอเมริกันที่เกิดในปารีสซึ่งเป็นที่รู้จักสำหรับภาพวาดแนวนอนของเขา เขาได้รับการฝึกฝนภายใต้พ่อของศิลปิน Daniel Ridgway Knight เขาแสดงที่ Salon ฝรั่งเศสเป็นครั้งแรกในปี 1894 และยังคงทำเช่นนั้นตลอดชีวิตของเขาในขณะที่ยังได้รับการสรรเสริญในอเมริกา ภาพวาดของเขาถูกซื้อในปี 2465 โดยประธานาธิบดีวอร์เรนฮาร์ดิงสหรัฐอเมริกาทำเนียบขาว

ภาพนี้จาก Archive of American Art ไม่ได้ให้ตำแหน่งใด ๆ แต่คุณต้องคิดว่าศิลปินคนใดยินดีที่จะลุยน้ำด้วยบันไดและสียาบของเขาทั้งสองได้ทุ่มเทให้กับการสังเกตธรรมชาติหรือนักแสดงมากนัก

•วิธีการสร้างบันได

1897: คลาสศิลปะสตรี

คอลเลกชันของภาพวาดที่มีชื่อเสียงและจิตรกรเพื่อขยายความรู้ด้านศิลปะของคุณ ชั้นเรียนศิลปะสตรีกับอาจารย์ William Merritt Chase ภาพ: หอจดหมายเหตุแห่งศิลปะอเมริกันสถาบันสมิ ธ โซเนียน

ภาพนี้จากปีพ. ศ. 2440 จากหอจดหมายเหตุแห่งศิลปะอเมริกันแสดงให้เห็นถึงชั้นเรียนศิลปะสตรีกับอาจารย์ William Merritt Chase ในยุคนั้นชายและหญิงเข้าเรียนในชั้นเรียนศิลปะแยกกันซึ่งผู้หญิงมีความสุขพอที่จะได้รับการศึกษาด้านศิลปะเลยก็ได้

POLL: คุณใส่อะไรเมื่อคุณวาดภาพ? โหวตโดยคลิกที่ตัวเลือกของคุณในรายการ:

1. เสื้อเก่า
2. เสื้อเก่าและกางเกงขายาว
3. ชุดเก่า ๆ
4. เสื้อกั๊ก / เสื้อคลุม / กางเกง
5. ผ้ากันเปื้อน
6. ไม่มีอะไรพิเศษอะไรที่ฉันใส่ในวันนั้น
7. ไม่ใช่สิ่งที่ฉันวาดในภาพเปลือย
8. บางอย่างอื่น
(ดูผลการสำรวจนี้จนถึงตอนนี้ … )

โรงเรียนสอนศิลปะฤดูร้อนปี ค.ศ. 1909

คอลเลกชันของภาพวาดที่มีชื่อเสียงและจิตรกรเพื่อขยายความรู้ด้านศิลปะของคุณ คลังภาพของศิลปะอเมริกันสถาบันสมิ ธ โซเนียน

นักเรียนศิลปะที่เรียนภาคฤดูร้อนของ St Paul School of Fine Arts, Mendota, Minnesota ถ่ายภาพใน c.1900 กับครู Burt Harwood

แฟชั่นกัน sunhats ใหญ่เป็นจริงมากสำหรับการวาดภาพกลางแจ้งเป็นมันทำให้ดวงอาทิตย์ออกจากดวงตาของคุณและหยุดใบหน้าของคุณได้รับ sunburnt (เช่นเดียวกับด้านบนเป็นแขนยาว)

คำแนะนำสำหรับการนำสีของคุณไปนอก
•เคล็ดลับในการเลือกวันหยุดจิตรกรรม

“เรือของเนลสันในขวด” โดย Yinka Shonibar

คิดนอกกรอบ; คิดว่าภายในขวด … รูปภาพ©รูปภาพ Dan Kitwood / Getty

บางครั้งก็เป็นมาตราส่วนงานศิลปะที่ให้ผลกระทบที่น่าทึ่งมากกว่าเรื่อง “เรือของเนลสันในขวด” โดย Yinka Shonibar เป็นชิ้นดังกล่าว

“เรือของเนลสันในขวด” โดย Yinka Shonibar เป็นเรือที่มีความสูง 2.35 เมตรภายในขวดที่สูงยิ่งกว่า เป็นแบบอย่างขนาด 1:29 ของ เรือ ธง รองนายพลเนลสัน ของ HMS Victory

“เรือของเนลสันในขวด” ปรากฏตัวขึ้นที่ฐานสี่ในจัตุรัสทราฟัลการ์ในกรุงลอนดอนในวันที่ 24 พฤษภาคม พ.ศ. 2553 ฐานที่สี่เป็นที่ว่างจาก 1841 จนถึงปี 2542 เมื่อเป็นงานศิลป์ร่วมสมัยชุดแรกที่ดำเนินการโดยเฉพาะสำหรับฐานของรูปสลักโดย กลุ่มการว่าจ้างสายการผลิตที่ 4

งานศิลป์ก่อน “เรือของเนลสันในขวด” เป็นหนึ่ง & อื่น ๆ โดย Antony Gormley ซึ่งคนอื่นยืนอยู่บนแท่นเป็นเวลาหนึ่งชั่วโมงตลอด 24 ชั่วโมงเป็นเวลา 100 วัน

จากปีพ. ศ. 2548 ถึงปี พ.ศ. 2550 คุณสามารถมองเห็นประติมากรรมโดย Marc Quinn, Alison Lapper Pregnant และตั้งแต่เดือนพฤศจิกายนปี 2007 เป็นต้นมาเป็นโมเดลโรงแรม 2007 โดย Thomas Schutte

การออกแบบผ้าบาติกบนใบเรือ “เรือของเนลสันในขวด” ถูกพิมพ์โดยศิลปินบนผืนผ้าใบโดยได้รับแรงบันดาลใจจากผ้าจากทวีปแอฟริกาและประวัติความเป็นมา ขวดมีขนาด 5×2.8 เมตรทำมาจากแก้วที่ไม่ใช่แก้วและช่องเปิดขวดใหญ่พอที่จะปีนขึ้นไปข้างในเพื่อสร้างเรือ (ดูรูปจากหนังสือพิมพ์ Guardian

[NEW] 54 ภาพวาดที่มีชื่อเสียงจากศิลปินชื่อดัง | ภาพ วาด ศิลปิน ตะวันตก – Australia.xemloibaihat

“ชมกลางคืน” – แรมแบรนดท์

Night Watch - แรมแบรนดท์

“ชมกลางคืน” โดยแรมแบรนดท์ สีน้ำมันบนผ้าใบ. ในคอลเลกชันของ Rijksmuseum ในอัมสเตอร์ดัม

Rijksmuseum / อัมสเตอร์ดัม

ภาพวาด “Night Watch” โดยRembrandtอยู่ในRijksmuseumในอัมสเตอร์ดัม ตามภาพ มันเป็นภาพวาดขนาดใหญ่: 363×437 ซม. (143×172″) แรมแบรนดท์สร้างเสร็จในปี 1642 ชื่อจริงคือ “The Company of Frans Banning Cocq และ Willem van Ruytenburch” แต่เป็นที่รู้จักกันดีในชื่อNight Watch ( บริษัทที่เป็นผู้พิทักษ์รักษาการณ์)

องค์ประกอบของภาพวาดนั้นแตกต่างกันมากในช่วงเวลานั้น แทนที่จะแสดงตัวเลขต่างๆ อย่างเป็นระเบียบเรียบร้อย โดยที่ทุกคนได้รับความโดดเด่นและพื้นที่บนผืนผ้าใบเหมือนกัน แรมแบรนดท์ได้วาดภาพเหล่านั้นให้เป็นกลุ่มที่มีงานยุ่ง

ราวปี ค.ศ. 1715 มีการทาสีโล่บน “Night Watch” ที่มีชื่อ 18 คน แต่มีเพียงบางส่วนเท่านั้นที่เคยถูกระบุ (โปรดจำไว้ว่าถ้าคุณวาดภาพกลุ่ม: วาดไดอะแกรมที่ด้านหลังเพื่อให้เข้ากับชื่อของทุกคนเพื่อคนรุ่นหลังจะได้รู้!) ในเดือนมีนาคม 2009 นักประวัติศาสตร์ชาวดัตช์ Bas Dudok van Heel ได้ไขปริศนาว่าใครเป็นใครในภาพวาด งานวิจัยของเขายังพบรายการเสื้อผ้าและเครื่องประดับที่ปรากฎใน “Night Watch” ที่กล่าวถึงในคลังสมบัติของครอบครัว ซึ่งจากนั้นเขาก็เทียบเคียงกับอายุของกองกำลังติดอาวุธต่างๆ ในปี ค.ศ. 1642 ซึ่งเป็นปีที่ภาพวาดเสร็จสมบูรณ์

Dudok van Heel ยังค้นพบด้วยว่าในห้องโถงที่แขวน “Night Watch” ของ Rembrandt เป็นครั้งแรก มีภาพกลุ่มทหารอาสาสมัครจำนวน 6 รูปที่เดิมแสดงเป็นชุดต่อเนื่องกัน ไม่ใช่หกภาพแยกกันอย่างที่คิดกันมานานแล้ว ค่อนข้างเป็นรูปเหมือนทั้งหกกลุ่มโดย Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart และ Flinck ก่อรูปผนังแต่ละชิ้นเข้าคู่กันและจับจ้องไปที่แผ่นไม้ของห้อง หรือนั่นคือความตั้งใจ “นาฬิกากลางคืน” ของแรมแบรนดท์ไม่เหมาะกับภาพวาดอื่นๆ ทั้งที่มีองค์ประกอบหรือสี ดูเหมือนว่า Rembrandt จะไม่ปฏิบัติตามเงื่อนไขของค่าคอมมิชชั่นของเขา แต่ถ้าเขามี เราก็ไม่เคยมีภาพเหมือนกลุ่มในศตวรรษที่ 17 ที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

“กระต่าย” – Albrecht Dürer

กระต่ายหรือกระต่าย - Albrecht Dürer

Albrecht Dürer, Hare, 1502. สีน้ำและ gouache, แปรง, เพิ่มความสูงด้วย gouache สีขาว

พิพิธภัณฑ์อัลเบอร์ตินา

โดยทั่วไปจะเรียกว่ากระต่ายของดูเรอร์ ชื่ออย่างเป็นทางการของภาพวาดนี้เรียกว่ากระต่าย ภาพวาดอยู่ในคอลเล็กชั่นถาวรของBatliner Collectionของพิพิธภัณฑ์ Albertinaในกรุงเวียนนา ประเทศออสเตรีย

มันถูกวาดด้วยสีน้ำและ gouache โดยเน้นสีขาวเป็น gouache (แทนที่จะเป็นสีขาวที่ไม่ได้ทาสีของกระดาษ)

เป็นตัวอย่างที่น่าทึ่งของการทาสีขนสัตว์ แนวทางที่คุณจะทำขึ้นอยู่กับความอดทนที่คุณมี หากคุณมีจำนวนมาก คุณจะทาสีโดยใช้แปรงบางๆ ทีละเส้น มิฉะนั้น ให้ใช้เทคนิคแปรงแบบแห้งหรือแบ่งผมด้วยแปรง ความอดทนและอดกลั้นเป็นสิ่งสำคัญ ทำงานเร็วเกินไปบนสีเปียก และจังหวะแต่ละจังหวะเสี่ยงผสม อย่าอยู่นานพอ ขนจะดูเป็นขุย

จิตรกรรมฝาผนัง Sistine Chapel Fresco – Michelangelo

โบสถ์น้อยซิสทีน

ภาพเฟรสโกบนเพดานของโบสถ์น้อยซิสทีนโดยรวมนั้นล้นหลาม มีมากเกินกว่าจะรับได้ และดูเหมือนนึกไม่ถึงว่าปูนเปียกที่ออกแบบโดยศิลปินคนหนึ่ง

รูปภาพ Franco Origlia / Getty

ภาพวาดโดย Michelangelo จากเพดาน Sistine Chapel เป็นหนึ่งในจิตรกรรมฝาผนังที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

โบสถ์น้อยซิสทีนเป็นโบสถ์ขนาดใหญ่ในวังอัครสาวก ซึ่งเป็นที่ประทับอย่างเป็นทางการของพระสันตะปาปา มีภาพเฟรสโกจำนวนมากที่วาดโดยชื่อที่ใหญ่ที่สุดบางส่วนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยารวมถึงจิตรกรรมฝาผนังโดย Bernini และ Raphael แต่มีชื่อเสียงมากที่สุดสำหรับจิตรกรรมฝาผนังบนเพดานโดย Michelangelo

Michelangelo เกิดเมื่อวันที่ 6 มีนาคม 1475 และเสียชีวิตเมื่อวันที่ 18 กุมภาพันธ์ 1564. นายโดยสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่สอง Michelangelo ทำงานบนเพดานโบสถ์ Sistineจากพฤษภาคม 1508 เพื่อตุลาคม 1512 (ไม่ทำงานก็ทำระหว่างกันยายน 1510 และสิงหาคม 1511) โบสถ์เปิดเมื่อวันที่ 1 พฤศจิกายน ค.ศ. 1512 ในวันฉลองนักบุญทั้งหลาย

โบสถ์เป็น 40.23 เมตรยาว 13.40 เมตรกว้างและเพดาน 20.70 เมตรเหนือพื้นดินที่จุดสูงสุดของ1มีเกลันเจโลวาดภาพชุดของฉากในพระคัมภีร์ไบเบิล ผู้เผยพระวจนะ และบรรพบุรุษของพระคริสต์ ตลอดจนทรอมเปโลอีลหรือลักษณะทางสถาปัตยกรรม พื้นที่หลักของเพดานแสดงเรื่องราวจากเรื่องราวของหนังสือปฐมกาล รวมถึงการสร้างมนุษยชาติ การล่มสลายของมนุษย์จากพระคุณ น้ำท่วม และโนอาห์

ฝ้าเพดานโบสถ์น้อยซิสทีน: รายละเอียด

ฝ้าเพดานโบสถ์น้อยซิสทีน - Michelangelo

การสร้างอดัมอาจเป็นแผงที่รู้จักกันดีที่สุดในโบสถ์น้อยซิสทีนที่มีชื่อเสียง สังเกตว่าการจัดองค์ประกอบภาพไม่อยู่ตรงกลาง

รูปภาพ Fotopress / Getty

แผงแสดงการสร้างมนุษย์น่าจะเป็นฉากที่รู้จักกันดีที่สุดในจิตรกรรมฝาผนังที่มีชื่อเสียงของ Michelangelo บนเพดานโบสถ์ Sistine

โบสถ์น้อยซิสทีนในวาติกันมีภาพเฟรสโกหลายภาพเขียนอยู่ แต่ไมเคิลแองเจโลก็มีชื่อเสียงมากที่สุดจากภาพเฟรสโกบนเพดาน การบูรณะครั้งใหญ่เกิดขึ้นระหว่างปีพ.ศ. 2523 ถึง 2537 โดยผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะของวาติกัน โดยขจัดควันจากเทียนและงานบูรณะครั้งก่อนๆ เผยให้เห็นสีสันที่สดใสกว่าที่เคยคิดไว้มาก

เม็ดสีที่ไมเคิลแองเจโลใช้ ได้แก่ เหลืองสดสำหรับสีแดงและสีเหลือง เหล็กซิลิเกตสำหรับสีเขียว ลาพิสลาซูลีสำหรับสีน้ำเงิน และถ่านสำหรับสีดำ 1ไม่ใช่ทุกอย่างจะถูกวาดในรายละเอียดมากเท่าที่ปรากฏครั้งแรก ตัวอย่างเช่น ตัวเลขในส่วนโฟร์กราวด์ถูกวาดให้มีรายละเอียดมากกว่าพื้นหลัง ซึ่งเพิ่มความรู้สึกลึกลงไปในเพดาน

เพิ่มเติมเกี่ยวกับโบสถ์น้อยซิสทีน:

•  พิพิธภัณฑ์วาติกัน: โบสถ์น้อยซิสทีน
•  ทัวร์เสมือนจริงของโบสถ์น้อยซิสทีน

ที่มา:
1 พิพิธภัณฑ์วาติกัน: โบสถ์น้อยซิสทีน เว็บไซต์รัฐนครวาติกัน เข้าถึงเมื่อ 9 กันยายน 2010

เลโอนาร์โด ดา วินชี โน้ตบุ๊ก

Leonardo da Vinci Notebook ในพิพิธภัณฑ์ V&A ในลอนดอน

สมุดบันทึกเล่มเล็กนี้โดย Leonardo da Vinci (ระบุอย่างเป็นทางการว่า Codex Forster III) อยู่ในพิพิธภัณฑ์ V&A ในลอนดอน

Marion Boddy-Evans / ได้รับอนุญาตให้ใช้งาน About.com, Inc.

ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Leonardo da Vinci มีชื่อเสียงไม่เพียง แต่สำหรับภาพวาดของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสมุดบันทึกของเขาด้วย ภาพนี้แสดงให้เห็นหนึ่งในพิพิธภัณฑ์ V&A ในลอนดอน

พิพิธภัณฑ์ V&A ในลอนดอนมีสมุดบันทึกของ Leonardo da Vinci จำนวน 5 เล่มอยู่ในคอลเล็กชัน เครื่องนี้รู้จักกันในชื่อ Codex Forster III ถูกใช้โดย Leonardo da Vinci ระหว่างปี 1490 ถึง 1493 เมื่อเขาทำงานในมิลานสำหรับ Duke Ludovico Sforza

เป็นสมุดบันทึกขนาดเล็ก ขนาดที่คุณสามารถเก็บไว้ในกระเป๋าเสื้อโค้ตได้อย่างง่ายดาย เต็มไปด้วยความคิด บันทึกย่อ และภาพสเก็ตช์ทุกประเภท รวมทั้ง “ภาพร่างขาม้า ภาพวาดหมวกและเสื้อผ้าที่อาจเป็นแนวคิดในการแต่งกายที่ลูกบอล และเรื่องราวเกี่ยวกับกายวิภาคของศีรษะมนุษย์” 1แม้ว่าคุณจะไม่สามารถเปิดหน้าสมุดบันทึกในพิพิธภัณฑ์ได้ แต่คุณสามารถเปิดหน้าผ่านทางออนไลน์ได้

การอ่านลายมือของเขาไม่ใช่เรื่องง่าย ระหว่างรูปแบบการประดิษฐ์ตัวอักษรและการใช้การเขียนในกระจก (ย้อนกลับจากขวาไปซ้าย) แต่บางคนพบว่ามันน่าทึ่งมากที่ได้เห็นว่าเขารวมทุกอย่างไว้ในสมุดเล่มเดียวได้อย่างไร มันคือสมุดบันทึกที่ใช้งานได้จริง ไม่ใช่ของเชิดหน้าชูตา หากคุณเคยกังวลว่าสมุดบันทึกความคิดสร้างสรรค์ของคุณไม่ได้ทำหรือจัดระเบียบอย่างถูกต้อง ให้นำจากอาจารย์ท่านนี้: ทำตามที่คุณต้องการ

ที่มา:
1. สำรวจ Forster Codices, V&A Museum (เข้าถึงเมื่อ 8 สิงหาคม 2553)

โมนาลิซ่า - เลโอนาร์โด ดา วินชี

“โมนาลิซ่า” โดยเลโอนาร์โด ดา วินชี ทาสี c.1503-19. สีน้ำมันบนไม้. ขนาด: 30×20″ (77×53 ซม.) ภาพวาดที่มีชื่อเสียงนี้อยู่ในคอลเล็กชันพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในปารีสแล้ว รูปภาพของ

Stuart Gregory / Getty

ภาพวาด “Mona Lisa” ของLeonardo da Vinciในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในปารีสเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก อาจเป็นตัวอย่างที่รู้จักกันดีที่สุดของsfumatoซึ่งเป็นเทคนิคการวาดภาพที่มีส่วนรับผิดชอบต่อรอยยิ้มลึกลับของเธอ

มีการคาดเดากันมากมายเกี่ยวกับผู้หญิงในภาพวาดว่าเป็นใคร คิดว่าเป็นภาพเหมือนของ Lisa Gherardini ภรรยาของพ่อค้าผ้าชาวฟลอเรนซ์ชื่อ Francesco del Giocondo (วาซารีนักเขียนศิลปะในศตวรรษที่ 16 เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่แนะนำสิ่งนี้ใน “ชีวิตของศิลปิน”) นอกจากนี้ยังได้รับคำแนะนำว่าเหตุผลที่เธอยิ้มคือเธอท้อง

นักประวัติศาสตร์ศิลป์ทราบดีว่าเลโอนาร์โดเริ่มสร้าง “โมนาลิซ่า” ในปี 1503 เนื่องจากบันทึกในปีนั้นโดย Agostino Vespucci เจ้าหน้าที่อาวุโสของฟลอเรนซ์ เมื่อเขาทำเสร็จแล้วก็ไม่ค่อยแน่นอน พิพิธภัณฑ์ลูฟร์เดิมลงวันที่ภาพวาดในปี 1503-06 แต่การค้นพบที่เกิดขึ้นในปี 2555 บ่งชี้ว่าอาจใช้เวลามากเท่ากับหนึ่งทศวรรษต่อมาก่อนที่มันจะสร้างเสร็จโดยอิงจากพื้นหลังของภาพวาดของหินที่เขารู้จักในปี 1510 -15. 1พิพิธภัณฑ์ลูฟร์เปลี่ยนวันที่เป็น 1503-19 ในเดือนมีนาคม 2555

ที่มา: 
1. โมนาลิซ่าอาจสร้างเสร็จช้ากว่าที่คิดในหนังสือพิมพ์ The Art Newspaper โดย Martin Bailey 7 มีนาคม 2555 (เข้าถึง 10 มีนาคม 2555)

จิตรกรชื่อดัง: Monet ที่ Giverny

โมเนต์

Monet นั่งถัดจากสระบัวในสวนของเขาที่ Giverny ในฝรั่งเศส

รูปภาพ Hulton Archive / Getty

รูปภาพอ้างอิงสำหรับการวาดภาพ: “Garden at Giverny” ของ Monet

เหตุผลส่วนหนึ่งที่ Claude Monet จิตรกรอิมเพรสชันนิสต์มีชื่อเสียงมากคือภาพสะท้อนในสระลิลลี่ที่เขาสร้างขึ้นในสวนขนาดใหญ่ของเขาที่ Giverny เป็นแรงบันดาลใจมาหลายปีจนสิ้นชีวิต เขาร่างแนวคิดสำหรับภาพวาดที่ได้รับแรงบันดาลใจจากสระน้ำ และเขาสร้างภาพวาดขนาดเล็กและขนาดใหญ่ทั้งที่เป็นผลงานเดี่ยวและซีรีส์

ลายเซ็นของ Claude Monet

ลายเซ็นของ Claude Monet

ลายเซ็นของ Claude Monet บนภาพวาด Nympheas ปี 1904 ของเขา

รูปภาพของ Bruno Vincent / Getty

ตัวอย่างการลงนามในภาพวาดของ Monet นี้มาจากภาพวาดดอกบัวภาพหนึ่งของเขา คุณสามารถเห็นได้ว่าเขาลงนามด้วยชื่อและนามสกุล (Claude Monet) และปี (1904) อยู่ที่มุมขวาล่าง เข้าไปลึกพอไม่ให้กรอบตัดขาด

ชื่อเต็มของ Monet คือ Claude Oscar Monet

“พระอาทิตย์ขึ้นที่น่าประทับใจ” – Monet

พระอาทิตย์ขึ้น - โมเนต์ (1872)

“พระอาทิตย์ขึ้นที่น่าประทับใจ” โดย Monet (1872) สีน้ำมันบนผ้าใบ. ประมาณ 18×25 นิ้ว หรือ 48×63 ซม. ปัจจุบันอยู่ที่ Musée Marmottan Monet ในปารีส

Buyenlarge / Getty Images

ภาพวาดของโมเนต์นี้ทำให้ชื่อศิลปะอิมเพรสชั่นนิสม์ เขาจัดแสดงในปี พ.ศ. 2417 ในกรุงปารีสในสิ่งที่กลายเป็นที่รู้จักในนามนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ครั้งแรก

ในการทบทวนนิทรรศการซึ่งเขาตั้งชื่อว่า “นิทรรศการอิมเพรสชันนิสต์” นักวิจารณ์ศิลปะ Louis Leroy กล่าวว่า:

“วอลล์เปเปอร์ในสภาพของตัวอ่อนนั้นสมบูรณ์กว่าภาพทะเล นั้นเสียอีก “

ที่มา:
1. “L’Exposition des Impressionnistes” โดย Louis Leroy, Le Charivari , 25 เมษายน 1874, ปารีส แปลโดย John Rewald ในThe History of Impressionism , Moma, 1946, p256-61; อ้างใน Salon to Biennial: นิทรรศการที่สร้างประวัติศาสตร์ศิลปะ โดย Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43

“ดอกบัว” – คลอดด์ โมเนต์

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง -- โมเนต์

แกลลอรี่ภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง

ภาพถ่าย: © davebluedevil ( สงวนลิขสิทธิ์ Creative Commons บางส่วน )

Claude Monet , “ดอกบัว” ค. ค.ศ. 19140-17 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 65 3/8 x 56 นิ้ว (166.1 x 142.2 ซม.) ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งซานฟรานซิสโก .

Monet อาจเป็นศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ที่มีชื่อเสียงที่สุด โดยเฉพาะภาพวาดเงาสะท้อนในสระดอกลิลลี่ที่สวน Giverny ของเขา ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นก้อนเมฆเล็กๆ ที่มุมขวาบน และท้องฟ้าสีครามที่สะท้อนอยู่ในน้ำ

หากคุณศึกษาภาพถ่ายสวนของ Monet เช่น สระบัวของ Monet และดอก Lily และเปรียบเทียบกับภาพวาดนี้ คุณจะรู้สึกว่า Monet ลดรายละเอียดในงานศิลปะของเขา ซึ่งรวมถึงเฉพาะแก่นแท้ของ ฉากหรือภาพสะท้อนน้ำและดอกลิลลี่ คลิกลิงก์ “ดูขนาดเต็ม” ใต้รูปภาพด้านบนเพื่อดูเวอร์ชันที่ใหญ่กว่า ซึ่งง่ายต่อการทำความเข้าใจกับพู่กันของ Monet

กวีชาวฝรั่งเศส Paul Claudel กล่าวว่า:

“ขอบคุณน้ำ [โมเนต์] กลายเป็นจิตรกรในสิ่งที่เรามองไม่เห็น เขาจัดการกับพื้นผิวจิตวิญญาณที่มองไม่เห็นซึ่งแยกแสงออกจากการสะท้อน สีฟ้าโปร่งสบายของสีฟ้าเหลว … สีเพิ่มขึ้นจากก้นน้ำในเมฆ ในอ่างน้ำวน”

ที่มา :
หน้า 262 Art of Our Century โดย Jean-Louis Ferrier และ Yann Le Pichon

ลายเซ็นของ Camille Pissarro

ลายเซ็นของศิลปินอิมเพรสชันนิสม์ชื่อดัง Camille Pissarro

ลายเซ็นของศิลปินอิมเพรสชันนิสต์ Camille Pissarro ในภาพวาดปี 1870 ของเขา “Landscape in the Vicinity of Louveciennes (Autumn)”

รูปภาพของ Ian Waldie / Getty

จิตรกร Camille Pissarro มักจะเป็นที่รู้จักน้อยกว่าคนรุ่นเดียวกันหลายคน (เช่น Monet) แต่มีจุดยืนที่ไม่เหมือนใครในไทม์ไลน์ของศิลปะ เขาทำงานเป็นทั้งอิมเพรสชันนิสต์และนีโออิมเพรสชันนิสต์ ตลอดจนมีอิทธิพลต่อศิลปินที่มีชื่อเสียงในปัจจุบัน เช่น Cézanne, Van Gogh และ Gauguin เขาเป็นศิลปินเพียงคนเดียวที่จัดแสดงนิทรรศการอิมเพรสชันนิสต์ทั้งแปดครั้งในปารีสตั้งแต่ปี 2417 ถึง 2429

ภาพเหมือนตนเองของแวนโก๊ะ (1886/1887)

ภาพเหมือนตนเองของแวนโก๊ะ

ภาพเหมือนตนเอง โดย Vincent van Gogh (1886/1887) 41×32.5ซม. สีน้ำมันบนกระดานศิลปิน ติดบนแผง ในคอลเลกชั่นของ Art Institute of Chicago

จิมโชว ​/ Flickr 

ภาพ นี้โดยVincent van Goghอยู่ในคอลเล็กชันของ Art Institute of Chicago มันถูกวาดโดยใช้สไตล์ที่คล้ายกับ Pointillism แต่ไม่ติดเฉพาะจุดเท่านั้น

ในช่วงสองปีที่เขาอาศัยอยู่ในปารีส ระหว่างปี พ.ศ. 2429 ถึง พ.ศ. 2431 แวนโก๊ะวาดภาพเหมือนตนเอง 24 ภาพ สถาบันศิลปะชิคาโกอธิบายว่าสิ่งนี้ใช้ “เทคนิคจุด” ของ Seurat ไม่ใช่วิธีการทางวิทยาศาสตร์ แต่เป็น “ภาษาทางอารมณ์ที่รุนแรง” ซึ่ง “จุดสีแดงและสีเขียวรบกวนและสอดคล้องกับความตึงเครียดทางประสาทที่เห็นได้ชัดในหนังสือของ Van Gogh จ้องมอง”

ในจดหมายฉบับหนึ่งถึงวิลเฮลมินา น้องสาวของเขาในอีกไม่กี่ปีต่อมา แวนโก๊ะเขียนว่า:

“เมื่อเร็ว ๆ นี้ฉันวาดภาพของตัวเองสองภาพ ซึ่งหนึ่งในนั้นค่อนข้างมีลักษณะที่แท้จริง ฉันคิดว่าแม้ว่าในฮอลแลนด์พวกเขาอาจจะเยาะเย้ยแนวคิดเกี่ยวกับการวาดภาพเหมือนที่กำลังงอกงามที่นี่ … ฉันมักจะคิดว่ารูปถ่ายน่ารังเกียจและฉัน ไม่ชอบที่จะมีพวกเขาอยู่ใกล้ ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งไม่ใช่คนที่ฉันรู้จักและรัก …. ภาพถ่ายบุคคลเหี่ยวเฉาเร็วกว่าที่เราทำในขณะที่ภาพวาดเป็นสิ่งที่รู้สึกได้ทำด้วยความรักหรือความเคารพต่อ มนุษย์ที่ปรากฎ”

ที่มา: 
จดหมายถึงวิลเฮลมินา ฟาน โก๊ะ 19 กันยายน พ.ศ. 2432

ลายเซ็นต์ของวินเซนต์ แวนโก๊ะ

Vincent van Gogh Signature ที่ The Night Cafe

“The Night Cafe” โดย Vincent van Gogh (1888)

Teresa Veramendi / Vincent’s Yellow

The Night Cafeโดย Van Gogh อยู่ในคอลเลกชั่นของ Yale University Art Gallery เป็นที่ทราบกันดีว่า Van Gogh เซ็นชื่อเฉพาะภาพเขียนที่เขาพอใจเป็นพิเศษ แต่สิ่งที่ผิดปกติในกรณีของภาพวาดนี้คือเขาเพิ่มชื่อใต้ลายเซ็นของเขาว่า “Le café de Nuit”

สังเกตว่า Van Gogh เซ็นชื่อในภาพวาดของเขาว่า “Vincent” ไม่ใช่ “Vincent van Gogh” หรือ “Van Gogh”

ในจดหมายถึงธีโอน้องชายของเขาที่เขียนเมื่อวันที่ 24 มีนาคม พ.ศ. 2431 เขากล่าวว่า: 

“ในอนาคต ชื่อของฉันควรจะใส่ในแคตตาล็อกในขณะที่ฉันเซ็นชื่อบนผืนผ้าใบ นั่นคือ Vincent ไม่ใช่ Van Gogh ด้วยเหตุผลง่ายๆที่พวกเขาไม่รู้วิธีการออกเสียงชื่อหลังที่นี่”

“ที่นี่” คือ Arles ทางตอนใต้ของฝรั่งเศส

หากคุณสงสัยว่าคุณออกเสียงแวนโก๊ะอย่างไร จำไว้ว่ามันเป็นนามสกุลดัตช์ ไม่ใช่ภาษาฝรั่งเศสหรืออังกฤษ ดังนั้น “Gogh” จึงออกเสียง จึงคล้องจองกับ “ทะเลสาบ” ของสกอตแลนด์ มันไม่ใช่ “goff” หรือ “go”
 

The Starry Night – วินเซนต์ ฟาน โก๊ะ

The Starry Night - วินเซนต์ ฟาน โก๊ะ

The Starry Night โดย Vincent van Gogh (1889) สีน้ำมันบนผ้าใบ 29×36 1/4″ (73.7×92.1 ซม.) ในคอลเลกชั่น Moma, New York.

Jean-Francois Richard

ภาพวาดนี้ ซึ่งอาจเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดโดย Vincent van Gogh อยู่ในคอลเล็กชันที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก

Van Gogh วาดภาพThe Starry Nightในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2432 โดยกล่าวถึงดาวรุ่งในจดหมายถึงธีโอน้องชายของเขาที่เขียนเมื่อประมาณวันที่ 2 มิถุนายน พ.ศ. 2432 ว่า “เช้านี้ฉันเห็นประเทศจากหน้าต่างของฉันเป็นเวลานานก่อนพระอาทิตย์ขึ้นโดยไม่มีอะไรนอกจาก ดาวรุ่งซึ่งดูใหญ่โตมาก” ดาวรุ่ง (ที่จริงแล้วคือดาววีนัส ไม่ใช่ดาว) โดยทั่วไปแล้วจะถือว่าเป็นดาวสีขาวขนาดใหญ่ที่ทาสีด้านซ้ายตรงกลางของภาพวาด

จดหมายก่อนหน้าของแวนโก๊ะยังกล่าวถึงดวงดาวและท้องฟ้ายามค่ำคืน และความปรารถนาของเขาที่จะวาดภาพเหล่านั้น:

1. “เมื่อไหร่จะได้ไปทำท้องฟ้าเต็มไปด้วยดวงดาว ภาพนั้นที่อยู่ในใจเสมอ” (จดหมายถึงเอมิล เบอร์นาร์ด ค.ศ.18 มิถุนายน พ.ศ. 2431)
2. “สำหรับท้องฟ้าที่เต็มไปด้วยดวงดาว ข้าพเจ้าหวังเป็นอย่างยิ่งว่าจะทาสีมัน และบางทีสักวันหนึ่งข้าพเจ้าอาจจะทาสี” (จดหมายถึงธีโอ ฟาน โก๊ะ ค.26 กันยายน พ.ศ. 2431)
3. “ในตอนนี้ ฉันอยากจะวาดท้องฟ้าที่เต็มไปด้วยดวงดาวจริงๆ สำหรับฉัน ในคืนนั้นมักจะดูมีสีสันมากกว่ากลางวัน มีเฉดสีม่วง น้ำเงิน และเขียวที่เข้มข้นที่สุด ถ้าเพียงแต่คุณใส่ใจกับมัน คุณจะเห็นว่าดาวบางดวงเป็นสีเหลืองมะนาว บางดวงเป็นสีชมพูหรือสีเขียว น้ำเงิน และสว่างไสวด้วยลืมฉัน … เป็นที่แน่ชัดว่าการใส่จุดสีขาวเล็กๆ บนสีน้ำเงิน-ดำไม่เพียงพอต่อการวาดท้องฟ้าที่เต็มไปด้วยดวงดาว .” (จดหมายถึงวิลเฮลมินา ฟาน โก๊ะ 16 กันยายน พ.ศ. 2431)

The Restaurant de la Sirene ที่ Asnieres – Vincent van Gogh

"The Restaurant de la Sirene ที่ Asnieres"  - Vincent van Gogh

“The Restaurant de la Sirene ที่ Asnieres” โดย Vincent van Gogh

Marion Boddy-Evans (2007) / ได้รับอนุญาตให้ใช้งาน About.com, Inc.

ภาพวาดนี้โดย Vincent van Gogh อยู่ในคอลเล็กชันของพิพิธภัณฑ์ Ashmolean ในเมือง Oxford ประเทศอังกฤษ ฟานก็อกฮ์วาดภาพนี้ไม่นานหลังจากที่เขามาถึงปารีสในปี พ.ศ. 2430 เพื่ออาศัยอยู่กับธีโอน้องชายของเขาในเมืองมงต์มาตร์ ซึ่งธีโอเป็นผู้จัดการหอศิลป์

เป็นครั้งแรกที่ Vincent ได้สัมผัสกับภาพวาดของพวกอิมเพรสชันนิสต์ (โดยเฉพาะ Monet) และได้พบกับศิลปินเช่นGauguin , Toulouse-Lautrec, Emile Bernard และ Pissarro เมื่อเทียบกับงานก่อนหน้าซึ่งครอบงำด้วยสีเอิร์ธโทนตามแบบฉบับของจิตรกรชาวยุโรปเหนือ เช่น แรมแบรนดท์ ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของศิลปินเหล่านี้ที่มีต่อเขา

สีที่เขาใช้ได้จางลงและสว่างขึ้น และพู่กันของเขาเริ่มหลวมและชัดเจนขึ้น ดูรายละเอียดเหล่านี้จากภาพวาด แล้วคุณจะเห็นว่าเขาใช้สีบริสุทธิ์เป็นเส้นเล็กๆ แยกจากกันอย่างไร เขาไม่ได้ผสมสีบนผืนผ้าใบ แต่ปล่อยให้สิ่งนี้เกิดขึ้นในสายตาของผู้ชม เขากำลังลองใช้สีที่ผิดเพี้ยนของอิมเพรสชันนิสต์

เมื่อเทียบกับภาพวาดในสมัยก่อน แถบสีจะเว้นระยะห่างกัน โดยมีพื้นหลังเป็นกลางแสดงระหว่างสีทั้งสอง เขายังไม่ได้ครอบคลุมทั้งผืนผ้าใบด้วยสีที่อิ่มตัว หรือไม่ใช้ประโยชน์จากความเป็นไปได้ของการใช้แปรงเพื่อสร้างพื้นผิวในตัวสีเอง

The Restaurant de la Sirene ที่ Asnieres โดย Vincent van Gogh (รายละเอียด)

Vincent van Gogh (พิพิธภัณฑ์ Ashmolean)

รายละเอียดจาก “The Restaurant de la Sirene, at Asnieres” โดย Vincent van Gogh (สีน้ำมันบนผ้าใบ, พิพิธภัณฑ์ Ashmolean)

Marion Boddy-Evans (2007) / ได้รับอนุญาตให้ใช้งาน About.com, Inc.

รายละเอียดเหล่านี้จากภาพวาดของแวนโก๊ะเรื่อง The Restaurant de la Sirene ที่ Asnieres (ในคอลเล็กชันของพิพิธภัณฑ์ Ashmolean) แสดงให้เห็นว่าเขาทดลองกับพู่กันและพู่กันของเขาอย่างไรหลังจากที่ได้สัมผัสกับภาพวาดของอิมเพรสชันนิสต์และศิลปินร่วมสมัยชาวปารีสคนอื่นๆ

“โฟร์แดนซ์เซอร์” – เอ็ดการ์ เดอกาส์

"นักเต้นทั้งสี่"  - เอ็ดการ์ เดกาส

MikeandKim / Flickr

เอ็ดการ์ เดอกาส์, Four Dancers, c. พ.ศ. 2442 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 59 1/2 x 71 นิ้ว (151.1 x 180.2 ซม.) ในหอศิลป์แห่งชาติกรุงวอชิงตัน

“ภาพเหมือนของแม่ศิลปิน” – วิสต์เลอร์

ภาพวาดแม่ของวิสเลอร์

“การจัดสีเทาและสีดำหมายเลข 1 ภาพเหมือนของมารดาของศิลปิน” โดย James Abbott McNeill Whistler (1834-1903) พ.ศ. 2414 144.3×162.5ซม. สีน้ำมันบนผ้าใบ. ในคอลเลคชันของ Musee d’Orsay, Paris

รูปภาพ Bill Pugliano / Getty / Musee d’Orsay / Paris / France

นี่อาจเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของวิสต์เลอร์ ชื่อเต็มคือ “Arrangement in Grey and Black No. 1, Portrait of the Artist’s Mother” แม่ของเขาตกลงที่จะโพสท่าสำหรับภาพวาดเมื่อนางแบบวิสต์เลอร์ใช้ล้มป่วย ตอนแรกเขาขอให้เธอยืน แต่อย่างที่คุณเห็นเขายอมและปล่อยให้เธอนั่งลง

บนผนังมีการแกะสลักโดย Whistler “Black Lion Wharf” หากคุณดูผ้าม่านที่ด้านซ้ายบนสุดของกรอบการแกะสลักอย่างระมัดระวัง คุณจะเห็นรอยเปื้อนจางลง นั่นคือสัญลักษณ์รูปผีเสื้อที่วิสต์เลอร์เคยเซ็นชื่อบนภาพวาดของเขา สัญลักษณ์ไม่ได้เหมือนเดิมเสมอไป แต่มันเปลี่ยนไป และรูปร่างของมันก็ถูกใช้เพื่อให้เข้ากับงานศิลปะของเขา เป็นที่ทราบกันดีว่าเขาเริ่มใช้งานในปี พ.ศ. 2412

“ความหวัง II” – กุสตาฟคลิมท์

"ความหวังครั้งที่สอง"  - กุสตาฟ คลิมต์

“ความหวังที่สอง” – กุสตาฟคลิมท์

เจสสิก้า จีนน์ / Flickr

“ใครก็ตามที่อยากรู้บางอย่างเกี่ยวกับฉัน — ในฐานะศิลปิน สิ่งเดียวที่โดดเด่น — ควรดูรูปภาพของฉันอย่างระมัดระวัง และพยายามมองเข้าไปในนั้นว่าฉันเป็นใครและต้องการทำอะไร” Klimt

Gustav Klimt วาดภาพHope IIบนผ้าใบในปี 1907/8 โดยใช้สีน้ำมัน สีทอง และแพลตตินั่ม มีขนาด 43.5×43.5 นิ้ว (110.5 x 110.5 ซม.) ภาพวาดนี้เป็นส่วนหนึ่งของคอลเล็กชันของพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก

Hope IIเป็นตัวอย่างที่สวยงามของการใช้แผ่นทองคำเปลวของKlimt ในภาพวาดและไม้ประดับอันอุดมสมบูรณ์ของเขา ดูวิธีที่เขาวาดเสื้อผ้าที่สวมใส่โดยร่างหลักว่าเป็นรูปทรงนามธรรมที่ตกแต่งด้วยวงกลมอย่างไร แต่เรายังคง ‘อ่าน’ มันเป็นเสื้อคลุมหรือชุด ด้านล่างมันรวมเข้ากับใบหน้าอีกสามคนได้อย่างไร

ใน ชีวประวัติภาพประกอบของเขาของ Klimt นักวิจารณ์ศิลปะ Frank Whitford กล่าวว่า:

Klimt “ใช้แผ่นทองคำและเงินแท้เพื่อเพิ่มความประทับใจให้มากขึ้นว่าภาพวาดนี้เป็นวัตถุล้ำค่า ไม่ใช่กระจกที่สามารถมองเห็นธรรมชาติได้จากระยะไกล แต่เป็นสิ่งประดิษฐ์ที่ประดิษฐ์ขึ้นอย่างพิถีพิถัน”2

เป็นสัญลักษณ์ที่ยังถือว่าใช้ได้ในปัจจุบันเนื่องจากทองคำยังถือเป็นสินค้าที่มีค่า

Klimt อาศัยอยู่ที่เวียนนาในออสเตรียและได้แรงบันดาลใจจากตะวันออกมากกว่าตะวันตกจาก “แหล่งที่มาต่างๆ เช่น ศิลปะไบแซนไทน์ งานโลหะไมซีนี พรมเปอร์เซียและเพชรประดับ ภาพโมเสคของโบสถ์ราเวนนา และฉากกั้นของญี่ปุ่น” 3

ที่มา:
1. ศิลปินในบริบท: Gustav Klimtโดย Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993) ปกหลัง
2. อ้าง หน้า82
3. MoMA Highlights (Museum of Modern Art, New York, 2004), พี. 54

ลายเซ็นของปิกัสโซ

ลายเซ็นของปิกัสโซ

ลายเซ็นของปิกัสโซในภาพวาดปี 1903 “Portrait of Angel Fernandez de Soto” (หรือ “The Absinthe Drinker”)

รูปภาพ Oli Scarff / Getty

นี่คือลายเซ็นของPicassoในภาพวาดปี 1903 (จากยุคสีน้ำเงิน) ของเขาที่มีชื่อว่า “The Absinthe Drinker”

ปิกัสโซทดลองโดยใช้ชื่อย่อต่างๆ ของเขาเป็นลายเซ็นในการวาดภาพ รวมทั้งอักษรย่อวงกลม ก่อนตั้งค่าเป็น “ปาโบล ปิกัสโซ” วันนี้เรามักได้ยินเขาเรียกง่ายๆ ว่า “ปิกัสโซ”

ชื่อเต็มของเขาคือ: ปาโบล, Digo, โฮเซ่ฟรานซิสเดอพอลล่า Nepomuceno ฆมาเรียเดอลอ Remedios, Cipriano เดอลา Santisima Trinidad, รุยซ์ปิกัสโซ1 . ที่มา: 1. “เป็นผลรวมของพินาศ: ปิกัสโซวัฒนธรรมและการสร้าง ของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม” โดย Natasha Staller สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเยล. หน้า น.209.

“นักดื่มแอ็บซินธ์” – ปิกัสโซ

"นักดื่มแอ็บซินท์"  - ปิกัสโซ

ภาพวาดของ Picasso ในปี 1903 “Portrait of Angel Fernandez de Soto” (หรือ “The Absinthe Drinker”)

รูปภาพ Oli Scarff / Getty

ภาพวาดนี้สร้างโดย Picasso ในปี 1903 ระหว่างช่วงเวลาสีน้ำเงินของเขา (ช่วงเวลาที่โทนสีน้ำเงินครอบงำภาพวาดของ Picasso เมื่อตอนที่เขาอายุยี่สิบ) มีศิลปิน Angel Fernandez de Soto ผู้ซึ่งกระตือรือร้นในงานปาร์ตี้และดื่มเหล้ามากกว่าภาพวาดของเขา1และเคยแชร์สตูดิโอกับ Picasso ในบาร์เซโลนาถึงสองครั้ง

ภาพวาดดังกล่าวถูกนำขึ้นประมูลในเดือนมิถุนายน 2010 โดยมูลนิธิแอนดรูว์ ลอยด์ เว็บเบอร์ หลังจากที่ได้มีการตกลงกันนอกศาลในสหรัฐอเมริกาตามความเป็นเจ้าของ ตามข้อเรียกร้องของทายาทของนายพอล ฟอน เมนเดลโซห์น-บาร์โธลดี นายธนาคารชาวเยอรมัน-ยิวว่า ภาพวาดดังกล่าวอยู่ภายใต้การบังคับขู่เข็ญในช่วงทศวรรษที่ 1930 ระหว่างระบอบนาซีในเยอรมนี

ที่มา:
1. ข่าวประชาสัมพันธ์บ้านประมูลของคริสตี้, “Christie’s to Offer Picasso Masterpiece” 17 มีนาคม 2553

“โศกนาฏกรรม” – ปิกัสโซ

"โศกนาฏกรรม"  - ปิกัสโซ

“โศกนาฏกรรม” – ปิกัสโซ

MikeandKim / Flickr

Pablo Picasso, The Tragedy, 1903. สีน้ำมันบนไม้ ขนาด 41 7/16 x 27 3/16 นิ้ว (105.3 x 69 ซม.) ในหอศิลป์แห่งชาติกรุงวอชิงตัน

มันมาจากยุคบลูส์ของเขา เมื่อภาพวาดของเขาถูกครอบงำด้วยเพลงบลูส์ตามชื่อของมัน

ร่างโดย Picasso สำหรับภาพวาด “Guernica” อันโด่งดังของเขา

Picasso Sketch สำหรับภาพวาด Guernica

ภาพสเก็ตช์ของปิกัสโซสำหรับภาพวาด “Guernica” ของเขา

รูปภาพ Gotor / ปก / Getty

ขณะวางแผนและทำงานกับภาพวาด Guernica ขนาดมหึมาของเขา Picasso ได้วาดภาพร่างและการศึกษามากมาย ภาพถ่ายแสดงภาพสเก็ตช์องค์ประกอบภาพหนึ่งของเขาซึ่งโดยตัวมันเองแล้ว ดูเหมือนไม่มากนัก เป็นคอลเล็กชั่นลายเส้นที่ขีดข่วน

แทนที่จะพยายามถอดรหัสว่าสิ่งต่าง ๆ เป็นอย่างไรและอยู่ที่ใดในภาพวาดสุดท้าย ให้คิดว่ามันเป็นชวเลขของ Picasso ทำเครื่องหมายง่าย ๆสำหรับภาพที่เขาเก็บไว้ในใจ มุ่งเน้นไปที่วิธีที่เขาใช้สิ่งนี้เพื่อตัดสินใจว่าจะวางองค์ประกอบในภาพวาดไว้ที่ใด โดยเน้นที่การโต้ตอบระหว่างองค์ประกอบเหล่านี้

“Guernica” – ปิกัสโซ

"เกิร์นนิกา"  - ปิกัสโซ

“Guernica” – ปิกัสโซ

รูปภาพ Bruce Bennett / Getty

ภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดย Picasso นี้มีขนาดมหึมา: สูง 11 ฟุต 6 นิ้ว และกว้าง 25 ฟุต 8 นิ้ว (3,5 x 7,76 เมตร) Picasso วาดภาพบนคอมมิชชั่นสำหรับ Spanish Pavilion ในงาน World Fair 1937 ที่ปารีส อยู่ใน Museo Reina Sofia กรุงมาดริด ประเทศสเปน

“ภาพเหมือนของมิสเตอร์มิงเกล” – Picasso

Picasso Portrait Painting ของ Minguell จากปี 1901

“Portrait de Mr Minguell” โดย Pablo Picasso (1901) สีน้ำมันบนกระดาษวางบนผ้าใบ ขนาด: 52×31.5 ซม. (20 1/2 x 12 3/8in)

รูปภาพ Oli Scarff / Getty

ปิกัสโซได้ภาพนี้วาดภาพในปี 1901 เมื่อเขาอายุได้ 20 เรื่องตัดคาตาลัน, นาย Minguell ที่มีความเชื่อปิกัสโซถูกนำไปโดยตัวแทนจำหน่ายงานศิลปะของเขาและเพื่อนของเปโดร Manach 1สไตล์นี้แสดงให้เห็นถึงการฝึกที่ Picasso มีในการวาดภาพแบบดั้งเดิม และรูปแบบการวาดภาพของเขาพัฒนาขึ้นมากเพียงใดในอาชีพของเขา การที่ภาพวาดบนกระดาษเป็นสัญญาณบ่งบอกว่าภาพวาดนี้ทำเสร็จในเวลาที่ Picasso ล้มละลาย แต่ยังไม่ได้รับเงินเพียงพอจากงานศิลปะของเขาที่จะวาดภาพบนผ้าใบ

Picasso มอบภาพวาด Minguell เป็นของขวัญ แต่ภายหลังซื้อคืนและยังคงมีอยู่เมื่อเขาเสียชีวิตในปี 2516 ภาพวาดถูกวางบนผ้าใบและน่าจะได้รับการบูรณะภายใต้การแนะนำของ Picasso ” ช่วงก่อนปี 1969″ 2เมื่อถูกถ่ายรูปเพื่อ หนังสือโดย Christian Zervos บน Picasso

ครั้งต่อไปที่คุณอยู่ในการโต้เถียงกันในงานเลี้ยงอาหารค่ำว่าจิตรกรที่ไม่สมจริงทุกคนวาดภาพนามธรรมนักเขียนภาพ  แบบเหลี่ยม ลัทธิฟาววิสม์ อิมเพรสชั่นนิสต์ เลือกสไตล์ของคุณเพราะพวกเขาไม่สามารถสร้าง Picasso ในหมวดนี้ (ส่วนใหญ่ทำ) แล้วพูดถึงภาพวาดนี้

ที่มา:
1 & 2 Bonhams Sale 17802 Lot Detail Impressionist and Modern Art Sale 22 มิถุนายน 2553 (เข้าถึง 3 มิถุนายน 2553)

“Dora Maar” หรือ “Tête De Femme” – Picasso

"ดอร่า มาร์"  หรือ "Tête De Femme"  - ปิกัสโซ

“Dora Maar” หรือ “Tête De Femme” – Picasso

ปีเตอร์ Macdiarmid / Getty Images

เมื่อขายทอดตลาดในเดือนมิถุนายน 2551 ภาพวาดนี้โดย Picasso ขายในราคา 7,881,250 ปอนด์ (15,509,512 เหรียญสหรัฐ) การประเมินการประมูลอยู่ที่สามถึงห้าล้านปอนด์

Les Demoiselles d’Avignon – ปีกัสโซ

Les Demoiselles d'Avignon - ปีกัสโซ

Les Demoiselles d’Avignon โดย Pablo Picasso, 1907 สีน้ำมันบนผ้าใบ 8 x7 ‘8″ (244 x 234 cm) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ (Moma) นิวยอร์ก

Davina DeVries / Flickr 

ภาพวาดนี้อย่างมาก (เกือบแปดตารางฟุต) โดยปิกัสโซถูกขนานนามว่าเป็นหนึ่งในชิ้นส่วนที่สำคัญที่สุดของศิลปะสมัยใหม่ที่เคยสร้างถ้าไม่สำคัญที่สุดภาพวาดที่สำคัญในการพัฒนาของศิลปะสมัยใหม่ ภาพวาดแสดงให้เห็นผู้หญิงห้าคน โสเภณีในซ่องโสเภณี แต่มีการถกเถียงกันมากเกี่ยวกับความหมายทั้งหมด รวมถึงการอ้างอิงและอิทธิพลทั้งหมดที่อยู่ในภาพ นักวิจารณ์ศิลปะ Jonathan Jones 1พูดว่า:

“สิ่งที่ทำให้ Picasso หลงใหลเกี่ยวกับหน้ากากแอฟริกัน [ที่เห็นได้ชัดเจนจากรูปคนทางด้านขวา] คือสิ่งที่ชัดเจนที่สุด นั่นคือ การปลอมตัวคุณ เปลี่ยนคุณให้เป็นอย่างอื่น – สัตว์ ปีศาจ พระเจ้า ความทันสมัยคือศิลปะที่ สวมหน้ากาก ไม่ได้บอกว่าหมายถึงอะไร ไม่ใช่หน้าต่าง แต่เป็นผนัง ปิกัสโซเลือกหัวข้ออย่างแม่นยำเพราะเป็นความคิดที่เบื่อหู เขาต้องการแสดงให้เห็นว่าความคิดริเริ่มในงานศิลปะไม่ได้อยู่ที่การเล่าเรื่องหรือศีลธรรม แต่เป็นการประดิษฐ์ที่เป็นทางการ ด้วยเหตุนี้ จึงเป็นการเข้าใจผิดที่จะเห็น Les Demoiselles d’Avignon เป็นภาพวาดเกี่ยวกับซ่องโสเภณี โสเภณี หรือลัทธิล่าอาณานิคม”

ที่มา:
1. Pablo’s Punksโดย Jonathan Jones, The Guardian , 9 มกราคม 2550

“ผู้หญิงกับกีตาร์” – Georges Braque

"ผู้หญิงกับกีตาร์"  - จอร์ช บราเก้

“ผู้หญิงกับกีตาร์” – Georges Braque

อิสระ / Flickr

Georges Braque ผู้หญิงกับกีตาร์ , 1913. สีน้ำมันและถ่านบนผ้าใบ. 51 1/4 x 28 3/4 นิ้ว (130 x 73 ซม.) ใน Musee National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris

The Red Studio – Henri Matisse

The Red Studio - Henri Matisse

The Red Studio – อองรี มาติส

Liane / Lil’bear / Flickr

ภาพวาดนี้อยู่ในคอลเล็กชันของพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ (Moma)ในนิวยอร์ก แสดงให้เห็นการตกแต่งภายในของสตูดิโอวาดภาพของ Matisse ด้วยมุมมองที่แบนราบหรือภาพระนาบเดียว ผนังห้องทำงานของเขาไม่ใช่สีแดง แต่เป็นสีขาว เขาใช้สีแดงในการวาดภาพเพื่อให้เกิดผล

ผลงานศิลปะและเฟอร์นิเจอร์ในสตูดิโอของเขาจัดแสดงอยู่ในสตูดิโอของเขา โครงร่างของเฟอร์นิเจอร์ในสตูดิโอของเขาเป็นเส้นในสีที่เผยให้เห็นสีจากชั้นล่าง สีเหลือง และสีน้ำเงิน ไม่ได้ทาทับสีแดง

1. “เส้นมุมบ่งบอกถึงความลึก และแสงสีเขียวอมฟ้าของหน้าต่างช่วยเพิ่มความรู้สึกของพื้นที่ภายใน แต่ความกว้างของสีแดงทำให้ภาพดูแบนราบ Matisse เพิ่มเอฟเฟกต์นี้โดย ตัวอย่างเช่น การละเว้นเส้นแนวตั้งของมุมของ ห้อง.”
— MoMA Highlights จัดพิมพ์โดย Moma, 2004, หน้า 77

2. “องค์ประกอบทั้งหมด… ทำให้อัตลักษณ์ของตนจมลงในสิ่งที่กลายเป็นการทำสมาธิที่ยาวนานเกี่ยวกับศิลปะและชีวิต อวกาศ เวลา การรับรู้ และธรรมชาติของความเป็นจริงเอง… ทางแยกสำหรับภาพวาดตะวันตก ที่ซึ่งรูปลักษณ์ภายนอกสุดคลาสสิก ศิลปะการเป็นตัวแทนที่โดดเด่นของอดีตพบกับร๊อคเฉพาะกาล ภายใน และการอ้างอิงตนเองของอนาคต…”
– Hilary Spurling, , หน้า 81

การเต้นรำ – Henri Matisse

ภาพวาดนักเต้นมาติส

แกลเลอรีภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดยศิลปินชื่อดัง “The Dance” โดย Henri Matisse (บนสุด) และภาพสเก็ตช์สีน้ำมันที่เขาทำ (ล่าง)

ภาพถ่าย© Cate Gillon (บนสุด) และ Sean Gallup (ล่างสุด) / Getty Images

ภาพด้านบนแสดงภาพวาดที่เสร็จแล้วของ Matisse ชื่อThe Danceซึ่งสร้างเสร็จในปี 1910 และตอนนี้อยู่ในพิพิธภัณฑ์ State Hermitage ในเมืองเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ประเทศรัสเซีย ภาพด้านล่างแสดงการศึกษาองค์ประกอบภาพขนาดเต็มที่เขาทำขึ้นสำหรับภาพวาด ซึ่งขณะนี้อยู่ที่MOMAในนิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา Matisse วาดภาพโดยได้รับมอบหมายจากนักสะสมงานศิลปะชาวรัสเซีย Sergei Shchukin

เป็นภาพวาดขนาดใหญ่ กว้างเกือบ 4 เมตร และสูง 2 เมตรครึ่ง (12′ 9 1/2″ x 8′ 6 1/2″) และทาสีด้วยจานสีที่จำกัดเพียงสามสี: สีแดง , สีเขียว และสีน้ำเงิน ฉันคิดว่ามันเป็นภาพวาดที่แสดงให้เห็นว่าเหตุใด Matisse จึงมีชื่อเสียงในฐานะนักระบายสี โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อคุณเปรียบเทียบการศึกษากับภาพวาดขั้นสุดท้ายด้วยตัวเลขที่เรืองแสง

ในชีวประวัติของ Matisse (หน้า 30) Hilary Spurling กล่าวว่า:

“บรรดาผู้ที่เห็นการเต้นรำเวอร์ชันแรก อธิบายว่ามันซีด ละเอียดอ่อน แม้กระทั่งเหมือนฝัน ทาสีด้วยสีที่เพิ่มความสูง… ในเวอร์ชันที่สองกลายเป็นชายคาสีแดงเข้มที่แบนราบซึ่งสั่นสะเทือนไปกับแถบสีเขียวสดใสและท้องฟ้า ผู้ร่วมสมัยมองว่าภาพวาดเป็นพวกนอกรีตและไดโอนีเซียน”

สังเกตเปอร์สเป็คทีฟที่แบนราบ ว่าร่างต่างๆ นั้นมีขนาดเท่ากันมากกว่าขนาดที่ห่างไกลจากที่เล็กกว่าอย่างที่จะเกิดขึ้นในเปอร์สเปคทีฟหรือย่อไว้ล่วงหน้าสำหรับภาพวาดที่เป็นตัวแทน เส้นแบ่งระหว่างสีน้ำเงินและสีเขียวด้านหลังร่างนั้นโค้งอย่างไร ซึ่งสะท้อนถึงวงกลมของตัวเลข

“พื้นผิวถูกระบายสีจนอิ่มตัวจนถึงจุดที่สีน้ำเงิน แนวคิดของสีน้ำเงินสมบูรณ์ปรากฏอยู่จริง สีเขียวสดใสสำหรับโลกและสีแดงสดสำหรับร่างกาย ด้วยสามสีนี้ ฉันมีความสามัคคีของแสงและยัง ความบริสุทธิ์ของเสียง” — มาติส

ที่มา:
“Introduction to the From Russian นิทรรศการสำหรับครูและนักเรียน” โดย Greg Harris, Royal Academy of Arts, London, 2008  

จิตรกรชื่อดัง: Willem de Kooning

วิลเลม เดอ คูนิ่ง

Willem de Kooning วาดภาพในสตูดิโอของเขาใน Easthampton, Long Island, New York ในปี 1967 ภาพ

Ben Van Meerondonk / Hulton Archive / Getty

จิตรกร Willem de Kooning เกิดที่เมืองรอตเตอร์ดัมในประเทศเนเธอร์แลนด์เมื่อวันที่ 24 สิงหาคม พ.ศ. 2447 และเสียชีวิตที่ลองไอส์แลนด์นิวยอร์กเมื่อวันที่ 19 มีนาคม พ.ศ. 2540 De Kooning ฝึกงานด้านศิลปะเชิงพาณิชย์และการตกแต่งเมื่ออายุ 12 ปีและเข้าเรียนในชั้นเรียนภาคค่ำที่ สถาบันวิจิตรศิลป์และเทคนิครอตเตอร์ดัมเป็นเวลาแปดปี เขาอพยพไปยังสหรัฐอเมริกาในปี 2469 และเริ่มวาดภาพเต็มเวลาในปี 2479

สไตล์การวาดภาพของ De Kooning คือ Abstract Expressionism เขามีนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกที่ Charles Egan Gallery ในนิวยอร์กในปี 1948 โดยมีงานเคลือบขาวดำ (เขาเริ่มใช้สีอีนาเมลเนื่องจากไม่สามารถซื้อเม็ดสีของศิลปินได้) ในช่วงทศวรรษ 1950 เขาได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในผู้นำของ Abstract Expressionism แม้ว่าผู้พิถีพิถันในสไตล์นี้จะคิดว่าภาพวาดของเขา (เช่นซีรีส์Woman ) รวมอยู่ด้วย มากของรูปร่างมนุษย์

ภาพวาดของเขามีหลายเลเยอร์ องค์ประกอบที่ทับซ้อนกันและซ่อนไว้ในขณะที่เขาทำงานใหม่และทำภาพวาดใหม่ อนุญาตให้แสดงการเปลี่ยนแปลง เขาวาดบนผืนผ้าใบของเขาด้วยถ่านอย่างกว้างขวางสำหรับองค์ประกอบเริ่มต้นและขณะวาดภาพ พู่กันของเขามีท่าทาง แสดงออก ดุร้าย ด้วยความรู้สึกของพลังที่อยู่เบื้องหลังจังหวะ ภาพเขียนสุดท้ายเหลือบมองแต่ไม่ทำ

ผลงานศิลปะของ De Kooning กินเวลาเกือบเจ็ดทศวรรษและรวมถึงภาพวาด ประติมากรรม ภาพวาด และภาพพิมพ์ ภาพเขียนสุดท้ายของเขา Source ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือPink Angels (c. 1945), Excavation (1950) และWoman คนที่สามของเขาซีรีส์ (1950–53) ทำในสไตล์จิตรกรและแนวทางด้นสด ในช่วงทศวรรษที่ 1940 เขาทำงานพร้อมกันในรูปแบบนามธรรมและการเป็นตัวแทน ความก้าวหน้าของเขามาพร้อมกับผลงานนามธรรมขาวดำในปี 1948–49 ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 เขาวาดภาพนามธรรมในเมือง กลับไปเป็นรูปเป็นร่างในทศวรรษที่ 1960 จากนั้นจึงวาดภาพนามธรรมด้วยท่าทางขนาดใหญ่ในปี 1970 ในช่วงทศวรรษ 1980 เดอ คูนิ่งได้เปลี่ยนไปทำงานบนพื้นผิวเรียบ โดยเคลือบด้วยสีที่สดใสและโปร่งใสบนชิ้นส่วนของภาพวาดท่าทางสัมผัส

อเมริกันกอทิก – Grant Wood

อเมริกันกอทิก - Grant Wood

ภัณฑารักษ์ Jane Milosch ที่ Smithsonian American Art Museum ควบคู่ไปกับภาพวาดชื่อดังของ Grant Wood ที่เรียกว่า “American Gothic” ขนาดภาพวาด: 78×65 ซม. (30 3/4 x 25 3/4 นิ้ว) สีน้ำมันบนบีเวอร์บอร์ด

Shealah Craighead / ทำเนียบขาว / Getty Images

American Gothicน่าจะเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในบรรดาภาพวาดที่ Grant Wood ศิลปินชาวอเมริกันเคยสร้างมา ปัจจุบันอยู่ในสถาบันศิลปะแห่งชิคาโก

Grant Wood วาดภาพ “American Gothic” ในปีพ. ศ. 2473 โดยแสดงภาพชายและลูกสาว (ไม่ใช่ภรรยาของเขา1 ) ยืนอยู่หน้าบ้านของพวกเขา แกรนท์เห็นอาคารที่เป็นแรงบันดาลใจในการวาดภาพในเมืองเอลดอน รัฐไอโอวา รูปแบบสถาปัตยกรรมคือ American Gothic ซึ่งเป็นที่ที่ภาพวาดได้รับชื่อ นางแบบสำหรับภาพวาดคือน้องสาวของวูดและทันตแพทย์ของพวกเขา 2 . ภาพวาดนี้มีการเซ็นชื่อที่บริเวณขอบด้านล่าง บนชายชุด พร้อมชื่อศิลปินและปี (Grant Wood 1930)

ภาพวาดหมายถึงอะไร? วูดตั้งใจให้เป็นการแสดงลักษณะนิสัยของชาวมิดเวสต์ของอเมริกาอย่างสง่างาม โดยแสดงให้เห็นถึงจริยธรรมที่เคร่งครัดของพวกเขา แต่ถือได้ว่าเป็นความคิดเห็น (เสียดสี) เกี่ยวกับการไม่ยอมรับประชากรในชนบทต่อบุคคลภายนอก สัญลักษณ์ในภาพวาดรวมถึงการทำงานหนัก (โกย) และความในบ้าน (กระถางดอกไม้และผ้ากันเปื้อนพิมพ์ลายอาณานิคม) หากคุณมองใกล้ ๆ คุณจะเห็นง่ามสามง่ามของโกยที่สะท้อนอยู่ในรอยเย็บบนชุดเอี๊ยมของชายคนนั้น ต่อด้วยลายทางบนเสื้อของเขา

ที่มา:
American Gothic , Art Institute of Chicago, สืบค้นเมื่อ 23 มีนาคม 2011

กระป๋องซุปของแคมป์เบลล์ – Andy Warhol

ภาพวาดกระป๋องซุปของ Andy Warhol

ภาพวาดกระป๋องซุปของ Andy Warhol

© Tjeerd Wiersma / Flickr

รายละเอียดจาก Andy Warhol แคมป์เบลซุปกระป๋องอะครีลิคบนผ้าใบ. ภาพเขียน 32 ภาพแต่ละภาพขนาด 20×16 นิ้ว (50.8×40.6 ซม.) ในคอลเล็กชันของพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ (MoMA)ในนิวยอร์ก

วอร์ฮอลได้จัดแสดงภาพวาดกระป๋องซุปของแคมป์เบลล์เป็นครั้งแรกในปี 2505 โดยด้านล่างของภาพแต่ละภาพวางอยู่บน ชั้นวางเหมือนกระป๋องในซุปเปอร์มาร์เก็ต มีภาพวาด 32 ภาพในซีรีส์จำนวนซุปหลากหลายที่ขายในเวลานั้นโดย Campbell’s

ถ้าคุณจินตนาการว่า Warhol เก็บซุปกระป๋องไว้ในตู้กับข้าวแล้วกินกระป๋องในขณะที่เขา วาดภาพเสร็จแล้ว ดูเหมือนไม่ ตามเว็บไซต์ของ Moma Warhol ใช้รายการผลิตภัณฑ์จาก Campbell’s เพื่อกำหนดรสชาติที่แตกต่างกันให้กับภาพวาดแต่ละภาพ

Warhol กล่าวว่า:

“ฉันเคยดื่ม ฉันเคยกินอาหารกลางวันแบบเดิมทุกวันมายี่สิบปีแล้ว ฉันคิดว่าเหมือนเดิมครั้งแล้วครั้งเล่า”1

เห็นได้ชัดว่า Warhol ไม่มีลำดับที่เขาต้องการให้ภาพวาดแสดง Moma แสดงภาพวาด “ในแถวที่สะท้อนถึงลำดับเวลาที่แนะนำ [ซุป] เริ่มต้นด้วย ‘มะเขือเทศ’ ที่ด้านบนซ้ายซึ่งออกมาใน พ.ศ. 2440”

ดังนั้น หากคุณวาดภาพซีรีส์และต้องการให้แสดงในลำดับใดโดยเฉพาะ ให้จดบันทึกเรื่องนี้ไว้ที่ไหนสักแห่ง ขอบด้านหลังของผืนผ้าใบน่าจะดีที่สุดเพราะจะไม่แยกออกจากภาพวาด (แม้ว่าภาพวาดจะถูกซ่อนไว้ก็ตาม)

Warhol เป็นศิลปินที่มักถูกกล่าวถึงโดยจิตรกรที่ต้องการสร้างผลงานลอกเลียนแบบ สองสิ่งที่ควรค่าแก่การสังเกตก่อนทำสิ่งที่คล้ายกัน:

  1. บนเว็บไซต์ของ Momaมีการบ่งชี้ถึงใบอนุญาตจาก Campbell’s Soup Co (กล่าวคือ ข้อตกลงใบอนุญาตระหว่างบริษัทซุปและทรัพย์สินของศิลปิน)
  2. การบังคับใช้ลิขสิทธิ์ดูเหมือนจะไม่ค่อยมีปัญหาในสมัยของ Warhol อย่าตั้งสมมติฐานเรื่องลิขสิทธิ์โดยอิงจากผลงานของ Warhol ทำวิจัยของคุณและตัดสินใจว่าระดับความกังวลของคุณเกี่ยวกับกรณีการละเมิดลิขสิทธิ์ที่เป็นไปได้

แคมป์เบลล์ไม่ได้มอบหมายให้วอร์ฮอลทำภาพเขียน (แม้ว่าพวกเขาจะมอบหมายงานหนึ่งชิ้นให้เป็นประธานคณะกรรมการที่เกษียณอายุในปี 2507) และมีข้อกังวลเมื่อแบรนด์ปรากฏในภาพวาดของวอร์ฮอลในปี 2505 โดยใช้วิธีการรอดูเพื่อตัดสินว่าคำตอบนั้นเป็นอย่างไร อยู่ที่ภาพวาด ในปี 2547, 2549 และ 2555 แคมป์เบลล์ขายกระป๋องพร้อมป้ายที่ระลึก Warhol พิเศษ

ที่มา:
1. ตามที่อ้างถึงในMomaเข้าถึงเมื่อ 31 สิงหาคม 2555

ต้นไม้ที่ใหญ่กว่าใกล้ Warter – David Hockney

David Hockney ต้นไม้ที่ใหญ่กว่าใกล้ Warter

David Hockney ต้นไม้ที่ใหญ่กว่าใกล้ Warter

ด้านบน: รูปภาพ Dan Kitwood / Getty ด้านล่าง: รูปภาพโดย Bruno Vincent / Getty Images

บน:ศิลปิน David Hockney ยืนอยู่ข้างภาพเขียนสีน้ำมัน “Bigger Trees Near Warter” ซึ่งเขาบริจาคให้กับ Tate Britain ในเดือนเมษายน 2008

ด้านล่าง:ภาพวาดนี้จัดแสดงครั้งแรกในนิทรรศการภาคฤดูร้อนปี 2550 ที่ Royal Academy ในลอนดอน ขึ้นบนผนังทั้งหมด

ภาพเขียนสีน้ำมันของ David Hockney เรื่อง “Bigger Trees Near Warter” (เรียกอีกอย่างว่าPeinture en Plein Air pour l’age Post-Photographique ) แสดงให้เห็นฉากใกล้ Bridlington ในยอร์คเชียร์ ภาพวาดที่สร้างจากผืนผ้าใบ 50 ชิ้นวางเรียงชิดกัน เมื่อรวมเข้าด้วยกันแล้ว ขนาดโดยรวมของภาพวาดคือ 40×15 ฟุต (4.6×12 เมตร)

ในขณะที่ Hockney วาดภาพ มันเป็นงานชิ้นที่ใหญ่ที่สุดที่เขาเคยทำเสร็จ แม้ว่าจะไม่ใช่ชิ้นแรกที่เขาสร้างขึ้นโดยใช้ผืนผ้าใบหลายผืน

“ ฉันทำสิ่งนี้เพราะฉันรู้ว่าฉันทำได้โดยไม่ต้องใช้บันได เมื่อคุณกำลังวาดภาพ คุณต้องถอยออกมา มีศิลปินที่ถูกฆ่าตายตอนถอยออกจากบันไดใช่ไหม ”
— Hockney อ้างใน รายงานข่าวของReuterเมื่อวันที่ 7 เมษายน 2551

ฮอคนีย์ใช้ภาพวาดและคอมพิวเตอร์เพื่อช่วยในการจัดองค์ประกอบและการวาดภาพ หลังจากส่วนต่างๆ เสร็จแล้ว เขาก็ถ่ายรูปเพื่อที่เขาจะได้เห็นภาพวาดทั้งหมดบนคอมพิวเตอร์

“อย่างแรก ฮอกนีย์ร่างตารางที่แสดงให้เห็นว่าฉากจะเข้ากันได้อย่างไรกว่า 50 แผง จากนั้นเขาก็เริ่มทำงานบนแผงแต่ละแผงในแหล่งกำเนิด ขณะที่เขาทำงานกับพวกมัน พวกเขาถูกถ่ายรูปและทำเป็นโมเสคคอมพิวเตอร์เพื่อให้เขาสามารถจัดทำแผนภูมิของเขา คืบหน้าเพราะเขาสามารถมีแผ่นผนังได้ครั้งละหกแผ่นเท่านั้น”

ที่มา: 
Charlotte Higgins,   นักข่าวGuardian Arts,  Hockney บริจาคงานมหาศาลให้กับ Tate , 7 เมษายน 2008

ภาพวาดสงครามของ Henry Moore

Henry Moore War Painting

Tube Shelter Perspective Liverpool Street Extension โดย Henry Moore 1941 หมึก สีน้ำ ขี้ผึ้ง และดินสอบนกระดาษ

Tate ©ทำซ้ำโดยได้รับอนุญาตจากมูลนิธิ Henry Moore

นิทรรศการเฮนรี่มัวร์ที่ Tate Britain Gallery ในลอนดอนวิ่งจาก 24 กุมภาพันธ์ – 8 สิงหาคมปี 2010 

ศิลปินชาวอังกฤษ เฮนรี มัวร์ มีชื่อเสียงมากที่สุดจากงานประติมากรรมของเขา แต่ยังเป็นที่รู้จักจากภาพวาดหมึก ขี้ผึ้ง และสีน้ำของผู้คนที่หลบภัยในสถานีรถไฟใต้ดินลอนดอนในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง มัวร์เป็นศิลปินสงครามอย่างเป็นทางการ และนิทรรศการ Henry Mooreในปี 2010 ที่ Tate Britain Gallery มีห้องที่อุทิศให้กับสิ่งเหล่านี้ สร้างขึ้นระหว่างฤดูใบไม้ร่วงปี 1940 และฤดูร้อนปี 1941 การแสดงภาพร่างนอนหลับของเขาที่ซุกตัวอยู่ในอุโมงค์รถไฟจับความรู้สึกเจ็บปวดที่เปลี่ยนชื่อเสียงของเขาและมีอิทธิพลต่อการรับรู้ที่เป็นที่นิยมของ Blitz งานของเขาในทศวรรษ 1950 สะท้อนให้เห็นถึงผลพวงของสงครามและความคาดหวังของความขัดแย้งต่อไป

มัวร์เกิดที่ยอร์กเชียร์และศึกษาที่โรงเรียนศิลปะลีดส์ในปี 2462 หลังจากรับใช้ในสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ในปี พ.ศ. 2464 เขาได้รับทุนการศึกษาจาก Royal College ในลอนดอน หลังจากนั้นเขาได้สอนที่ Royal College และ Chelsea School of Art ตั้งแต่ปี 1940 มัวร์อาศัยอยู่ที่เพอร์รี่สีเขียวใน Hertfordshire ตอนนี้บ้านที่มัวร์มูลนิธิเฮนรี่ที่งาน Venice Biennale ปี 1948 มัวร์ได้รับรางวัล International Sculpture Award

“แฟรงค์” – ชัค โคลส

"แฟรงค์"  - ชัค โคลส

“แฟรงค์” – ชัค โคลส

ทิมวิลสัน / Flickr

“แฟรงค์” โดย Chuck Close, 1969. สีอะครีลิคบนผ้าใบ. ขนาด 108 x 84 x 3 นิ้ว (274.3 x 213.4 x 7.6 ซม.) ในมินนิอาสถาบันศิลปะ

Lucian Freud ภาพเหมือนตนเองและภาพถ่ายบุคคล Photo

การวาดภาพเหมือนตนเอง Lucian Freud

ซ้าย: “Self-Portrait: Reflection” โดย Lucian Freud (2002) 26×20″ (66×50.8 ซม.) สีน้ำมันบนผ้าใบ ขวา: ภาพที่ถ่ายเมื่อเดือนธันวาคม 2550 ภาพ

Scott Wintrow / Getty

ศิลปินLucian Freud ขึ้นชื่อในเรื่องสายตาที่จริงจังและไม่ยอมให้อภัย แต่เมื่อภาพเหมือนตนเองนี้แสดงให้เห็น เขาก็หันมาสนใจตัวเอง ไม่ใช่แค่นางแบบของเขา

1. “ฉันคิดว่าภาพเหมือนที่ดีเกี่ยวข้องกับ … ความรู้สึกและความเป็นตัวของตัวเอง และความเข้มข้นของเรื่องและการมุ่งเน้นเฉพาะเรื่อง”1
2. “…คุณต้องพยายามวาดภาพตัวเองเป็นอีกคนหนึ่ง ด้วยภาพเหมือน ‘ความเหมือน’ กลายเป็นคนละเรื่อง ฉันต้องทำในสิ่งที่รู้สึกโดยไม่แสดงอารมณ์ออกมา”2

ที่มา:
1. Lucian Freud อ้างใน Freud at Work p32-3 2. Lucian Freud อ้างใน Lucian Freud โดย William Feaver (Tate Publishing, London 2002), หน้า 43

“พ่อของโมนาลิซ่า” – แมน เรย์

"พ่อของโมนาลิซ่า"  โดย แมน เรย์

“บิดาแห่งโมนาลิซ่า” โดย แมน เรย์

Neologism / Flickr

“บิดาแห่งโมนาลิซ่า” โดย แมน เรย์ พ.ศ. 2510 การทำซ้ำภาพวาดบนแผ่นใยไม้อัดและเพิ่มซิการ์ ขนาด 18 x 13 5/8 x 2 5/8 นิ้ว (45.7 x 34.6 x 6.7 ซม.) ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ Hirshorn

หลายคนเชื่อมโยง Man Ray กับการถ่ายภาพเท่านั้น แต่เขายังเป็นศิลปินและจิตรกรอีกด้วย เขาเป็นเพื่อนกับศิลปิน Marcel Duchamp และทำงานร่วมกับเขา

ในเดือนพฤษภาคม 2542  นิตยสารArt Newsได้รวม Man Ray ไว้ในรายชื่อ 25 ศิลปินที่ทรงอิทธิพลที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 สำหรับภาพถ่ายของเขาและ “การสำรวจภาพยนตร์ ภาพวาด ประติมากรรม การจับแพะชนแกะ การรวมตัว ต้นแบบเหล่านี้จะเรียกว่าศิลปะการแสดงและ มโนทัศน์ศิลป์” 

ข่าวศิลปะ กล่าวว่า: 

“Man Ray เสนอตัวอย่างความฉลาดทางความคิดสร้างสรรค์แก่ศิลปินในทุกสื่อ โดย ‘การแสวงหาความสุขและเสรีภาพ’ (หลักการชี้นำที่ Man Ray ระบุไว้) ได้ปลดล็อกประตูทุกบานที่มันเข้ามา และเดินไปอย่างอิสระในที่ที่มันต้องการ” (ที่มาของข้อความอ้างอิง: Art ข่าว พฤษภาคม 2542 “จงใจยั่วยุ” โดย AD Coleman)

ชิ้นนี้ “พ่อของโมนาลิซ่า” แสดงให้เห็นว่าความคิดที่ค่อนข้างง่ายจะมีประสิทธิภาพได้อย่างไร ส่วนที่ยากคือการคิดขึ้นเองเป็นอันดับแรก บางครั้งมันก็มาเป็นแรงบันดาลใจ บางครั้งเป็นส่วนหนึ่งของการระดมความคิด บางครั้งโดยการพัฒนาและติดตามแนวคิดหรือความคิด

จิตรกรที่มีชื่อเสียง: Yves Klein

อีฟ ไคลน์

 Charles Wilp / Smithsonian Institution / Hirshhorn Museum

ย้อนหลัง:นิทรรศการ Yves Klein ที่พิพิธภัณฑ์ Hirshhorn ในกรุงวอชิงตัน สหรัฐอเมริกา ตั้งแต่วันที่ 20 พฤษภาคม 2010 ถึง 12 กันยายน 2010

ศิลปินอีฟ ไคลน์น่าจะมีชื่อเสียงมากที่สุดสำหรับงานศิลปะแบบเอกรงค์ซึ่งมีสีน้ำเงินพิเศษของเขา (ดู “พู่กันที่มีชีวิต” เป็นต้น) IKB หรือ International Klein Blue เป็นสีน้ำเงินเข้มที่เขาคิดค้นขึ้น

โดยเรียกตัวเองว่า “จิตรกรแห่งอวกาศ” ไคลน์ “พยายามบรรลุถึงจิตวิญญาณที่ไม่มีตัวตนผ่านสีที่บริสุทธิ์” และเกี่ยวข้องกับ “แนวคิดร่วมสมัยของธรรมชาติเชิงแนวคิดของศิลปะ” 1 .

ไคลน์มีอาชีพที่ค่อนข้างสั้น ไม่ถึงสิบปี งานสาธารณะเรื่องแรกของเขาคือหนังสือของศิลปินYves Peintures (“Yves Paintings”) ตีพิมพ์ในปี 2497 นิทรรศการสาธารณะครั้งแรกของเขาคือในปี 2498 เขาเสียชีวิตด้วยอาการหัวใจวายในปี 2505 อายุ 34 ปี ( เส้นเวลาชีวิตของไคลน์จากอีฟส์ไคลน์ หอจดหมายเหตุ .)

ที่มา:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp?key=21&subkey=252, เข้าถึงเมื่อ 13 พฤษภาคม 2010

“Living Paintbrush” – อีฟ ไคลน์

"พู่กันมีชีวิต"  - อีฟ ไคลน์

ไม่มีชื่อ (ANT154) โดย Yves Klein เม็ดสีและเรซินสังเคราะห์บนกระดาษ บนผ้าใบ 102x70in (259×178ซม.) ในคอลเลกชั่นพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ซานฟรานซิสโก (SFMOMA)

เดวิด มาร์วิค / Flickr

ภาพวาดนี้โดยศิลปินชาวฝรั่งเศสYves Klein (1928-1962) เป็นหนึ่งในซีรีส์ที่เขาใช้ “พู่กันที่มีชีวิต” เขาปิดบังนางแบบสาวนู้ดด้วยสีฟ้าอันเป็นเอกลักษณ์ของเขา (International Klein Blue, IKB) จากนั้นในงานศิลปะการแสดงต่อหน้าผู้ชม “ทาสี” กับพวกเขาบนกระดาษแผ่นใหญ่โดยกำกับด้วยวาจา

ชื่อ “ANT154” มาจากความคิดเห็นของนักวิจารณ์ศิลปะ ปิแอร์ เรสตานี ที่บรรยายภาพเขียนที่ผลิตขึ้นเป็น “มานุษยวิทยาแห่งยุคสีน้ำเงิน” ไคลน์ใช้ตัวย่อ ANT เป็นชื่อซีรีส์

ภาพวาดสีดำ – Ad Reinhardt

ภาพวาดสีดำของ Ad Reinhardt

ภาพวาดสีดำของ Ad Reinhardt

Amy Sia  / Flickr

“มีบางอย่างผิดปกติ ขาดความรับผิดชอบ และไม่สนใจเรื่องสี มีบางอย่างที่ควบคุมไม่ได้ การควบคุมและความมีเหตุมีผลเป็นส่วนหนึ่งของศีลธรรมของฉัน” — Ad Reinhard ในปี 1960 1

ภาพวาดขาวดำโดยศิลปินชาวอเมริกัน Ad Reinhardt (1913-1967) อยู่ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ (Moma) ในนิวยอร์ก ขนาด 60×60 นิ้ว (152.4×152.4 ซม.) สีน้ำมันบนผ้าใบ และทาสีปี 1960-61 ในช่วงทศวรรษที่ผ่านมาและช่วงชีวิตเล็กน้อย (เขาเสียชีวิตในปี 2510) Reinhardt ใช้สีดำในภาพวาดของเขาเอง

Amy Siaผู้ซึ่ง ช่างภาพบอกว่าคนนำทางกำลังชี้ให้เห็นว่าภาพวาดแบ่งออกเป็นเก้าช่องอย่างไร โดยแต่ละสีมีสีดำต่างกัน

ไม่ต้องกังวลหากมองไม่เห็นในภาพ แม้จะมองเห็นได้ยากก็ตาม’ อยู่หน้าภาพวาด ในบทความเรื่อง Reinhardt for the Guggenheim ของเธอ Nancy Spector อธิบายถึงผืนผ้าใบของ Reinhardt ว่า “สี่เหลี่ยมสีดำที่ปิดเสียงซึ่งมีรูปร่างคล้ายไม้กางเขนที่แทบมองไม่เห็น [ที่] ท้าทายขีดจำกัดของการมองเห็น”

ที่มา:
1. Color in Artโดย John Gage, p205
2. Reinhardt โดย Nancy Spector, Guggenheim Museum (เข้าถึง 5 สิงหาคม 2013)

ภาพวาดลอนดอนของ John Virtueue

ภาพวาดของ John Virtue

สีอะครีลิคสีขาว หมึกสีดำ และครั่งบนผ้าใบ ในการสะสมของหอศิลป์แห่งชาติในลอนดอน

Jacob Appelbaum  / Flickr

ศิลปินชาวอังกฤษ John Virtue ได้วาดภาพทิวทัศน์ที่เป็นนามธรรมด้วยภาพขาวดำตั้งแต่ปี 1978 ในดีวีดีที่ผลิตโดย London National Gallery คุณธรรมกล่าวว่าการทำงานเป็นภาพขาวดำบังคับให้เขา “ต้องประดิษฐ์ … เพื่อสร้างใหม่” การละสี “ทำให้ความรู้สึกของฉันลึกซึ้งขึ้นว่ามีสีอะไร … ความรู้สึกของความเป็นจริงในสิ่งที่ฉันเห็น … ดีที่สุดและแม่นยำยิ่งขึ้นและถ่ายทอดได้โดยไม่ใช้จานสีน้ำมัน

นี่เป็นหนึ่งในภาพวาดในลอนดอนของ John Virtue ซึ่งทำขึ้นในขณะที่เขาเป็นศิลปินสมทบที่หอศิลป์แห่งชาติ (ตั้งแต่ปี 2546 ถึง 2548) เว็บไซต์หอศิลป์แห่งชาติของภาพเขียนของคุณธรรมบรรยายถึง “ความผูกพันกับภาพวาดพู่กันตะวันออกและการแสดงออกทางนามธรรมแบบอเมริกัน” และเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับ “จิตรกรภูมิทัศน์ชาวอังกฤษผู้ยิ่งใหญ่ เทอร์เนอร์และตำรวจ ซึ่งคุณธรรมชื่นชมอย่างมาก” ตลอดจนได้รับอิทธิพลจาก ” ทิวทัศน์ของชาวดัตช์และเฟลมิชของ รุยส์ดาเอล โคนิงค์ และรูเบนส์”

คุณธรรมไม่ได้ตั้งชื่อให้กับภาพวาดของเขา แค่ตัวเลขเท่านั้น ในการให้สัมภาษณ์ในนิตยสารArtist’s and Illustratorsฉบับเดือนเมษายน พ.ศ. 2548 Virtue กล่าวว่าเขาเริ่มนับงานของเขาตามลำดับเวลาในปี 2521 เมื่อเขาเริ่มทำงานในขาวดำ:

“ไม่มีลำดับชั้น ไม่สำคัญว่าจะสูง 28 ฟุตหรือ 3 นิ้ว มันเป็นไดอารี่ที่ไม่ใช่คำพูดเกี่ยวกับการดำรงอยู่ของฉัน”

ภาพวาดของเขาเรียกว่า “Landscape No.45” หรือ “Landscape No.630” เป็นต้น

The Art Bin – ไมเคิล แลนดี้

นิทรรศการ Michael Landy Art Bin ที่ South London Gallery

ภาพถ่ายนิทรรศการและภาพวาดที่มีชื่อเสียงเพื่อเพิ่มพูนความรู้ด้านศิลปะของคุณ ภาพจาก “The Art Bin” นิทรรศการโดย Michael Landy ที่ South London Gallery ด้านบน: การยืนข้างถังขยะให้ความรู้สึกถึงขนาดจริงๆ ล่างซ้าย: ส่วนหนึ่งของงานศิลปะในถังขยะ ล่างขวา: ภาพวาดกรอบหนากำลังจะกลายเป็นขยะ

ภาพถ่าย© 2010 Marion Boddy-Evans ได้รับอนุญาตให้ใช้งาน About.com, Inc.

นิทรรศการ Art Bin โดยศิลปิน Michael Landy จัดขึ้นที่South London Galleryตั้งแต่วันที่ 29 มกราคม ถึง 14 มีนาคม 2010 แนวคิดนี้เป็นถังขยะขนาดมหึมา (600 ม. 3 ) ที่สร้างขึ้นในพื้นที่แกลเลอรี ซึ่งงานศิลปะถูกโยนทิ้งไป ” อนุสาวรีย์ความล้มเหลวเชิงสร้างสรรค์” 1 .

แต่ไม่ใช่แค่งานศิลปะเก่า ๆ เท่านั้น คุณต้องสมัครเพื่อโยนงานศิลปะของคุณลงในถังขยะไม่ว่าจะทางออนไลน์หรือที่แกลเลอรี่โดย Michael Landy หรือตัวแทนคนใดคนหนึ่งตัดสินใจว่าจะรวมไว้หรือไม่ ถ้ารับได้ก็โยนลงถังขยะจากหอคอยที่ปลายด้านหนึ่ง

เมื่อฉันอยู่ที่นิทรรศการ มีชิ้นส่วนหลายชิ้นถูกโยนเข้าไป และผู้ที่ทำโยนได้รับการฝึกฝนมากมายจากวิธีที่เขาสามารถทำให้ภาพวาดหนึ่งเลื่อนไปทางขวาของภาชนะ

การตีความศิลปะมุ่งไปสู่เส้นทางที่ว่าเมื่อใด/เพราะเหตุใดศิลปะจึงถูกมองว่าดี (หรือขยะ) ความเป็นตัวตนในคุณค่าของศิลปะ การสะสมงานศิลปะ พลังของนักสะสมงานศิลปะและหอศิลป์ในการสร้างหรือทำลายอาชีพของศิลปิน

การเดินดูสิ่งที่ถูกโยนเข้าไป มีอะไรหัก (ชิ้นพอลิสไตรีนจำนวนมาก) และสิ่งที่ไม่มี (ภาพวาดส่วนใหญ่บนผ้าใบล้วนเป็นภาพทั้งหมด) เป็นเรื่องที่น่าสนใจอย่างยิ่ง ที่ไหนสักแห่งที่ด้านล่างมีพิมพ์หัวกะโหลกขนาดใหญ่ประดับด้วยแก้วโดย Damien Hirst และชิ้นส่วนโดย Tracey Emin ในที่สุด สิ่งที่สามารถนำมารีไซเคิลได้ (เช่น เปลกระดาษและผ้าใบ) และส่วนที่เหลือจะถูกนำไปฝังกลบ ถูกฝังเป็นขยะ ซึ่งไม่น่าจะมีใครขุดขึ้นมาอีกหลายร้อยปีนับจากนี้โดยนักโบราณคดี

ที่มา:
1&2 #Michael Landy: Art Bin (http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp?id=164) เว็บไซต์ South London Gallery เข้าถึงเมื่อ 13 มีนาคม 2010

Barack Obama – Shepard Fairey She

Barack Obama - Shepard Fairey She

“บารัคโอบามา” โดย Shepard Fairey (2008) ลายฉลุ คอลลาจ และอะคริลิกบนกระดาษ 60×44 นิ้ว National Portrait Gallery กรุงวอชิงตัน ดี.ซี. ของขวัญจาก Heather และ Tony Podesta Collection เพื่อเป็นเกียรติแก่ Mary K Podesta

Shepard Fairey / ObeyGiant.com

ภาพวาดของสหรัฐอเมริกานี้นักการเมืองบารักโอบาสื่อผสมรองแก้วจับแพะชนแกะถูกสร้างขึ้นโดย Los Angeles-based ศิลปินถนน, Shepard แฟร์รี เป็นภาพบุคคลส่วนกลางที่ใช้ในการรณรงค์หาเสียงเลือกตั้งประธานาธิบดีปี 2008 ของโอบามา และเผยแพร่ในรูปแบบสิ่งพิมพ์จำนวนจำกัดและดาวน์โหลดฟรี ตอนนี้อยู่ใน National Portrait Gallery ในกรุงวอชิงตัน ดี.ซี.
 

1. “ในการสร้างโปสเตอร์โอบามาของเขา (ซึ่งเขาทำในเวลาไม่ถึงสัปดาห์) แฟรี่หยิบรูปถ่ายข่าวของผู้สมัครจากอินเทอร์เน็ต เขาหาโอบามาที่ดูเป็นประธานาธิบดี … ศิลปินจึงทำให้เส้นและเรขาคณิตง่ายขึ้น , ใช้จานสีรักชาติสีแดง สีขาว และสีน้ำเงิน (ซึ่งเขาเล่นกับสีขาวเป็นสีเบจและสีน้ำเงินเป็นสีพาสเทล)… คำพูดที่เป็นตัวหนา…
2. โปสเตอร์โอบามาของเขา (และโฆษณาและผลงานดีๆ ของเขาอีกมากมาย งานศิลปะ) เป็นการนำเทคนิคของนักโฆษณาชวนเชื่อที่ปฏิวัติวงการมาใช้ซ้ำ – สีสันสดใส ตัวอักษรตัวหนา ความเรียบง่ายทางเรขาคณิต ท่าทางที่กล้าหาญ”

แหล่งที่มา:
“โอบามา ‘s On-the-Wall สลักหลัง”  โดยวิลเลียมบูธ  วอชิงตันโพสต์  18 พฤษภาคม 2008 

“บังสุกุล กุหลาบขาวและผีเสื้อ” – Damien Hirst

Damien Hirst No Love Lost ภาพสีน้ำมันที่ Wallace Collection

“บังสุกุล กุหลาบขาวและผีเสื้อ” โดย Damien Hirst (2008) 1500 x 2300 มม. สีน้ำมันบนผ้าใบ. มารยาท Damien Hirst และ The Wallace Collection

Prudence Cuming Associates Ltd / Damien Hirst

ศิลปินชาวอังกฤษ Damien Hirst มีชื่อเสียงมากที่สุดสำหรับสัตว์ของเขาที่เก็บรักษาไว้ในฟอร์มาลดีไฮด์ แต่ในช่วงต้นยุค 40 ของเขากลับไปใช้ภาพเขียนสีน้ำมัน ในเดือนตุลาคม 2552 เขาได้จัดแสดงภาพวาดที่สร้างขึ้นระหว่างปี 2549 ถึง 2551 เป็นครั้งแรกในลอนดอน ตัวอย่างของภาพวาดที่ยังไม่โด่งดังโดยศิลปินชื่อดังมาจากนิทรรศการของเขาที่ Wallace Collection ในลอนดอนเรื่อง “No Love Lost” (วันที่: 12 ตุลาคม 2552 ถึง 24 มกราคม 2553)

ข่าวบีบีซีอ้างคำพูดของเฮิรสท์ 

“ตอนนี้เขาวาดรูปด้วยมือเพียงอย่างเดียว” ซึ่งเป็นเวลาสองปี “ภาพวาดของเขาน่าอาย และฉันไม่ต้องการให้ใครเข้ามา” และเขา “ต้องเรียนวาดรูปใหม่เป็นครั้งแรกตั้งแต่ยังเป็นวัยรุ่นศิลปะ”1

แถลงข่าวที่มาพร้อมกับนิทรรศการวอลเลซกล่าวว่า: 

“‘จิตรกรรมสีน้ำเงิน’ เป็นพยานถึงทิศทางใหม่ที่กล้าหาญในงานของเขา ภาพวาดชุดหนึ่งซึ่งในคำพูดของศิลปิน ‘เชื่อมโยงอย่างลึกซึ้งกับอดีต'”

การลงสีบนผ้าใบเป็นแนวทางใหม่สำหรับเฮิรสท์อย่างแน่นอน และที่เฮิรสท์ไป นักศึกษาศิลปะมักจะทำตาม ภาพเขียนสีน้ำมันอาจกลายเป็นเทรนด์อีกครั้ง

Laura Porter’s Guide to London Travel ของ About.com ไปชมตัวอย่างงานนิทรรศการของ Hirst และได้รับคำตอบสำหรับคำถามหนึ่งข้อที่ฉันอยากรู้: เขาใช้สีน้ำเงินอะไร

ลอร่าบอกว่ามันเป็น ” ปรัสเซียนสีน้ำเงินสำหรับทุกคนยกเว้นหนึ่งใน 25 ภาพวาดซึ่งเป็นสีดำ” ไม่น่าแปลกใจเลยว่าทำไมมันถึงเป็นสีน้ำเงินเข้มที่คุกรุ่น!

นักวิจารณ์ศิลปะ Adrian Searle จากThe Guardianไม่ค่อยชอบภาพวาดของ Hirst:

“ที่แย่ที่สุด ภาพวาดของเฮิรสท์ดูเป็นมือสมัครเล่นและเป็นวัยรุ่น พู่กันของเขาขาดโอ่อ่าและสวยงามที่ทำให้คุณเชื่อในคำโกหกของจิตรกร เขายังไม่สามารถถอดถอนได้”2

ที่มา:
1 Hirst ‘Gives Up Pickled Animals’ , BBC News, 1 ตุลาคม 2552
2. ” ภาพวาดของ Damien Hirst น่าเบื่อหน่าย ” Adrian Searle, Guardian , 14 ตุลาคม 2552

ศิลปินที่มีชื่อเสียง: Antony Gormley

ศิลปินชื่อดัง แอนโทนี กอร์มลีย์ ผู้สร้างเทวทูตแห่งทิศเหนือ

ศิลปิน Antony Gormley (อยู่เบื้องหน้า) ในวันแรกของงานศิลปะการติดตั้งฐานที่สี่ของเขาในจัตุรัสทราฟัลการ์ในลอนดอน

จิม ไดสัน / Getty Images

Antony Gormley เป็นศิลปินชาวอังกฤษที่บางทีอาจมีชื่อเสียงมากที่สุดจากงานประติมากรรม Angel of the North ซึ่งเปิดตัวในปี 1998 ตั้งอยู่ในเมือง Tyneside ทางตะวันออกเฉียงเหนือของอังกฤษ บนพื้นที่ซึ่งครั้งหนึ่งเคยเป็นเหมืองถ่านหิน ต้อนรับคุณด้วยปีกกว้าง 54 เมตร

ในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2552 งานศิลปะการติดตั้งของกอร์มลีย์บนฐานที่สี่บนจัตุรัสทราฟัลการ์ในลอนดอน ได้เห็นอาสาสมัครยืนอยู่บนฐานแท่นเป็นเวลาหนึ่งชั่วโมง 24 ชั่วโมงต่อวัน เป็นเวลา 100 วัน ต่างจากฐานรูปสลักอื่นๆ บนจตุรัสทราฟัลการ์ ฐานที่สี่ตรงด้านนอกหอศิลป์แห่งชาติ ไม่มีรูปปั้นถาวรอยู่บนนั้น ผู้เข้าร่วมบางคนเป็นศิลปินและร่างมุมมองที่ผิดปกติ (ภาพถ่าย)

Antony Gormley เกิดในปี 1950 ที่ลอนดอน เขาศึกษาในวิทยาลัยต่างๆ ในสหราชอาณาจักรและพุทธศาสนาในอินเดียและศรีลังกา ก่อนจะมุ่งความสนใจไปที่งานประติมากรรมที่โรงเรียนศิลปะสเลดในลอนดอนระหว่างปี 2520-2522 นิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของเขาอยู่ที่หอศิลป์ไวท์ชาเปลในปี 2524 ในปี 2537 กอร์มลีย์ ได้รับรางวัล Turner Prize จาก “Field for the British Isles”

ชีวประวัติของเขาบนเว็บไซต์ของเขากล่าวว่า:

…แอนโทนี กอร์มลีย์ได้ฟื้นฟูภาพลักษณ์ของมนุษย์ในงานประติมากรรมผ่านการตรวจสอบร่างกายอย่างรุนแรงในฐานะสถานที่แห่งความทรงจำและการเปลี่ยนแปลง โดยใช้ร่างกายของเขาเองเป็นวัตถุ เครื่องมือ และวัสดุ ตั้งแต่ปี 1990 เขาได้ขยายความกังวลเกี่ยวกับสภาพของมนุษย์เพื่อสำรวจร่างกายส่วนรวมและความสัมพันธ์ระหว่างตนเองกับผู้อื่นในสถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งขนาดใหญ่ …

กอร์มลีย์ไม่ได้สร้างหุ่นแบบที่เขาทำเพราะเขาไม่สามารถทำรูปปั้นแบบดั้งเดิมได้ แต่เขาพอใจกับความแตกต่างและความสามารถที่พวกเขาให้เราตีความได้ ในการให้สัมภาษณ์กับThe Times 1เขากล่าวว่า:

“รูปปั้นแบบดั้งเดิมไม่ได้เกี่ยวกับศักยภาพ แต่เกี่ยวกับบางสิ่งที่เสร็จสมบูรณ์แล้ว พวกเขามีอำนาจทางศีลธรรมที่กดขี่มากกว่าการทำงานร่วมกัน งานของฉันยอมรับความว่างเปล่าของพวกเขา”

ที่มา:
Antony Gormley ชายผู้ทำลายแม่พิมพ์ โดย John-Paul Flintoff, The Times, 2 มีนาคม 2551

จิตรกรชาวอังกฤษร่วมสมัยที่มีชื่อเสียง

จิตรกรร่วมสมัย

จิตรกรร่วมสมัย.

ปีเตอร์ Macdiarmid / Getty Images

จากซ้ายไปขวา ศิลปิน Bob และ Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego , Michael Craig-Martin, Maggi Hambling , Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakeและ Alison Watt

โอกาสนี้เป็นการชมภาพวาดDiana และ Actaeonโดย Titian (มองไม่เห็น ทางด้านซ้าย) ที่ National Gallery ในลอนดอน โดยมีวัตถุประสงค์เพื่อระดมทุนเพื่อซื้อภาพวาดสำหรับแกลเลอรี

ศิลปินที่มีชื่อเสียง: Lee Krasner และ Jackson Pollock

Lee Krasner และ Jackson Pollock Jackson

Lee Krasner และ Jackson Pollock ทางตะวันออกของ Hampton, ca. 2489 รูปถ่าย 10×7 ซม. เอกสารของ Jackson Pollock และ Lee Krasner, แคลิฟอร์เนีย พ.ศ. 2448-2527 หอจดหมายเหตุแห่งศิลปะอเมริกัน สถาบันสมิธโซเนียน

Ronald Stein / Jackson Pollock และ Lee Krasner Papers

ในบรรดาจิตรกรสองคนนี้Jackson Pollockมีชื่อเสียงมากกว่า Lee Krasner แต่หากปราศจากการสนับสนุนและการส่งเสริมงานศิลปะของเขา เขาอาจไม่มีที่ในไทม์ไลน์ศิลปะที่เขาทำ ทั้งสองวาดในสไตล์นักแสดงออกที่เป็นนามธรรม คราสเนอร์พยายามดิ้นรนเพื่อเรียกร้องวิจารณ์ด้วยตัวเธอเอง มากกว่าที่จะถูกมองว่าเป็นภรรยาของพอลลอค Krasner ทิ้งมรดกไว้ให้ก่อตั้งมูลนิธิ Pollock-Krasnerซึ่งมอบทุนให้กับศิลปินทัศนศิลป์

ขาตั้งบันไดของ Louis Aston Knight

Louis Aston Knight และขาตั้งบันไดของเขา

Louis Aston Knight และขาตั้งบันไดของเขา ค.1890 (ไม่ทราบช่างภาพ พิมพ์ภาพถ่ายขาวดำ ขนาด: 18 ซม. x 13 ซม. คอลเล็กชัน: บันทึกแผนกอ้างอิงศิลปะ Sons ของ Charles Scribner, c. 1865-1957)

หอจดหมายเหตุศิลปะอเมริกัน  / สถาบันสมิ ธ โซเนียนian

หลุยส์ แอสตัน ไนท์ (1873-1948) เป็นศิลปินชาวอเมริกันที่เกิดในปารีส เป็นที่รู้จักจากการวาดภาพทิวทัศน์ของเขา ในขั้นต้นเขาได้รับการฝึกฝนภายใต้พ่อของศิลปิน Daniel Ridgway Knight เขาจัดแสดงที่ French Salon เป็นครั้งแรกในปี 1894 และยังคงจัดแสดงต่อไปตลอดชีวิตในขณะที่ยังได้รับเสียงไชโยโห่ร้องในอเมริกาอีกด้วย ภาพวาดของเขาThe Afterglowถูกซื้อในปี 1922 โดยประธานาธิบดีสหรัฐอเมริกา Warren Harding สำหรับทำเนียบขาว

ภาพนี้จากArchives of American Artโชคไม่ดีที่ไม่ได้ระบุตำแหน่งให้เราทราบ แต่คุณต้องคิดว่าศิลปินคนใดที่เต็มใจที่จะลุยน้ำด้วยขาตั้งและภาพวาดของเขานั้นทุ่มเทอย่างมากในการสังเกตธรรมชาติหรือค่อนข้าง นักแสดง

2440: ชั้นเรียนศิลปะสตรี

William Merritt Chase Art Class

ชั้นเรียนศิลปะสตรีกับอาจารย์ William Merritt Chase

หอจดหมายเหตุศิลปะอเมริกัน  / สถาบันสมิ ธ โซเนียน

ภาพนี้จากปี 1897 จากArchives of American Artแสดงชั้นเรียนศิลปะของผู้หญิงกับอาจารย์ William Merritt Chase ในยุคนั้น ชายและหญิงเข้าชั้นเรียนศิลปะแยกกัน ซึ่งในช่วงเวลานั้น ผู้หญิงโชคดีพอที่จะได้รับการศึกษาด้านศิลปะเลย

Art Summer School ค.ศ.1900

Summer Art School ในปี 1900

Summer Art School ในปี 1900

หอจดหมายเหตุของ American Art  / Smithsonian Institute

นักเรียนศิลปะที่ชั้นเรียนภาคฤดูร้อนของโรงเรียนวิจิตรศิลป์เซนต์ปอล เมืองเมนโดตา รัฐมินนิโซตา ถูกถ่ายรูปในปี 1900 กับครูเบิร์ต ฮาร์วูด

นอกจากแฟชั่นแล้ว หมวกกันแดดขนาดใหญ่ยังมีประโยชน์อย่างมากสำหรับการวาดภาพกลางแจ้งเนื่องจากช่วยไม่ให้แสงแดดเข้าตาและป้องกันไม่ให้ใบหน้าถูกแดดเผา (เช่นเดียวกับเสื้อแขนยาว)

“เรือเนลสันในขวด” – Yinka Shonibar

เรือของเนลสันในขวดบนฐานที่สี่ในจตุรัสทราฟัลการ์ - Yinka Shonibar

เรือของเนลสันในขวดบนฐานที่สี่ในจตุรัสทราฟัลการ์ โดย Yinka Shonibar

รูปภาพ Dan Kitwood / Getty

บางครั้งก็เป็นมาตราส่วนของงานศิลปะที่ให้ผลกระทบอย่างมาก มากกว่าตัวแบบ “เรือของเนลสันในขวด” โดย Yinka Shonibar เป็นชิ้นส่วนดังกล่าว

“เรือเนลสันในขวด” โดย Yinka Shonibar เป็นเรือที่มีความสูง 2.35 เมตรภายในขวดที่สูงกว่า มันเป็นแบบจำลอง 01:29 ขนาดของเรือธงพลเรือโทเนลสัน, HMS Victory

“เรือของเนลสันในขวด” ปรากฏบนฐานที่สี่ในจัตุรัสทราฟัลการ์ในลอนดอนเมื่อวันที่ 24 พฤษภาคม 2010 ฐานที่สี่ว่างเปล่าตั้งแต่ พ.ศ. 2384 ถึง พ.ศ. 2542 เมื่องานศิลปะร่วมสมัยชุดแรกต่อเนื่องได้รับหน้าที่เฉพาะสำหรับฐานโดยสี่ฐานกลุ่มว่าจ้าง

งานศิลปะก่อน “Nelson’s Ship in a Bottle” เป็นผลงาน One & Other โดย Antony Gormley ซึ่งมีบุคคลอื่นยืนอยู่บนฐานแท่นเป็นเวลาหนึ่งชั่วโมงตลอดเวลา 100 วัน

ตั้งแต่ปีพ.ศ. 2548 ถึง พ.ศ. 2550 คุณสามารถเห็นประติมากรรมของมาร์ค ควินน์และตั้งแต่เดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2550 โทมัส ชูทท์ ก็ได้เป็น Model for a Hotel 2007

การออกแบบผ้าบาติกบนใบเรือของ “เรือเนลสันในขวด” ถูกพิมพ์ด้วยมือโดยศิลปินบนผืนผ้าใบ โดยได้รับแรงบันดาลใจจากผ้าจากแอฟริกาและประวัติศาสตร์ของผ้าบาติก ขวดขนาด 5×2.8 เมตร ทำจากเพอร์สเปกซ์ ไม่ใช่แก้ว และขวดที่เปิดกว้างพอที่จะปีนเข้าไปสร้างเรือได้


10 ภาพวาดที่มีมูลค่าสูงที่สุดในโลก จนคุณต้องตะลึง #top10#ท๊อป10


ที่สุดของภาพวาดของศิลปินระดับโลก ที่มีมูลค่าสูงที่สุดประวัติความเป็นมาของศิลปะนั้น ยาวนานเริ่มต้นตั้งแต่ยุคคลาสสิค เรื่อยมาจนถึงยุคปัจจุบัน คนทั่วโลกได้มีโอกาสรู้จักกับยอดจิตรกรเอกอย่าง ลีโอนาโด้ ดาวินชี้, แวน โก๊ะ และ Picasso ผลงานของจิตรกรที่มีชื่อเหล่านี้ ยังคงมีการประมูลอย่างต่อเนื่องในทุกๆ สองถึงสามปี และแน่นอนว่า ได้มีการจดบันทึกเอาไว้ทุกครั้งถึงมูลค่าของภาพเขียนที่ได้จากการประมูล และต่อไปนี้คือภาพวาดที่มีราคาแพงที่สุด 10 อันดับแรกของโลก โดยมีราคารวมกันราว 2,920 ล้านดอลล่าสหรัฐ หรือ 93,440 ล้านบาทเลยทีเดียว ลองมาติดตามดูกันว่ามีภาพวาดจากศิลปินคนไหนบ้าง
top10
ท๊อป10

นอกจากการดูบทความนี้แล้ว คุณยังสามารถดูข้อมูลที่เป็นประโยชน์อื่นๆ อีกมากมายที่เราให้ไว้ที่นี่: ดูความรู้เพิ่มเติมที่นี่

10 ภาพวาดที่มีมูลค่าสูงที่สุดในโลก จนคุณต้องตะลึง #top10#ท๊อป10

กฤษนะ ตะลึง!! ภาพ อลังการ ถวัลย์ ดัชนี


กฤษนะ ตะลึง!! ภาพ อลังการ ถวัลย์ ดัชนี
ติดตามได้ใน
http://www.nationchannel.com

กฤษนะ ตะลึง!! ภาพ อลังการ ถวัลย์ ดัชนี

ศิลปินวาดภาพพร้อมกันสองมือ (30 มี.ค. 62)


ความสามารถของศิลปินหญิงคนหนึ่งในเนเธอร์แลนด์ เธอใช้ 2 มือ วาดภาพเหมือน 2 ภาพพร้อมกันได้ แต่จะสวยและเหมือนจริงขนาดไหน ต้องไปดู ติดตามชมในรายการ \”สีสันทันโลก\” ทุกวันเสาร์ เวลา 13.00 น. ทางไทยพีบีเอส http://www.thaipbs.or.th/SeeSanTunLoke

กด Subscribe
ติดตามรายการดีๆของช่อง ได้ที่ : http://goo.gl/hdy2ye
และ ติดตามไทยพีบีเอสออนไลน์ ได้ที่
Website : http://www.thaipbs.or.th
Facebook : http://www.fb.com/ThaiPBSFan
Twitter : http://www.twitter.com/ThaiPBS
Instagram : http://www.instagram.com/ThaiPBS
Google Plus : http://www.thaipbs.or.th/GooglePlus
LINE : http://bit.ly/2GtS44i
Youtube : http://www.youtube.com/user/ThaiPBS

ศิลปินวาดภาพพร้อมกันสองมือ (30 มี.ค. 62)

5 ปริศนาเบื้องหลังภาพวาดดังก้องโลก


หลายคนคงคุ้นเคยกับประโยคดังที่ว่า “ศิลปะยืนยาว ชีวิตสั้น” และก็ดูจะเป็นจริงดังนั้น เพราะถึงแม้ศิลปินผู้สร้างสรรค์งานศิลป์จะได้ลาจากโลกนี้ไปแล้ว แต่ผลงานและชื่อเสียงของพวกเขาก็ยังคงเป็นที่พูดจนทุกวันนี้ แต่นอกจากชีวประวัติของศิลปินและผลงานอันแสนโด่งดังของพวกเขาแล้ว เรื่องราวเบื้องหลังภาพวาดส่วนใหญ่กลับเต็มไปด้วยปริศนาที่มีแต่ศิลปินเท่านั้นที่รู้ และนี่คือ 5 ปริศนาเบื้องหลังภาพวาดดังก้องโลก
ศิลปะ ปริศนา โมนาลิซา ศิลปิน ชีวประวัติ เบื้องหลังภาพวาด จิตรกรรม ลิโอนาร์โด ดาวินชี The blue room ปาโบล ปิกัสโซ จิตรกร ยูเอฟโอ Madonna and saint giovannino พระแม่มารี เซนต์โจวานนีโน โดเมนิโก กีร์ลันดาโย The last supper Las Meninas ดิเอโก เบลาสเกวซ พระเจ้าฟิลิปที่ 4 พระนางมาเรียนา Mona Lisa Leonardo da Vinci Heidelberg Document ราชวงศ์สเปน Diego Velazquez History Mystery
✪ กดติดตามช่อง\r
https://goo.gl/ogRJJL\r
\r
✪ ติดต่อโฆษณา หรือ Sponsor ช่อง ได้ทาง \r
https://www.facebook.com/abdulthaitube\r
\r
✪ จ้างอับดุลย์พากษ์เสียงได้นะครับ\r
https://www.facebook.com/abdulthaitube/posts/1769821226457306

5 ปริศนาเบื้องหลังภาพวาดดังก้องโลก

บ้านศิลปินแห่งชาติ ดร กมล ทัศนาญชลี ศิลปินแห่งชาติ


ดร. กมล ทัศนาญชลี เกิดเมื่อวันที่ ๑๗ มกราคม พุทธศักราช ๒๔๘๗ ที่กรุงเทพมหานคร เป็นศิลปินคนสำคัญและดีเด่นในด้านจิตกรรมและสื่อผสมร่วมสมัยของไทย ที่ได้รับการยอมรับและยกย่องทั้งในและต่างประเทศ เป็นศิลปินที่อุทิศตนให้กับการสร้างสรรค์ศิลปะอย่างต่อเนื่องเป็นเวลายาวนานกว่า ๔๐ ปี ได้พัฒนาผลงานศิลปะร่วมสมัยตลอดเวลา จนเป็นที่ยอมรับว่า เป็นผู้นำคนสำคัญคนหนึ่งของวงการศิลปะร่วมสมัยของไทย มีผลงานที่เป็นเอกลักษณ์ของตนในแนวทางสากลที่มีพื้นฐานจากศิลปะแบบประเพณีไทยในอดีต นอกจากนี้ยังมีบทบาทสำคัญยิ่ง ในเรื่องการเผยแพร่ผลงานศิลปะไทยทั้งในและต่างประเทศ สนับสนุนและส่งเสริมศิลปินและนักวิชาการศิลปะของไทยในเรื่องการศึกษาและหาประสบการณ์ เป็นผู้ดำเนินการศูนย์ศิลปกรรมไทยและสภาศิลปกรรมไทย เพื่อการเผยแพร่ศิลปะไทยในสหรัฐอเมริกา ให้บริการสังคมด้วยศิลปะและวิชาการเป็นอย่างดี ถ่ายทอดความรู้และประสบการณ์เป็นวิทยาทานแก่สถาบันการศึกษาวิชาศิลปะทั่วประเทศและในต่างประเทศปัจจุบันคงสร้างสรรค์ผลงานศิลปะและเผยแพร่ศิลปะและอุทิศตนให้กับงานการกุศล ดำรงและดำเนินชีวิตอย่างมีคุณค่า มีคุณสมบัติเพียบพร้อมในความเป็นศิลปินที่ดีงาม เป็นแบบอย่างที่ดีแก่อนุชนรุ่นหลังได้เป็นอย่างดี
ดร. กมล ทัศนาญชลี จึงได้รับการยกย่องเชิดชูเกียรติเป็นศิลปินแห่งชาติ สาขาทัศนศิลป์ (จิตรกรรมและสื่อผสม)ประจำปีพุทธศักราช ๒๕๔๐

บ้านศิลปินแห่งชาติ ดร กมล ทัศนาญชลี ศิลปินแห่งชาติ

นอกจากการดูบทความนี้แล้ว คุณยังสามารถดูข้อมูลที่เป็นประโยชน์อื่นๆ อีกมากมายที่เราให้ไว้ที่นี่: ดูวิธีอื่นๆWiki

ขอบคุณมากสำหรับการดูหัวข้อโพสต์ ภาพ วาด ศิลปิน ตะวันตก

Leave a Reply

Your email address will not be published. Required fields are marked *